Charlotte Colgate/Germany

Charlotte Colgate

Germany

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Curator

Performance, Video, Installation

residency March 2017

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シャーロット・コルゲート

ドイツ

パフォーマンス・ビデオ・インスタレーション

2017年3月滞在作家

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C.Colgate pic_mono_縮

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イギリス生まれマンチェスターで学んだ後、ロンドン「テート・モダン」ベルリン、香港「CMW」「アート・バーゼル」で働いた経験を持つ。現在はベルリンに住んでアート活動を行う。

作家のアートの実践は、社会的または文化的、時には政治的な問題を扱う。社会生活で生じる個人的な境界とそれをコントロールする感覚、コミュニティのグループ内で知覚される境界線など人々の限界、差異、猥褻、暴力、親密さ、自律性などのテーマが大きな部分を占める。

作家としての実践にとどまらず、キュレーター・アート実務全般・アートファシリテーターとして活動する。それらは芸術的成果の統合要素として不可欠である。具体的には、Amand Parishと名乗るもう一人のアーティスト(自分)を、Charlotte Colgateがキュレーションするかたちをとる。

山梨の印象はベルリンに比べて静か・雄大・力強い・守られている。ヨーロッパでは、ある一日に1300人以上アフリカ・中東の難民が地中海で保護されたという事実を多比させて考え、インスタレーションとパフォーマンスで表現する。

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【滞在作家x山梨作家シリーズ③】

Charlotte Colgate x Mitsuru Tatsuno /龍野 充 guitar

「越境_Another Drop in the Ocean」

 25th 26th March @AIRY

11:00-17:00

performance with Tatsuno 11:00-, 15:00- (both 2 days)

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龍野は甲府市出身のギタリストで、中学時代からギターを始めセッションに多数参加して腕を磨いている。桜座スタッフとして「桜座ジャム」を毎月開催、セッションホストを多数こなす若き有望な音楽家であり、ジャズや即興音楽に造詣が深い。4回行われるコルゲートのパフォーマンスにライブギターでコラボレーションして、ベルリンと山梨を結ぶ。

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  1. What is ocean / lake to you?

(Title, refugee, nature, Japan)

The landscape of Yamanashi, an area nestled in the protective bosom of imposing mountains, appealed to me on two levels. Firstly, for its striking contrast to the flat and sprawling cityscape of my adopted home, Berlin.  Secondly, it seemed to draw parallels between the mindsets of many people in Europe at the moment. Hunkered down in their safe valleys, surrounded by barriers, whilst crisis upon crisis unfolds around them.

The title ‘Another Drop in the Ocean’ refers to an English phrase meaning that something is of a small amount, and is therefore inconsequential. There has been a collective turning of a blind eye to the peril and inhumane treatment that migrants are facing in the current refugee crisis. Instead of discussing the root causes that have led to the mass exodus of millions of people, there has been a sharp rise in ‘populist’ rhetoric. There is a consensus to dismiss and whitewash segments of news that we feel touches too close to the bone. The idea that we, ourselves as westerners, could face the same injustices and upheaval is far too brutal for many to accept. It’s much easier to keep the problem at arm’s length.

By bringing an issue that is at the forefront of people’s lives in Europe to a distant land, I hope to reflect not just the physical space, but also the intangible void between those seeking refuge and the inhabitants of the destinations.

 

  1. Why you focused on refugees and decided to use their blanckets.?

The particular crisis I want to highlight with ‘Another Drop in the Ocean’, is the ongoing, and devastating refugee crisis. Every week scores of people are rescued from stretches of sea as they attempt to reach Europe and its purported safety. Images of migrants wrapped in gold and silver emergency blankets, huddled on boats and heading to an uncertain reception, can be seen in the European press.

The emergency blankets have become synonymous with the refugee crisis. By using the blankets to create walls reminiscent of the mountainous setting, I hope to create a link between Europe and Japan. The blankets are still protective, but in a different way, forming walls that enclose the performers in its space.

Inside these fabricated borders, I will syringe ink from a small hand basin into a large tray of water, where the hem of my white dress will hang. As I slowly transfer the ink from one vessel to another it will start to stain and blacken the dress from the bottom upwards. Bit by bit, the black drops in the water will become one whole inky sea.

 

  1. Is there a message about this?

Although I have focused on a specific crisis and have used materials associated with it, I want to address the conscious ‘brushing under the carpet’ of crises we feel to be very distant and detached from our everyday lives.

Don’t turn a blind eye. We are not so distant and different from each other. Being socially aware and informed can lead to constructive dialogue and resolutions.

 

  1. After coming to Japan?

I’ve felt very welcomed in Japan, especially within the artistic community in Kofu. People are very generous with their time and support of others. For that I am very grateful and should also say thanks to Izumi Sakamoto for being the powerhouse of art, inspiration and compassion that she is.

Being in a different environment and purposefully using it as an element of my artistic practice is something that I haven’t explored much before. I’d like to make further investigations into combining spaces or landscapes more pointedly into future works.

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  1. あなたにとって海/湖とは?

周囲を山々に囲まれ守られている山梨の土地や風景は、私に二つの印象を与えた。まずは平な街並み続く故郷ベルリンと決定的な違いを感じたこと。次に、日々の出来事、危機が起こる一方で、安全な村やバリアに囲まれている環境では、ヨーロッパの人々の思考体系に、それは線が描かれるようなものではないか、ということだ。

タイトルの’Another Drop in the Ocean’(大海の一滴)とは英語の言い回しで、あまりに小さすぎて取るに足らない、ということ。大勢が目をそらす、非人道的扱いを受けている難民が直面している難民危機、問題の根源を探ろうとする代わりに、おびただしい数の人間を祖国から出国させ、人民主義的な綺麗事を掲げる者まで現れた。身近なそのニュースを見て見ぬふりをする共通認識が生まれている。私たち西洋人が直面している不公平、不平等な騒動は、多くの人にとって受け入れがたいものなのかもしれない。それよりも、一定距離を保つ方がよっぽど楽なのである。

ヨーロッパでは人々の目の前にあるこの問題を、遠く離れた日本に持ってくること、それはただ形や空間だけを感じとるのでなく、知らない土地からの逃げてくる住民(難民)の、実体のない虚無感も感じとって欲しいと思う。

 

  1. なぜ難民に焦点を当てて、彼らの救命ブランケットを使うことにしたのか?

今回の展示で得に注目したいものは、現在進行中の痛烈な難民危機である。毎週大勢の難民が、安全を期待してヨーロッパの地にたどり着くよう試み失敗し、海で救助されている。金と銀の救命ブランケットは、ヨーロッパで報道される、船に詰め込まれた難民の先行き不安なイメージを表現している。

救命ブランケットは今や難民危機の代名詞となってきている。それを壁に山のようにセットしヨーロッパと日本を繋げたいと思った。ブランケットは人を保護してくれるものだが、言い方を変えると、壁を形作ることでパフォーマーをその空間に閉じ込めもする。

(展示期間中のパフォーマンスでは)その囲われた境界の中で、小さな桶から、白い衣装の入る大きなトレイの中にスポイトで水を垂らしていく。インクをゆっくりと垂らし続けていくと、白い衣装は裾から上に向かって徐々に黒くなっていく。ほんの少しづつだが黒い水滴がやがてはインクの海のようになってゆく。

 

  1. 作品において何かメッセージがありますか?

今回は、ある特定の(難民)危機に焦点を当て、それに関する材料を使うことにしたが、それだけではなく私たちの生活の中において、他人事で実感のない、つい見てみるふりをしてしまうような様々な危機に、意識を持っていきたいとも考えていた。無関心でいないでほしい、目をそらさないでほしい。私たち人間は、全く種類の違う、距離のある者同士ではないはずだ。社会的現実に関心を持つこと、そして知ることが、対話と決断を導いてくれる。

 

  1. 日本に来てから何か得たものはあるか?

日本に来てからは、自分が受け入れられているなと感じる。特にAIRYでは私の手助けしてくれる優しい人達に会うことができた。感謝をしていると同時に、アートの集まる場所を作ってくれて、そこでインスピレーションを与え、暖かい手を差し伸べてくれている坂本泉さんにお礼を言いたい。CHaNNEL

https://www.facebook.com/berlin.channel/?pnref=story

(translation by Nagisa Mitsumori)

 

Melissa Lui Yuen/Australia

Melissa Lui Yuen

http://www.mellopoly.com

Australia

illustration

residency March 2017

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メリッサ・ルイユエン

オーストラリア

イラストレーション

2017年3月滞在

 

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メリッサ・ルイユエンはオーストラリアのパースで活動するアーティストです。

「Mellopoly/メロポリー」は作家の造語で、創造的かつ気まぐれなアート実践を意味します。

ルイユエンは日々の生活の中で、人間の精神世界要素を観察してリズミカルで視覚的な詩やキャッチフレーズを作ります。そこから呼び起こされたインスピレーションがアーカイブインクを使って、水彩紙の上に瞑想的なラインを引きます。手描きで引く線は、創造的プロセスを経て不確実性と冒険に満ち愛想があります。他の人に同じような子どものような驚きの感覚で世界を見てもらうことを願うと言います。

美術・デザインの専門的訓練を受けていない作家は、観察・実験・実践を通して遊び心にあふれる独創的スタイルを開発しました。日々の生活で美を追及し、不思議と好奇心が芸術実践を促します。

大学で法学専攻、現在は西オーストラリア州公務員として勤める傍ら5年前からアート制作を始めた。

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【滞在作家x山梨作家シリーズ②】

Melissa Lui Yuen x Sogaku Yamada/山田蒼岳

「星とたんぽぽ_Stars Unseen In Daylight」

25th 26th March @AIRY

11:00-17:00

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Sogaku Yamada / 山田蒼岳 / 山梨 書

6歳で書道教室に入門以来、書と向き合う日々をおくる。
現在は教室を主宰すると同時に、独自のアブストラクト書をしたためて発表。
また「繭の森プロジェクト」「母へ贈る手紙」を開催して生活と書を結ぶ活動や、演劇の舞台監督を務める。

モットーは「書くことの楽しさを知れば、字の表情も変わる」

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「星とたんぽぽ」(金子みすず詩集から)

日中は目に見えないが確かにそこにある星々を感じる。

二人の作家は日々の生活での観察・実験・実践を通して遊び心にあふれる独創的スタイルを開発します。不思議と好奇心が芸術実践を促します。ともに手描きで引く線はナイーブでユーモラスであると同時に感謝と希望を表現し、大切だけど目には見えないメッセージを暗示しています。

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1: What made you draw nature in your own style?

I think nature is one of the simplest pleasures in life. It’s a gift that helps us to cultivate gratitude, compassion and appreciation – appreciation for this world and our part in it. I think that meditating on nature reminds us of the interconnectedness of all things, that we are connected to nature, and to eachother.

My illustration style has been shaped by the things that I like – for example I love Kusama Yayoi’s playful dots, and Matisse’s philosophy around colour, as well as the way pointillist painters like Georges Seurat explored colour through tiny dots. All of these ideas have influenced the way that I illustrate. I love illustrating intense detail to invite the view to look a bit closer. It is therapeutic and calming for me to draw this way, and I hope the viewer feels the same when looking at the work.

 

2: Your major was law, why and when did you decide to start drawing?

I started drawing again after a period of soul searching during my mid-20s. I had been working full time in the Australian Government for a few years and though I had a good job, I found myself asking whether there was something more. I was not happy for a long time, and started drawing again simply because it was something that I used to love doing as a child. My artwork has evolved and developed since then, and I have now been illustrating and exhibiting for the past three years.

I used to think I wanted to be successful. However, even with a successful job I was not happy. What I learnt through making my art is that it is important to first do the things that you love and are passionate about – and when you do that, then you are already living a successful life. Art is a creative break from my full time job, but it has also helped make me more attune to the world around me and to practice gratitude everyday. To be awake to everything around you and the beauty that exists – that is success.

 

3: Do you have any messages on your artworks?

In the past, I have incorporated hand-lettering in my artwork about doing things that you love, or thinking about others. While I do not have any specific messages in this exhibition, the themes are still the same – a celebration of the natural world and an underlying sense of gratitude for being a part of it.

My artwork explores what it is like to have that sense of childlike wonder about the world, and the innocent delight and joy that children feel about the simplest of things – things like playing with a dandelion, colourful flowers, shapes of the clouds. As adults we can lose sight of that wonder and playfulness, and be lost in routine and work. My artwork invites the viewer to celebrate small moments in nature again. This particular collection of work celebrates the gentle transition from winter to spring in Japan, and the sense of excitement in the air about what is to come.

 

4: After coming to Kofu, did you get inspired by anything?

I waited until I arrived in Japan to decide on what to explore in my exhibition at AIR-Y. This means, ultimately, my whole experience in Kofu and travelling around Japan has influenced the work.

I was here during the transition from winter to spring, and the sense of anticipation is really palpable. There is a sense of joy and excitement about the coming of spring and I found that particularly noticeable in Japan compared to other places I have been. I think it is because of the very stark contrast between the cold February winter weather and the gradual transition to the pinks and sunshine of March spring. That is certainly something I hoped to capture in the exhibition.

I also discovered Kaneko Misuzu’s poetry while I was here in Japan. Her work really resonated with me because of its message about compassion for nature, and her innocent, childlike perspective on the world. The title for this exhibition is inspired by her poem about beauty in the unseen.

More broadly, my time in Japan and seeing different Japanese artworks and design has taught me the power of restraint and minimalism. When I tried shodou I found that a few intentional and careful strokes of ink can create a beautiful and striking artwork. Art does not have to take over a complete page in order to be impactful. That was an important lesson for me and something that I will remember in the future as well.

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Question 1:この技法で、自然を描こうと思った訳は?

人生において、自然とはまさに最もシンプルな喜びではないかと思う。深い感謝の気持ちが湧いてきて、感動や恵み(この世界と、自分がその一部であるという)にも気づかされる。自然を瞑想することは、全てのものの繋がり、自然と互いとの結びつきを思い出させてくれる。

私のイラストの作品は、自分の好きなものに影響を受け形成されてきた。例えば、草間彌生の遊び心ある水玉模様、マティスの色に見受けられる哲学、そしてGeorges Seurat(ジョルジュ・スーラー)が見い出した細かい点描画。

私はとても細かいイラストを描くが、その時はセラピーを受けている時のように心落ち着く時間で、見てくれる側にもそれを感じてもらえたら嬉しい。

 

Question 2: 専攻は法学であるが、何故、そしていつから描こうと思ったのか?

自分探しをしていた期間を経て、再び描き始めたのは20代半ば。オーストラリア政府で数年、フルタイムで働いている自分に問いかけた。確かに良い仕事に就いている、でも他にすべき何かがあるのでは、と。長い間、本当の幸せを感じられなかった時、子供の頃は絵を描くことが大好きだった自分を思い出し、ただ純粋に、もう一度描いてみようと思い始めた。その時から少しずつ私の作品は進化、変化しながら今では三年ほど制作や作品発表に携わっている。

私は常々、人生成功したいと思っていた。しかし、良い仕事に就いたとしても幸せではなかったのだ。絵を描くこと、制作を通して学んだことは、自分の大好きなことに情熱を注げることをすべきであるということ。それを実行できている時、人は本当の意味での成功の人生を生きていると思う。アートは仕事から解放される創造的なものであると同時に、周りの世界との調和を促し、日々の喜びを感じさせてくれるものである。それらに目覚め、その美しさを悟ること、それこそが成功なのだ。

 

Question 3: 作品に何かメッセージがありますか?

これまで作品に説明書きはしてこなかったので、今回の展示でも何か特別なメッセージはないが、やはりずっと変わらない以下のことがテーマであると思う。それは、自然界への賛美と、その一部でいられることへの感謝の気持ちである。

私は作品の中に、子供達が世界に対して持つ問いや不思議、たいしたものでない物に純粋なわくわくを感じる彼らの喜びを探し続けている。それは、たんぽぽだったり、色々な色の花だったり、形を変える雲だったり。私の作品にも、やはり見る人にそのような自然の小さな瞬間を感じてもらいたい。ここに集めた作品は、日本の冬から春への移り変わり、空気の中にある始まりの躍動を祝うものたちと言っていい。

 

Question 4:来日後、何かに影響を受けましたか?

私はAIRYで何を制作発表しようか、日本に降り立つまで待っていた。その結果、甲府での色々な経験、日本各地の旅が全て作品に影響した。ちょうど季節の変わり目に日本に来て、その実感をリアルに得ることもできた。春の訪れを待つ喜びや楽しみは、他のどの国よりも日本に特徴的だと思う。その理由に、厳しい寒さの冬の二月と、徐々に春色に移ろう春の三月というはっきりとした対比があるからではないかと思う。これはまさに私が今回の展示で捉えたかったものである。

同時に、金子みすゞの詩と出会うことができた。彼女の詩は、自然への敬愛のメッセージ、彼女自身の純粋さ、幼子のような世界観が含まれ、私の心の奥底にまで響いてきた。見えないものの美しさという金子みすゞの詩に感銘を受け今回の展示のタイトルを決めた。

更に、日本での時間や日本人作家の作品を見ることで、私は、制限された中での力強さを教わった。書道をさせてもらった時、少しの力の入れ具合や注意深さが、美しさや芸術性を生むことになると発見した。アートとは、必ずしも影響力を持つ為に完全なる文章などでなくていい。そのことは私にとって重要で大切な、きっと生涯忘れることのない教えとなった。http://www.mellopoly.com

(translation by Nagisa Mitsumori)

 

 

Sandra Leandersson /Finland

—it has been postponed—

Sandra Leandersson

sandraleandersson.tumblr.com

Finland

Textile, photo, text, video

residency March 2017

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サンドラ・リアンダーソン

フィンランド

テキスタイル、写真、テキスト、ビデオ

2017年3月滞在

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サンドラ・リアンダーソンはフィンランド生まれで、現在はスウェーデンストックホルムで活動する作家です。工芸の分野で刺繍を中心に制作しています。

タペストリーを作ることは、柔らかい3次元のものを作るということ。

その作品をデザインまたは工芸品として見なして、テキスタイルというものを人々の頭の中に生きているものとして伝えようとします。

自分の感情に出会うこと、自分のバランスを見つけること、そして周囲のものとのバランスが大切です。感情は人の内的感情や社会的過程を表わすだけではありません。私たちは常に周りのものの影響を受けています。

人間が言い表せないもの、曖昧なもの、剪断的なもの、解決できないもの、享受できないものを忘れる。論理を超えたものに焦点を当てます。

自分の感受性を信じ、日常生活を通して表現衝動が現れる兆候を待ちながら。

 

 

Aston Creus/Australia

Aston Creus

Australia

http://www.astoncreus.com/

computer programming, sculpture, print, writing, photo, installation

residency February 2017

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アストン・クレウス

オーストラリア

コンピュータプログラミング、彫刻、版画、著述、写真、インスタレーション

2017年2月滞在

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アストン・クレウスはオーストラリアのシドニーの拠点に活動する新進のスタジオ作家で、国内または地元で展覧会を開催しています。彼のアートの実践は相互メディア・彫刻・インスタレーション・エレクトロニクス・バーチャルリアリティ・ハードウェアのハッキングなどの領域を自由に行き来します。作品ではビデオゲームの分野で行うデジタル操作を認識し、またはそれらを彫刻に翻訳することによって物理的な存在感を与えることを意味します。

滞在中はファンタジーの物語と想像上の特徴を景観に重ね合わせるために、不思議で不確実性のある場所を見つける必要があります。私にとって未知で広大な自然環境に囲まれた山梨県で、この発見過程を通して自分の一時的な住居を作りながら芸術を創造することができるでしょう。私は森林浴(英語訳がない)を実施した後に、スタジオでテキストやロールプレイを使ってこれらの体験をデジタル形式に変えたいと考えています。デジタル操作とコンピューティングを周辺地域や都市の重要なサイト固有の要素と組み合わせた彫刻とパフォーマンスを作りたいと考えています。山梨の人々の考え方や自然環境の話などが、私の制作と理解に影響を与えるでしょう。

 

森  林  浴

THE FOREST SWALLOWS ME

Aston Creus xSakura Fantasma

@AIRY

2017, 02, 25 sat & 26 sun   11:00-17:00

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「森林カフェ」オープン

26 sun  13:00-15:00

トーク+森林ドリンク+フード

参加無料です*お気軽にどうぞ

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滞在作家と山梨作家シリーズ①
Aston Creus(オーストラリア)xSakura Fantasma(山梨)

海外の作家と日本人の作家を組み合わせて発表します。
作家同士が発表に至る時間と空間を共有することで
どんな反応が起こるのでしょうか?
第一回目はオーストラリアと山梨の作家です。
ファンタジーを自然の中に見つけて、豊かな想像力で提示する二人の作家はともに森を歩き対話を重ねています。
ぜひ若い作家たちに会いに来てください!
「森林カフェ」では二人の作家によるドリンク&フード提供予定

作家紹介
✩Aston Creus/アストン・クレウス(オーストラリア)
http://www.astoncreus.com/
ファンタジーの物語と想像上の特徴を景観に重ね合わせる
デジタル操作とコンピューティングを山梨固有の要素と組み合わせて、立体とパフォーマンスを作りたい。

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✩Sakura Fantasma/サクラ・ファンタスマ(山梨)
http://sakurafantasma.tumblr.com/
ホラー嫌いのFantasma(おばけ)
自然・音楽・古物から生まれたイメージをイラストレーションやコラージュ・ペインティングを主に、国内外問わず制作&発表をしている。

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「森林カフェ」オープン

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2月26日(日)13:00-15:00
トーク+ドリンク+フード
***参加無料です*お気軽にどうぞ

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   [Forest] Fantasma               [PSI Freeze Ω] Creus                        [Untitled] Fantasma
 graphite on paper                  hydrographic print on metal            graphite on paper
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[Untitled /amongst the evergreens] Fantasma & Creus
hydrographic print on plate
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           [The soil will suck the minerals from my bones, and it will taste my disappointment]Creus
hand engraved text on Kawara tile
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[Mori no Mamorigami] Fantasma                                  [Regency um] Creus
 acrylic on textile                                          mixed media and cast-iron on gas canister
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[Kofu-landscape-study-2] Creus
TV, costom modified version of ‘Cabelas Big Game Hunter: Pro Hunts’, programming

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exhibition photos by Ikumo Motosugi

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                                                                                     Artist Talk 26th February @AIRY

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introduction by local paper

ようこそ秋吉台国際芸術村から

2016年末と2017年始にかけて

山口県秋吉台国際芸術村から二人の訪問客あり

ようこそ甲府へ!!!

同じ作家さんが秋吉台へ行ったりエアリーに来たりで共通の話題が多く

AIRのやりがいや苦労話で盛り上がります。

 秋吉台国際芸術村→ttp://aiav.jp/

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2016年12月 初甲府の森下千恵@エアリーエントランス

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「巨峰ぶどう」が有名な山梨市牧丘にて、「津野田ファーム」を訪問

持ち寄りランチで一息、後ろにはエアリー滞在作家さんたちの作品が飾られて

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2017年1月 塩田のぞみ@武田信玄像 彼女は甲府は〇回目のリピーター

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山口県といえば「ふぐの郷」いただきました

甲府で美術にふれる~Touching art in Kofu

エアリー入口

https://www.nashidai-bikyo.net/%E6%A2%A8%E5%A4%A7%E7%BE%8E%E6%95%99%E3%81%AB%E5%85%A5%E3%81%A3%E3%81%9F%E3%82%89/%E3%81%8A%E3%81%99%E3%81%99%E3%82%81%E6%83%85%E5%A0%B1/

梨大美教に入ったら/おすすめ情報/

山梨大学、略して梨大

「梨大美術教育に入ったら~おすすめ情報」ページで紹介していただきました。

平野千枝子先生による

山梨の隠れアートスペースが紹介されていておススメです。

 

 

Liisa Kruusmagi / Estonia Calendar 2017

リーザの2017年カレンダーが入荷しました✩✩✩国内初です

送料込み2200円でお譲りしますのでお早めにどうぞ

実費で国内郵送いたしますのでお問い合わせくださいませ。

作家ウェブサイト:http://liisakruusmagi.tumblr.com/

 

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「マレーシアどうだった?」

「マレーシアどうだった?」
~Pulau Ketam International Art Festival,Malaysia 報告会~

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日時:2017年1月8日(日)13:30~15:30
会場:café&gallery富雪 〒400-0032山梨県甲府市中央4-5-37
参加費:1000円 (1ドリンク付き)
主催:日米国際作家交流展x Artist In Residence Yamanashi [AIRY]
問い合わせ:airy@air-y.net

Pulau Ketam Art Association

https://www.facebook.com/artpulauketam/
——
2016年11月から12月にかけてマレーシア、プラウ・ケタムで開催された国際アートフェスティバルに参加した4名の作家(山梨、東京)が現地での生活、制作、交流、発表などの体験を映像を使いながら報告します。その体験を参加者と共有し、日本の現代アートの動きを確認すると共に、自ら世界各地へ出かけて制作することの意味を考えたいと思います。例えば

・どんなイベントだったの?
・参加者はどの地域から?
・スタジオや制作については?
・滞在中はどんな生活だった?
・イベントのボランティアスタッフは?
・ケタム島の文化、生活、風習や子どもたちは?
・参加者、現地の人たちとの交流は?

などなど気になることを、来てくれたみんなで質問しながら進めます。海外滞在先で制作することは、日本で制作することとどう違うのでしょうか。今注目のアジアのアートシーンについても生の話を聞けるチャンスです。
また、ゲストに中込靖成(アーティスト/日米国際作家交流展 主催者)を迎えてアメリカ、タイ、イタリアなどでの滞在制作や日米交流展の経緯について聞きます。

スピーカー:上條暁隆 KAMIJO Akitaka 、サイトウショウ SAITO Sho、篠原敬典 SHINOHARA Takanori、針生卓治 HARIU Takuji
ゲスト: 中込靖成 NAKAGOMI Yasunari

上條暁隆 / KAMIJO Akitaka

絵画、インスタレーション 1974年 山梨県出身、富士河口湖町在住 1997年 武蔵野美術大学造形学部油絵学科卒業 【個展】 [iGallery DC 山梨] [新宿眼科画廊 東京]等 ・グループ展 [新宿眼科画廊 東京] [山梨県立美術館 山梨] 等 ・アートプロジェクト こうふのまちの芸術祭(山梨)、富士吉田芸術倉びらき Re:ACT展(山梨) 、富士の山ビエンナーレ(静岡)、 Asian Water color Art workshop & Exhibition ,Krabi ,Thailand

齊藤 翔 / SAITO Sho

ミクストメディア、1984年山梨県出身、 武蔵野美術大学大学院造形研究科美術専攻彫刻コース修了 【個展】2016 「Square」iGalleryDC /山梨 2015 「REAL | REALITY」GALLERY KINGYO /東京 2013 「Curator’s Eye 齊藤 翔展 -existence-」 山梨県立美術館ギャラリーエコー/山梨。「知覚」をテーマに平面と立体の領域を行き来し、素材も限定せずに表現活動をしている。

針生卓治 / HARIU Takuji

絵画、1984年宮城県仙台市出身、2010年東北芸術工科大学大学院日本画領域了。卒業制作優秀賞(2008年)、河北美術展(2006年新人奨励賞、2007年一力次郎賞、2008年河北賞)、上野の森美術館大賞展(2007年2012年) こうふのまちの芸術祭(2013年~) 【個展】REPEAT-/iGallery DC山梨(2014年) 個展-層-/アートスペース羅針盤・東京(2016年) 月刊誌「現代短歌」書籍表紙。2010年より山梨県甲斐市在住

篠原敬典 / SHINOHARA Takanori

彫刻、写真、絵画 1977年岡山県出身 2001年東京造形大学彫刻科卒業 2015年川越高等技術専門校木工工芸科卒業 東京都国分寺市在住【個展】2016年「Private Myth」MAIKII MASARU FINE ARTS 東京 2017年3月(予定)room103 東京国立市。私的な記憶と原始の記憶が混ざり合って生まれる心象を元に制作、人の内面の世界に関心あり

 

ゲスト:中込靖成 / NAKAGOMI Yasunari(アーティスト、日米国際作家交流展主催者)

絵画、1957年 山梨県出身 1984東京造形大学絵画科卒業 2007-08文化庁在外派遣研修員(カリフォルニア州立Bakersfield大学研究員) 2005~国際作家交流展代表 東京都在住(スタジオ 山梨県中央市) 日本、米国、イタリア、タイなどで個展・グループ展・ワークショップ・アートフェアへ多数参加

日本作家の海外進出支援、海外作家の日本での活動、発表の支援。山梨県出身、在住の作家の海外進出へのサポートを続ける。

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まだ正月気分抜けやらぬ本日8日「マレーシアトークセッション」へようこそ!

 

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参考作品展示コーナー

向かい壁面作品_サイトウショウ(左)グレー、上條暁隆(中2点)、針生卓治(右2点)

右壁面_篠原敬典(8点)

机上_日米国際作家交流展カタログ

 

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富雪カレー(小松菜、レンコン、桃入り)で打ち合わせ昼食😋

 

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壇上左から 麻生志保(タイ水彩ワークショップ参加作家)、篠原、上條、針生、サイトウ

 

 

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クアラルンプールから西へ2時間陸路移動+船移動、プラウケタム島(通称かに島)が今回の舞台

招待作家は19か国から約100名という大きなアートイベント

作家たちは10のグループに分かれて2週間のプログラムに参加します。

日本チームはカナダ・セルビア・アルゼンチンなどとの合同チームで活動

スタジオは半屋外のオープンスペース 人と風の通りがよさそう!各自の制作スペースと食事もここで

食事は近くの食堂で調理されたものをスタッフが運んでくれたそうです。

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「海外で制作することの意味を出発前に考えた。

制作するだけなら日本でもできるのだから、今回は現地見たものや会った人との交流に焦点当てようと思い

現地入りして目にしたもの片っ端からドローイングしていった。」(篠原)

「現地で降りてくるものを待った。

初日に貼ったキャンバス上に、野生のサルが足跡をつけて行ったことにインスピレーション得て

これだと思った。現地の土も絵の具に混ぜて使ってみた。」(上條)

「普段は長時間かけて仕上げる制作スタイル

今回2週間という時間限定だったので、これまでと違う考え方とスタイルを模索した

これまで直線的な線が多かったが今回楕円の線がでてきた。」(針生)

「ケタム島を俯瞰した構図でグレートーンのレリーフ状表現を試みた。

紙粘土を使う工程で、たまたま近くにいたボランティアスタッフ高校生が作業に加わるなど

オープンなスタジオでの制作は新鮮だった。」(サイトウ)

*作品の寄付

1メートル四方以内の作品2点を各自最終展示終了後に寄付することが事前に示されていました。

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朝から人々が集まってきてワークショップ始まりを待っていたことも

 

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ちょうど学校が秋休み中だった高校生たちは、働くことに慣れている様子でした

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よく働いてよく遊ぶー制作は集中してそのあとは思いっきり遊ぶリラックスする

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廃材を2枚拾ってキャンバス代わりに。モノトーンの海と空が原色使いのスタジオで新鮮

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高床式の通路で島内が結ばれている

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ケタム島の道路最大幅がこれ、モーターバイクと電気自転車のみが走れる幅なので静かな島

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潮の流れが運ぶ生活ごみ、潮が引くと露わになる人間の生活跡

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最終展示会ようす

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再会を約束して2週間の滞在が終了、やり切った感みんないい笑顔

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人懐っこい子どもたちがフィナーレを飾るセレモニー

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「アジア諸国が経済の発展と共に、アートにおける国際的なプラットホームを作り始めている

ネット上の知識だけでなく自分が動いて各地へ出かける

現地を訪れて制作することでアーティストは新たな刺激を受け、ネットワークを築く

開催地側は若者への教育の意味がある

また現地の自然文化をアピールすることで、観光促進の意味もある。」(ゲスト:中込)

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約一か月の準備期間を経て、マレーシアでの経験を共有することができました。参加アーティスト4名と推薦者中込さん

の協力、会場として富雪、多くの皆さまの助力で実現しましたことを感謝いたします。

加えて、タイ水彩ワークショップ(2016,2017)上條、麻生志保も駆けつけてくれました。

 

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会場を出ると今冬二度目の雪がお出迎え❆

WORK IN PROGRESS exhibition

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WORK IN PROGRESS

Karl Patric Naesman/Sweden

Maija Tammi/Finland

12/23 Friday, 5-7 pm   オープニングナイト/ 軽食ドリンク、展示、トーク

(通訳あり 三森なぎさ)

12/24 Saturday, 11 am -6 pm /展示

両日共無料、予約不要です お気軽にご参加ください。

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タイトルの「WORK IN PROGRESS」 は「進行中、進行途中」を意味します。

滞在中の作品を独立した完成作品として見せるというより

長いスパンで捉えてトータルな制作活動の進行途中という意味です。

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作家紹介

 カール・パトリック・ノースマン/スウェーデン

www.karlpatric.com

絵画・写真・オブジェ

独特の表層を持つ花崗岩・大理石・木目などの素材を模倣して並べ替える。

何が工芸品とアートを区別するのか、オリジナリティとは何かを問う。11~12月滞在中は、表具店のスタジオで近年の関心である屏風作りを学び自作に生かした。

マイヤ・タミ/フィンランド

www.maijatammi.com

写真・ビデオ・リサーチ

「科学とアート」「医療とアート」をテーマにリサーチするアーティスト

10~12月滞在中は僧侶・ロボット研究者・社会人類学者(臓器移植)へのインタビュー、整形外科病院の元入院施設での写真撮影などを行った。

病気や死に焦点を当て映像表現することにより、その対極にある人間の生命を浮かび上がらせる。

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山梨日日新聞で紹介されました

 

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Maija Tammi /Finland

Maija Tammi

Finland

www.maijatammi.com

photography, installation, sculpture, research

residency October – December 2016

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マイヤ・タミ

フィンランド

写真、インスタレーション、彫刻、リサーチ

2016年10~12月滞在

Maija Tammi. Kuva: Miikka Pirinen

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My art (mainly photographs and sculptures) converse on topics around disgust and fascination, science and aesthetic. Another very important theme for me is representation and its possibilities. I am currently working on my practice-based doctoral thesis (meaning that my artworks are part of the academic research) at Aalto University School of Arts, Design and Architecture in Helsinki, Finland.

私のアートは主に写真と彫刻ですが、「嫌悪感と魅力」「科学と美的なもの」といった逆のトピックを扱います。

私にとってもう1つの非常に重要なテーマは、表現とその可能性です。私は現在フィンランドのヘルシンキ芸術デザイン大学で、学術研究の一部として博士論文に取り組んでいます。

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She focuses the field of art [SCIENCE & ART]  and seeking phD,

photographed in old hospitalization facilities of Ashizawa orthopedic clinic.

芦沢整形外科医院にて今はもう使われていない入院施設で写真撮影を敢行しました。

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She learned Japanese practice leading to organ transplant from brain death, between life and death in Buddhism or development of artificial intelligence.

脳死からの臓器移植に至る日本人の慣行や仏教における生と死、人工知能の開発などの研究を行った。来年始めには英語/日本語バイリンガルの冊子を出版予定となり、滞在中にすべて原稿を仕上げました。

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Questions to Maija Tammi at artist talk by Nagisa Mitsumori translator:

  1. 初期の段階で、このような研究&アートの分野に興味を持ったきっかけは?

 

  1. 100日かけて腐敗してゆくウサギを美しく見せようと撮影し続けた試みは、意識的にそうしたのか? or その過程がそもそも美しいものと信じていたからそうしたのか?

 

  1. 死と生に種類があるとしたら、その境界線または種類はどんなものがあると思うか?

付け加えて 生の可能性とは何か?

 

  1. 日本滞在で研究と制作に、役に立ったことは何か?