Olha Pryymak/Ukraine

Olha Pryymak

Ukraine

http://opryymak.com

Painting, performance, sound sculpture, tea making, video and print

residency July 2019

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オーラ・プリマク

ウクライナ

絵画、パフォーマンス、サウンド彫刻、茶席、ビデオ、版画

2019年7月滞在

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I am a London-based Ukrainian artist and herbal tea maker who uses art as a tool for remembering and applying inter-generational knowledge in impactful ways.  My current body of work originates in fascination with folklore surrounding herbal tea and medicine. I recreate the elements of Eastern European healing tea drinking rituals in the form of participatory performances. The background of long lineage of women-herbalists in the family gives me the agency to activate these exchanges. The most recent concept of tea performances, designed within the framework of SPACE London Creative Network, invites audience to describe/recreate for me their personal rituals, addressing the disturbance and entropy in social fabric.  

Audience participation is very important for me. I start with inviting one to three people for conversations around a cup of herbal tea.  I like calling these meetings over tea – ‘social sculptures’.  The reiterations of the performances at the Phytology Bethnal Green Nature Reserve and the Ennismore Old Sessions House served as a launch pad for the consequent painting works. The paintings are exclusively of women in various states of action, urging for change,  fulfilling their desires and crafting own narratives.

私はロンドンを拠点とするウクライナのアーティスト兼ハーブティーメーカーで、世代間の知識を想起したり応用するためのツールとしてアートを用います。私の近年の作品は、ハーブティーや薬を取り巻く民間伝承の魅力に由来しています。私は東ヨーロッパのお茶を飲む癒しの儀式を参加型のパフォーマンスとして再現します。私には女系の薬草師の長い血統があり、このバッググラウンドが私にこのような活動をさせています。最新のティーパフォーマンスのコンセプトは、スペース・ロンドン・クリエイティブ・ネットワークの枠組みでデザインされ、社会の乱れと無秩序に向き合いながら、観客が個人的な儀式を説明したり、再現することを誘います。

私にとって観客の参加はとても重要です。私は1〜3人の人々をハーブティーを囲んだ会話に招待することから始めます。私はこれらの集会を《ソーシャル・スカルプチャー》と呼びたいです。ベスナル・グリーンの自然保護公園とエネスモア・オールド・セッション・ハウスでパフォーマンスを繰り返し行ったことは、結果としてその後の絵画作品の原点となりました。絵画には変化を促し、欲望を満たし、そして自分自身の物語を作り上げる様々な状態にある女性だけが描かれています。

Translation: Olly Thwaite, Yuko Kanda

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タイトル 「Tea Session Workshop」

アーティスト:オーラ・プリマク /ウクライナ http://opryymak.com

日時:7月6日(土)13日(土)20日(土)11:00-12:00

住所:山梨県甲府市丸の内2-37-2

会場:アーティスト・イン・レジデンス山梨 2階スタジオ

費用:ドネーション制

申し込み:FBイベントページ、FBまたはInstagramのダイレクトメールから希望日、参加者名、連絡先を添えてお申し込みください。(各回3名の定員を超えた場合はお断りすることがあります。)

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Title [Tea Session]

Artist : Olha Pryymak /Ukraine

Date : 7/6 sat, 7/13sat, 7/20 Sat 11:00-12:00

Venue : Artist In Residence Yamanashi [AIRY] studio 

Address : 2-37-2 Marunouchi, Kofu, Yamanashi

Fee : donation required

Applicate : FB event page, FB or Instagram DM

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ウクライナ出身のオーラは女系の薬草師のバックグランドを持つ作家。 現在はロンドンに住み、東ヨーロッパの喫茶の習慣を参加型パフォーマンス「Tea Session 」として再現します。 甲府ではハーブティーや薬を取り巻く癒しの時間を提供するとともに、参加者から土地特有の習慣や飲食について聞き取りリサーチしています。 会場では二日間通して「Tea Session 」へご参加いただけます。 また、そこから得たインスピレーションを描いた油彩画とインスタレーション作品をご覧いただきます。 予約不要、無料  

Stephanie Whitelaw /UK

Stephanie Whitelaw

UK

artnaturecommunity.com

installation, sculpture, eco therapy

Residency July 2019

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ステファニー・ホワイトロウ

イギリス

インスタレーション、彫刻、エコ・セラピー

2019年7月滞在

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I am an installation Artist, Sculptor and Eco Therapist who is working site specifically within both urban and natural space. Building installation inside and outside; I predominantly work with wood, stone, mirror, fabric and with the land itself.  I am currently working with fallen tree, minimising my material use. My work is sight responsive, reacting with sensitivity – to what already exists. Following organic processes of ephemerality, fluidity and transformation my work attempts to make connections that are seen and unseen – revealing the threads that run through ourselves and our environment.

I believe it is important to honour what is already here. I create transitory installations, establishing a space where the elements meet and harmonise momentarily, underlining a state of impermanence. I also use photography to explore the seen and unseen, capturing something that will never be here again.

I have three years experience facilitating creative Art workshops with community groups in London and Edinburgh. I believe creativity is born out of Nature – we are all creative and nature can help guide us back to our intrinsic creative selves.  I am interested in the deep exploration of the self in nature and what it evokes for us creatively.

During an Artist Residency in Shimoyoshida, Japan last year, I was able to build and reconfigure an outdoor installation space for the local community. I worked closely with the land and natural form and material.  Working with earth and land rhythm, The space was liminal in its fluidity – evolving and lyrical. This concept of ‘liminality’ is something I am still exploring within my work.  I believe it is both local and universal and exists everywhere.

During my stay at Airy, I plan to develop ephemeral installations that explore liminality; as a place where we find ourselves passing through.  Liminality is a rite of passage where everything is fluid and nothing is fixed. I believe without hierarchy or order, transformation can take place.  Merging Art and Eco Therapy, I would also like to reach out and provide workshops for the local community., further exploring how we relate to each other and to our surrounding environment and the objects that inhabit it.

私はインスタレーション、彫刻作家そしてエコ・セラピストで、特に都市と自然の両方の空間で制作します。屋内外での制作は主に木、石、鏡、布、そして土地そのもので仕事をしています。私は現在倒れた木で作業して、材料の使用を最小限にしています。私の作品は視覚に敏感に反応しています。一時的なもの、流動性のあるもの、そして変容の有機的なプロセスを経て、私の作品は目に見えないようなつながりを作ることを試みます。

すでにここにあるものを尊重することが重要だと思います。私は一時的なインスタレーションを作り、要素が出会い、一瞬にして調和する空間を確立し、無期限の状態を強調します。私はまた写真を使って見たことも見えなかったことも探り、二度とここにはないだろう何かを捉えます。

私はロンドンとエジンバラのコミュニティグループと一緒にクリエイティブアートワークショップを円滑に進めた3年間の経験があります。創造性は自然から生まれたものだと思います -。私たちは皆創造的であり、自然は私たちを本来の創造的な自己へと導きます。私は自然の中で自己を深く探求し、それが創造的に私たちに何を呼び起こすかに興味を持っています。

昨年、日本の下吉田でアーティストレジデンシーで、私は地元のコミュニティのために屋外のインスタレーションスペースを構築して再構成することができました。私は土地や自然の形や素材と密接に協力しました。地球と土地のリズムを使って作業すると、その空間は流動性の点で限界的でした 。進化と叙情的ーこの「限界性」の概念は、私がまだ私の仕事の中で探求しているものです。私はそれがローカルでありそして普遍的でありそしてどこにでも存在すると信じます。

私がAIRYに滞在している間、私は限界を探求する一時的なインスタレーションを開発するつもりです。私たちが自分自身を通過する場所として。限界は、すべてが流動的であり、何も固定されていない通過儀礼です。私は、階層や秩序がなければ、変革が起こり得ると信じています。アートとエコセラピーを融合させて、地域社会のためのワークショップを開いて提供したいと思います。さらに、お互いの関係や周囲の環境やそれに生息するものとの関係について探究したいと思います。

Translation: Olly Thwaite, Yuko Kanda

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第一回目のみらいっことエアリー協働が無事終了
ラベンダーの香りに包まれて
みなさんの笑顔とともに
滞在作家のチャレンジの場
地域の皆様との出会いの機会
これからもアートのもつ大きな可能性を求めてまいります。


A big “Mandala” installed by all the participants using natural materials. Some material of flowers and branches are prepared by artist and staff the day before.

エコセラピー:
外の世界と自分との関わりを考える
すべての人が公平に自然を享受できる
五感を広げて愉しむ
精神を落ち着かせる など
Installation starting by the center of Mandala

Plus we started walking to the park and touch the trees, smell the flowers, picking up stones before creating Mandala. It was s good start of releasing our sensory. 

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山梨の自然からインスピレーションを受けた作品をインスタレーションとして展示します。 また、エコセラピストでもある作家ステファニーが、五感で楽しむ「愛宕山サイレントウオーク」を開催いたします。 両日とも10:00エアリー出発 12:00同解散、予約制です。 歩きやすい靴と雨具をご用意ください。

12才以上、各回5名まで。無料 お名前、希望日、電話番号を添えてメールにてお申し込みください。

Amie LeGette/USA

Amie LeGette

USA

www.amielegette.com

Painting

Resdency June 2019

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エイミー・ラゲット

アメリカ合衆国

絵画

2019年6月滞在作家

I make paintings simultaneously in two scales- small works on paper, and larger oil paintings. The small works are often an initial step and direct the larger pieces. I have been thinking more about the relationship between the two.

This past year I began a series of works on paper titled Accumbent. Accumbent is a scientific term referring to the way an embryonic leaf will wrap around the edge of a seed before folding in on itself. I often use watercolor and gouache as an initial step within my painting process, so these pieces were seeds to the larger works. It also references the wrapping action of the secondary forms. I wanted them to communicate touch and atmosphere that felt more internal and bodily. The oil paintings that followed where titled Nascent. I desired to find parallels between the body and the environment and used spaces and forms that felt embryonic and emerging.

I am often attracted to things that hold ambiguity. Maybe not fully formed, but open for different interpretations. My work often appears biomorphic and touches on representationalism, however is not totally identifiable. My hope is that they still feel familiar, familiar in the way an audience may connect through an experience of their own. We do not always look at art for explanation, we often look for evocation. Evoking a sense of familiarity and connection through abstraction is and has been a goal of mine.

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紙の小さな作品と大きな油絵の2つの大きさで同時に絵を描きます。小さな作品はしばし制作の最初の一歩であり、続く大きな作品を導きます。私はこの両者の関係について最近よく考えています。

昨年、私は《Accumbent(アカンベント)》というタイトルの紙のシリーズの作品を描き始めました。アカンベントは科学用語で以下の方法について言及しています。私は絵を描く最初の行程で水彩とガッシュをよく使用するので、これらの作品は大きな作品の種となりました。また第二の姿は包む動きを参照しています。私はそれらによって、より内面的で身体的に感じられる触覚と雰囲気を伝えたかったのです。その後に描いた油絵は《Nascent(ネイシェント)》と題しました。

私は未発達で新しいと感じた空間と形を使用して、体と環境との間に類似点を見つけたいと思いました。あいまいな感じがする事柄に私はよく惹かれます。完全に形作られていないかもしれませんが、さまざまな解釈が可能だからです。私の作品はしばしば生物の形態に似て具象派に近いように見えますが、完全には識別できません。私の願いは彼らが親しみを感じること、親しみとは鑑賞者が自らの経験を通して作品とつながることができる方法です。私たちは常に説明のために芸術を鑑賞するのではなく、しばしば喚起することを探します。抽象化することで、親近感とつながりを呼び起こすことは私の目標であり続けています。

Translation: Olly Thwaite, Yuko Kanda

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Wet on Wet workshop held by Amie LeGette

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My desire to visit and work in Japan came partially from my love of washi paper. I decided that during my time at AIR-Y I would work exclusively on paper. My time here is also focused on scale.

As a painter, I am often directed to go bigger. This, as of late, has felt problematic to me. I believe Japan to be a great place to explore working on a small scale. So, while I am here, the work I am making is small, on papers (such as washi), cut, folded, collaged, and a bit sculptural.

私が日本を訪れて制作をしたいという願望は、和紙を愛していることから生まれました。AIRYでの制作は紙だけで作業しようと決めました。 私の日本での時間は作品の規模にも焦点を当てています。

アーティストとして、私は大きな作品を作ることを指示されることが多いのですが、そのことに最近では疑問を感じます。 小規模での作業を探求するのに日本は最適な場所だと思います。 ですから私が日本にいる間は、和紙などの紙上に切り取り、折りたたみ、コラージュ、そして少し彫刻を施した小型の作品を作っています。

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Kayleigh Fogle/USA

Kayleigh Fogle

USA

www.kayleighfogle.wordpress.com

Illustration, New Media (interactive digital projects)

Residency June 2019

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ケイリー・フォーグル

アメリカ合衆国

イラストレーション、ニューメディア

2019年6月滞在作家

As a visual artist working in interactive digital media, I create immersive spaces that combine both virtual and tactile experiences. I achieve this convergence through the development of small-scale “casual” video games using the RPGMaker series of engines for 2D/pixelated work, and Unity for 3D-based virtual reality projects. These worlds expand into the fabrication of physical objects, such as custom peripheral controllers, illustrated zines, and handmade toys. Exploring emotional comfort in the context of imaginative play defines the ways in which I become more comfortable with myself as an individual. Soft colors, simple environments, and round, friendly characters contribute to my primary goal as an artist: create accessible places of comfort, connection, and belonging.

インタラクティブ・メディアアートのヴィジュアル・アーティストとして、私は視覚と触覚を結合させた没入型の空間を創造します。私は、2D /ピクセル化されたRPGMakerシリーズのエンジンと、Unityという3Dベースのバーチャルリアリティ・プロジェクトを使用して、小規模の「カジュアルな」ビデオゲームを開発することによって、この組み合わせを実現しています。これらの世界は、カスタマイズされた周辺制御装置、イラスト付きのジン、手作りのおもちゃなどの物体の製造にまで及びます。想像力豊かな遊びの文脈のなかで感情的な快適さを探求することは、私が個人として自分自身がもっと快適になる方法を明確にします。柔らかな色、簡素な環境、そして丸くて親しみあるキャラクターが、一体感や繋がり、快適な場所を創造するという私のアーティストとしての第一目標に寄与しています。


Translation: Olly Thwaite, Yuko Kanda

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Foodie Character Making workshop held by Kayleigh Fogle

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“My Friend Melon” is a cute, casual video game about food, friendship and small discovers. Play as Pan (a bunny or bear) and Melon the frog collects ingredients for Ultimate Snacks and cook up a relaxing time. The game is free to play during the open studio [Play in the Rain] in AIRY. Also will be able to download through [omulette.itch.io/my-friend-melon] 

We look forward to seeing you!

「私の友だちメロン」は、食べ物や友情そしてちょっとした発見などを扱う、可愛くて何気ないビデオゲームです。パン(ウサギか熊)とカエルのメロンが究極のスナックのために原料を収集してリラックスしたひと時を作り上げます。このゲームはエアリーでの展示期間中に無料で遊ぶことができます。その後は以下のサイトからダウンロードが可能です。遊びに来てくださいね!

[omulette.itch.io/my-friend-melon]

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download ‘ My Friend Melon’ on this QR cord

https://kayleighfogle.wordpress.com/
illustration works

Noriko Nakamura/Australia

Noriko Nakamura

Born in Japan based in Australia

http://noriko-nakamura.com

Installation, Sculpture

Studio Artist May 10th-23rd 2019

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ナカムラ ノリコ

日本/山梨生まれオーストラリア在住

インスタレーション・彫刻

スタジオアーティスト 2019年5月10-23日

Animism is the belief that the boundary between the physical and spiritual is not absolute, but can be transgressed. According to this idea a spiritual force resides in all things; animals, objects, even landscapes. My work uses stone carving and organic elements to make installations drawing on ideas of animism and ritualistic practices.

In my recent exhibition “Erosion” , large limestone boulders were placed in their natural state, forming an anchor in the centre of the exhibition space, creating a path between the video projections which documented the environment and literal, physical form in Mount Gambier. My previous work had consisted of smaller scale hand carved limestone sculptures with designs informed by mythology and folk-tales. I was originally going to carve limestone for this exhibition, however after visiting the quarry in Mount Gambier and deep consideration, I decided to leave the boulders in the forms in which they were excavated. I realised that excavation is a large form of carving from the earth by mechanical forces. I seek to show how materials change in an effort to temporarily transgress boundaries that are set up by systems of categorisation.

アニミズムの考え方によると生物、無機物、さらには大地と、あらゆるものに魂は宿るとされています。アニミズムでは肉体的なものと精神的なもの(の間の)境界線は絶対的ではなく、あいまいです。私は石や自然の材質を使いアニミズムの考え方や日本の儀式的な習慣に影響を受けたインスタレーションを制作しています。

私の最近の展示「Erosion」では、ガンビア山の風景や採石場を撮影したビデオ・プロジェクションの間に大きな石灰岩の岩石が掘り出されたままの形でギャラリーの中心に置かれています。以前の作品は、神話や民話に影響を受けたデザインを用いた手彫りの石灰岩彫刻で構成されていました。もともとはこの展示のために石灰岩を彫るつもりでしたが、ガンビア山の採石場を訪問し、発掘された形で岩を残すことにしました。掘削は機械的な力によって地球から彫る大きな彫刻であることに気づいたからです。私はカテゴリーのシステムによって設定された概念を一時的に逸脱するために、素材がどのように変化するかを探ります。

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AIRY’s current studio artist Noriko Nakamura (Melbourne) is joining Open Airy program. We have organised a casual cross talk event for this Saturday. Baby Rina is joining too. Please come along, kids are all welcomed.

Title: Kofu→London→Melbourne Dates: Saturday 18th May 1:00pm-1:20pm Artist talk 1:30pm-2:30pm Cross talk

Talk topics: Why did I leave Japan? My story of how I moved to Australia after dropping out of high school in Kofu. Thinking about Kofu from an overseas perspective. Motherhood etc.

This is an English and Japanese bilingual event. No booking needed. Free entry.

Noriko Nakamura She was born in Kofu in 1986. She currently lives and works in Melbourne. Noriko moved to Australia after dropping out of high school in Kofu. She graduated from high school in a small town called Geelong. After this she moved to England to study fine art at Central Saint Martins college for a year. Following this Noriko studied fine art for four years at Victorian College of the Arts in Melbourne. She maintains her art practice while teaching at Melbourne Uni. Noriko has an 11 month old baby and is a current Airy studio artist until the 23rd of May.

5月のスタジオアーティスト ノリコ ナカムラ(メルボルン)がオープンエアリーに登場します。気軽なクロストークの会を計画しました。
理那ちゃん(11ヶ月)も参加予定、子連れ参加OK!

タイトル:Kofu→London→Melbourne
日時:5月18日土曜日
1:00pm-1:20pm 作品紹介
1:30pm-2:30pm Cross talk

会場:甲府市丸の内2-37-2  AIRY 二階スタジオ

作家:ノリコ ナカムラ
トークテーマ:
なぜ私は日本を出たか?甲府に生まれ高校中退してオーストラリアに行くまで。海外に行ってから見えた甲府。マザーフッド(母であること、母性)がアートに与える影響など。

*英語&日本語のバイリンガルトークで行います。
*予約不要、無料

ノリコ ナカムラ
1986年甲府生まれ。メルボルン在住。高校一年生の時に中退しオーストラリアへ渡る。ジーロングという町の高校を卒業後、イギリスへ渡りロンドンのセントラル・セントマーチンズ大学で1年間アートを学ぶ。その後メルボルンの大学で4年間アートを学ぶ。大学卒業後は大学講師などをしながらメルボルンで制作活動を続ける。現在11ヶ月の娘がいる。5月23日までエアリーで制作をしています。
Web: www.noriko-nakamura.com
Instagram: @norikonakamuracat

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projector showing of these 10 years art works

cross talk with the participants
Yamanashi Jpmon Dogu inspire on Animizm or Motherhood
The first Happy Birthday to Rina next week

日本の神道アニミズムに大きな影響を受けて制作

それを西欧文化の枠組みの中でいかに伝えるか

すべてのものに命が宿る

日本の家屋特に襖に惹かれる

ドアであり壁であり空間を変化させる仕組み

彫刻作品は主に石灰岩を用いている

海底で海水によって育まれた石にも命が宿っているはず

メルボルンで5年間アーティストランスペース運営にかかわる

出産を経て自分がどう変わるか

子供・子育てからもらうよろこびを作品に生かしたい

女性は肉体的・精神的に変化できる

子供がいるから制作しにくいとは思わない

これからの研究と制作に母性という概念が加わる

Created with great influence on Japanese Shinto Animism

How to convey it within the framework of western culture

Life lives on everything

I am attracted to Japanese houses especially ‘Fusuma’

It is a door, a wall, and a mechanism that changes the space

The sculpture works mainly use limestone

A life should be dwelling on a stone raised by seawater at the bottom of the sea

Involved in Artist Run space for 5 years in Melbourne

How do I change after having a baby?

Want to make use of the joy I get from childbirth and child care

Women can change physically and mentally

I do not think that it is difficult to produce because there are children


The concept of motherhood will be added to future research and creattion

Sofia Eliason/Norway

Sofia Eliason

Norway

sculpture, installation, painting

www.sofiaeliasson.com

Residency May 2019

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ソフィア・エリアソン

ノルウェイ

彫刻・インスタレーション・絵画

2019年5月1~9日滞在

Eliassons practice is based on physical and historical imprints of cultural events in the form of objects, images and figures.

By placing together previously separated events and ideas, Eliasson seeks to create new narratives in her sculptural installations.

作家は、オブジェ・映像・人物像など文化行事の身体的かつ歴史的足跡に基づいて制作する。

元々は別な出来事や発想を並列させることで、作家は彫刻的インスタレーションにおいて新しい物語を紡いでいる。

Translation: Olly Thwaite, Yuko Kanda

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タイトル: HAKONIWA workshop

日時: 2019年5月8日(水)13:30-15:00

会場: エアリー二階スタジオ

講師: ソフィア・エリアソン(スウェーデン出身ノルウェイ在住)5月滞滞在作家www.sofiaeliasson.com

持ち物: 花、葉、木の小枝、石、キャンディーや紙のような小さな都会のゴミ

定員: 約8名 無料

申し込み: FB,Instagramのダイレクトメールでお申し込みください

このワークショップでは、日本のストリートを模したミニアチュア・ガーデンを作家と参加者がいっしょに作ります。

スウェーデン人作家エリアソンが感じる日本のHAKONIWAとはどんなものでしょうか?

参加者が持ち寄った小さなパーツを、トレースや版画技法を用いて複製します。

それらを合わせて配置することで最終的に90x60㎝のHAKONIWAを完成させます。

花、葉、木の小枝、石、キャンディーや紙のような小さな都会のゴミをこのワークショップに持ってきてください。

Time: 2019.5.8 Wed 13:30-15:00

Venue: AIRY studio

Instructor: Sofia Eliasson/ born Sweden, lives & works Norway

Belongings: Small urban trash like flowers, leaves, tree twigs, stones, candies and paper

Limit: around 8 people

Application: DM via FB & Instagram

Welcome to join HAKONIWA workshop with Swedish artist Sofia Eliasson

currently artist in residency at AIRY, Kofu. 

Eliasson´s work partly evolves around imprint and trace and for this workshop we will together create a miniature garden that imitate our surrounding streets. Please bring for this workshop, something you can bring from the street, may it be flowers, leafs, a small wooden twig, stones or small urban trash like candy wrapping or paper.

Daniel Taylor/Canada

Daniel Taylor

Canada

sculpture, drawing, textile, mixed media

Residency May 2019

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ダニエル・テイラー

カナダ

彫刻・ドローイング・テキスタイル・ミクストメディア

2019年5月滞在

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Growing up on a small island on the east coast of Canada (Prince Edward Island), I was very isolated from the world. With no museums or ancient civilization of our own, the history of our island became a blank canvas to imagine a world (pre-aboriginal and pre-settler) that for thousands of years was completely un-documented. Through television, and stories about ancient Greece and other mystical phenomenon, I developed an interest in creating my own imagined narratives of where I came from, which carries on into the work that I make today. Working mostly from observation, I use those same themes (ancient history, mysticism, etc.) to provide a setting or evidence for the viewer to create their own story. I studied Sculpture and inter-media arts in college, but over the past few years have been teaching myself to draw and create my own visual lexicon of characters and symbols. I use bright colors and distorted shapes to establish that these images/objects are not real, and come from the imagination. My hope is that this lets the viewer know that this is a safe space to dream, and to provide them an escape ~to their own small island.

カナダの東海岸プリンスエドワード島で育った私は、世界から孤立していた。

独自の博物館や古代文明がなくて、先住民族以前と開拓移民以前の世界は、数千年の記憶はその島は真っ白なキャンバスに想像力を働かせるしかない。

テレビや古代ギリシャの神話やほかの神秘的な現象を通して、私は自分がどこから来たのかという物語を作ることに興味を発展させ、また現在の作品に反映させている。

ほぼ観察により、古代文明や神秘主義など同じテーマを用いて、鑑賞者が独自の物語を作れるような背景や形跡を提供する。

私は大学で彫刻やインターメディア・アートを学んだが、この数年間は独学でドローイングと文字や象徴のなど独自の視覚的辞典を創作している。明るい色と歪んだ形を用いて、それらのイメージや対象は本物ではなく想像上のものであることを強調している。私の希望は、鑑賞者に自由に想像できる安全な場所を知らせて、自分たちの小さな島への逃避を提供することだ。

Translation: Olly Thwaite, Yuko Kanda

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Title: Silk Hat Man

Date: 19:00-late night Sat 25th May 2019

Venue: Jewels & Things

Artist: Daniel Taylor (Canada) May residency Artist

Works: drawing on paper

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タイトル:「シルクハット マン」

日時:2019年5月25日(土)19:00-late night

会場:Jewels & Things 甲府市丸の内1-14-14 オリオン共同ビル109

アーティスト:ダニエル・テーラー(カナダ)5月滞在作家

カナダ東部に位置する「赤毛のアン」で有名なプリンス・エドワード島出身

大学で彫刻やインターメディア・アートを学んだが、この数年間は独学でドローイングと文字や象徴のなど独自の視覚的辞典を創作している。明るい色と歪んだ形を用いて、それらのイメージや対象は本物ではなく想像上のものであることを強調している。私の希望は、鑑賞者に自由に想像できる安全な場所を知らせて、自分たちの小さな島への逃避を提供することだ。

作品:ドローイング作品約10点 

Takenouchi Fumi / Japan

Takenouchi Fumi

Japan

-Studio Artist on April-

https://fumi-takenouchi.themedia.jp/

Architect, Dance, Visual Art

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竹之内芙美

日本

建築・ダンス・ヴィジュアルアート

Based on architectural thinking, Fumi Takenouchi’s work draws lines of force within the space lurking in everyday situations. Her media include architecture, dance, video,
sound, material art and drawing, and her work has been performed and presented in Japan, the USA, France and Germany. She received her Master’s degree from the Graduate School of Architecture of Tokyo University of the Arts.
As main works, “Sendai Design League 2011, Graduation Architecture design Competition” ( Selected to 10 winners, 2011), ” 85th, So-en Award ” ( Selected to the last show, 2011), “FENDI – FUR TABLET DESIGN CONTEST” ( Excellence prize winning, 2013 ), ” F=ma / Analysis of Architecture “( USA, 2016 ), ” SELFHOOD / Michael Maurissens ” ( Kyoto Art Center, 2017), “NEXT INTERSECTION” (Kyoto, 2018), ” OTHER SIDES ” ( Kyoto, 2019 )

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幼少より器械体操、母の洋裁を感じる環境に育ち、建築を学ぶ。 それらの経験から身体を取り巻く空間の関係性を読み解き、建築的思考を軸に作品を制作する。メディアは建築、ダンス、映像、音、物質、ドローイングに及ぶ。「建築」においては、衣服、布、ダンスの思考からエスキースを行い、日常の場に潜む空間の力線を書きおこす。「ダンス」においては、場のコンテクストを読みとり、時間と空間を再配置することで作品を体現する。 これは身体による私的な建築設計手法でもある。ある特定の手法にとらわれず、ジャンルを横断した思考や作品を探求している。これまでに日本、アメリカ、フランス、ドイツにて制作。東京藝術大学大学院建築専攻修了。

主な作品発表の場に『次の交差点 NEXT INTERSECTION』(京都, 2018)、『SELFHOOD / Michael Maurissens』(京都芸術センター, 2017)、『F=ma 建築解析』(USA, 2016)。主な受賞歴に『トウキョウ建築コレクション2015』(代官山ヒルサイドテラス, 2015)、『第85 回装苑賞』(文化学園, 東京, 2011)、『せんだいデザインリーグ2011 卒業設計日本一決定戦』(仙台, 2011)など。

Sung EunJi / Korea

Sung EunJi

Korea

https://www.sungeunji.com/

Choreograph, Visual art, Film make

Residency April 2019

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サング・ウンジュ 

韓国

振付、視覚芸術、映像

2019年4月滞在


The work takes place across and beyond the stage, screen, canvas, and studio with various mediums; and makes use of entanglement of personal, professional and performance identity. Working as a choreographer and a member of visual art team OKI, EunJi employs her dance background and her perspective towards visual art and film is confronting the very notion of media art, dancing and performance. Curious about visible/invisible space and movements of a medium on it, the artistic direction of her projects goes beyond limitations of space and the definition and effects of movements.

One of her visual art/dance exhibition Lost you for a sec addresses the implicit politics that underlies their friendship: the border restrictions that prohibit them from living together, and the technological means through which they can continue to engage and support one another. Since the end of 2017, this practice has been grounded in fortnightly skype sessions in which the three meet: a sprawling, playful period of empty time – of stupid jokes, collective moaning, and technological stutters – through which they experiment with the performance and materiality of digital communications.

作家の作品は様々な媒体を用いて、舞台・映像・キャンバス・スタジオを交錯し飛び越える。個人としての存在、プロとしての自分、パフォーマーとしての自分の存在のもつれをヒントに制作する。振付師として、視覚芸術的チーム「OKI」のメンバーとして、自分のダンスの背景を使い視覚芸術と映画への見方はそのアート・ダンス・パフォーマンスに対峙する。見える見えない空間とその空間の中でも動く媒体に好奇心を持ち、作品の方向性は空間の持つ限界と動きの定義と効果を超える。

彼女が作った「 君を一瞬失った/一瞬消えた」というダンス・ビジュアルアート/視覚芸術コンセプト。暗黙の了解の上に成り立っている友情を取り上げ、渡航制限で一緒に住むことも出来ないためにテクノロジーにより互いに関わり合い、支え続けていることに向き合っている。2017年末以来、隔週で3人で気軽に話したり、戯言や文句を言ったり、科学技術を失敗したりする、半分遊んでいる無秩序なビデオ会議を行うことにした。それを通してデジタルコミュニケーションに演技的可能性などがあるか実験している。

Translation: Olly Thwaite, Yuko Kanda

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Presentatiom @Open AIRY
13:30-15:00 wed 3rd April


Sung is focusing ‘Natto 納豆 and physical expression’ in this edition AIRY
any information of Natto in Kofu is welcome.

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Interactive Exhibition @Takasagoyu

Do yo like ‘natto’?

I’d like to share the mid-orocess of the work I started with an interest in natto. From an idea of おたく(otaku). I related myself as otaku to art works.

For the exhibition, I interviewed people in Yamanashi about their Natto recipe and memories on it and I will share some of natto dishes I learned from them during the exhibition.

’納豆’は好きですか?

納豆に関する興味から始めたこの進行中の作品を、皆さんと共有したいです。私は自分自身をアート作品の中でオタク(otaku) と位置づけます。

山梨の人々にインタビューした納豆レシピとその思い出を展示します。その中のいくつかの納豆料理を再現して試食を楽しんでもらいます。

Marit Shirin Carolasdotter/Sweden

Marit Shirin Carolasdotter

Sweden

www.dotraproductions.com

Performance, Dance, Video, Installation

Residency April 2019

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マリット・シリン・カロラスドッター

スウェーデン

パフォーマンス、ダンス、ビデオ、インスタレーション

2019年4月滞在

Wandering on and on in a great forest without thought of return

As children we saw mysterious paths, did you wonder where they led to?

Nature designed as a readout to beyond and beyond through Japanese gardens and temples.

Yūgen幽玄

It remains there as a potentiality.

A nomad wander in coexistence with nature – meets another person from another world, yet realise that they have a lot in common. My project is a traveling, collaborative project where I merge Dance, Music and Visual art together into a unique eco-system of its own. Everywhere I travel I meet people who are moving or who wants to move, and the purpose of this art is not to ask why, but how?

By studying the soil where we are born out of, we can reconnect with our tactile senses. This powerful tool we have called body, has receptors that is rarely in contact with plants and earth. I believe we forget what it feels like to use our hands to trace nature.

I work with ‘Humans & Soil’ to create a community worldwide and I want to remind people about what we can learn from native cultures and their care-taking of land.

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帰ることを考えずに広大な森をさまよい歩く

子供のころ神秘的な小道をみて、それがどこへ続くか考えた事がありますか

日本の庭や寺を通して限りなく読み取ることができる自然という概念

幽玄、可能性はそこには残されている

自然とともに存在する放浪者は他の世界からの人々に会う

しかし共通点が多い事に気づく

わたしのプロジェクトは旅しながらダンス・音楽・視覚芸術を合わせてユニークな生態系を協働で作ることです。どこに行ってもわたしは身体を動かしまたは動かしたい人達に会う。目標はなぜ動きたいかではなく、どうのように動かすか?私たちが生まれて来た土を観察することで、触覚を再確認することができる。この力強い身体という道具が、あまり植物と土に触れ合うことがない感覚器官になってきている。手を使って自然をなぞるようなことを忘れていると思う。わたしは世界的な共同体を作るために「人間と土」を扱い、先住民と彼らの人自然観を現代人に思い出させたいと考えます。

Translation: Olly Thwaite, Yuko Kanda

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Presentation @OpenAIRY
13:30-15:00 wed 3rd April


Presentation today of my project “Humans & Soil” – a dance and music collaborative project between indigenous peoples. In this edition about Sámi and Ainu land rights.

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‘Human & Soil’

4/26 fri: Workshop @AIRY

with live music Mitsuru Tatsuno 龍野 充

4/27 sat: Performance @AIRY

This is an ongoing work-in-progress that explores humans’ relationship to earth from the perspective native cultures such as; the Sami of the north, the Ainu of Japn and Maori of New Zealand.

How does cultural background affect how the body is seen? How is identity connected with self expressin and performativity? How do I put myself, the body, in between representation? How is preservation of culture and repatriation important to indigenous bodies?

人類のつながりを探索する「人間と土」は現在進行中の作品です。サーミ(北欧)、アイヌ(日本)、マオリ(ニュージーランド)などの物語文化の視点から地球と人類の関係を探る壮大なものです。

文化的背景は身体の見え方に影響する? アイデンティティーは自己表現やパフォーマンスとどのように関連する? どうやって自分自身の身体を表現する? 文化の保存と先住民たちへの再半分はどうか? 

workshop with with live guitar Mitsuru Tatsuno
workshop participants