Charlotte Colgate/Germany

Charlotte Colgate

Germany

https://amandasparish.com/

https://charlottecolgate.wordpress.com/

Performance, Video, Installation

residency March 2017

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シャーロット・コルゲート

ドイツ

パフォーマンス・ビデオ・インスタレーション

2017年3月滞在作家

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C.Colgate pic_mono_縮

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イギリス生まれマンチェスターで学んだ後、ロンドン「テート・モダン」ベルリン、香港「CMW」「アート・バーゼル」で働いた経験を持つ。現在はベルリンに住んでアート活動を行う。

作家のアートの実践は、社会的または文化的、時には政治的な問題を扱う。社会生活で生じる個人的な境界とそれをコントロールする感覚、コミュニティのグループ内で知覚される境界線など人々の限界、差異、猥褻、暴力、親密さ、自律性などのテーマが大きな部分を占める。

作家としての実践にとどまらず、キュレーター・アート実務全般・アートファシリテーターとして活動する。それらは芸術的成果の統合要素として不可欠である。具体的には、Amand Parishと名乗るもう一人のアーティスト(自分)を、Charlotte Colgateがキュレーションするかたちをとる。

山梨の印象はベルリンに比べて静か・雄大・力強い・守られている。ヨーロッパでは、ある一日に1300人以上アフリカ・中東の難民が地中海で保護されたという事実を多比させて考え、インスタレーションとパフォーマンスで表現する。

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【滞在作家x山梨作家シリーズ③】

Charlotte Colgate x Mitsuru Tatsuno /龍野 充 guitar

「越境_Another Drop in the Ocean」

 25th 26th March @AIRY

11:00-17:00

performance with Tatsuno 11:00-, 15:00- (both 2 days)

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龍野は甲府市出身のギタリストで、中学時代からギターを始めセッションに多数参加して腕を磨いている。桜座スタッフとして「桜座ジャム」を毎月開催、セッションホストを多数こなす若き有望な音楽家であり、ジャズや即興音楽に造詣が深い。4回行われるコルゲートのパフォーマンスにライブギターでコラボレーションして、ベルリンと山梨を結ぶ。

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  1. What is ocean / lake to you?

(Title, refugee, nature, Japan)

The landscape of Yamanashi, an area nestled in the protective bosom of imposing mountains, appealed to me on two levels. Firstly, for its striking contrast to the flat and sprawling cityscape of my adopted home, Berlin.  Secondly, it seemed to draw parallels between the mindsets of many people in Europe at the moment. Hunkered down in their safe valleys, surrounded by barriers, whilst crisis upon crisis unfolds around them.

The title ‘Another Drop in the Ocean’ refers to an English phrase meaning that something is of a small amount, and is therefore inconsequential. There has been a collective turning of a blind eye to the peril and inhumane treatment that migrants are facing in the current refugee crisis. Instead of discussing the root causes that have led to the mass exodus of millions of people, there has been a sharp rise in ‘populist’ rhetoric. There is a consensus to dismiss and whitewash segments of news that we feel touches too close to the bone. The idea that we, ourselves as westerners, could face the same injustices and upheaval is far too brutal for many to accept. It’s much easier to keep the problem at arm’s length.

By bringing an issue that is at the forefront of people’s lives in Europe to a distant land, I hope to reflect not just the physical space, but also the intangible void between those seeking refuge and the inhabitants of the destinations.

 

  1. Why you focused on refugees and decided to use their blanckets.?

The particular crisis I want to highlight with ‘Another Drop in the Ocean’, is the ongoing, and devastating refugee crisis. Every week scores of people are rescued from stretches of sea as they attempt to reach Europe and its purported safety. Images of migrants wrapped in gold and silver emergency blankets, huddled on boats and heading to an uncertain reception, can be seen in the European press.

The emergency blankets have become synonymous with the refugee crisis. By using the blankets to create walls reminiscent of the mountainous setting, I hope to create a link between Europe and Japan. The blankets are still protective, but in a different way, forming walls that enclose the performers in its space.

Inside these fabricated borders, I will syringe ink from a small hand basin into a large tray of water, where the hem of my white dress will hang. As I slowly transfer the ink from one vessel to another it will start to stain and blacken the dress from the bottom upwards. Bit by bit, the black drops in the water will become one whole inky sea.

 

  1. Is there a message about this?

Although I have focused on a specific crisis and have used materials associated with it, I want to address the conscious ‘brushing under the carpet’ of crises we feel to be very distant and detached from our everyday lives.

Don’t turn a blind eye. We are not so distant and different from each other. Being socially aware and informed can lead to constructive dialogue and resolutions.

 

  1. After coming to Japan?

I’ve felt very welcomed in Japan, especially within the artistic community in Kofu. People are very generous with their time and support of others. For that I am very grateful and should also say thanks to Izumi Sakamoto for being the powerhouse of art, inspiration and compassion that she is.

Being in a different environment and purposefully using it as an element of my artistic practice is something that I haven’t explored much before. I’d like to make further investigations into combining spaces or landscapes more pointedly into future works.

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  1. あなたにとって海/湖とは?

周囲を山々に囲まれ守られている山梨の土地や風景は、私に二つの印象を与えた。まずは平な街並み続く故郷ベルリンと決定的な違いを感じたこと。次に、日々の出来事、危機が起こる一方で、安全な村やバリアに囲まれている環境では、ヨーロッパの人々の思考体系に、それは線が描かれるようなものではないか、ということだ。

タイトルの’Another Drop in the Ocean’(大海の一滴)とは英語の言い回しで、あまりに小さすぎて取るに足らない、ということ。大勢が目をそらす、非人道的扱いを受けている難民が直面している難民危機、問題の根源を探ろうとする代わりに、おびただしい数の人間を祖国から出国させ、人民主義的な綺麗事を掲げる者まで現れた。身近なそのニュースを見て見ぬふりをする共通認識が生まれている。私たち西洋人が直面している不公平、不平等な騒動は、多くの人にとって受け入れがたいものなのかもしれない。それよりも、一定距離を保つ方がよっぽど楽なのである。

ヨーロッパでは人々の目の前にあるこの問題を、遠く離れた日本に持ってくること、それはただ形や空間だけを感じとるのでなく、知らない土地からの逃げてくる住民(難民)の、実体のない虚無感も感じとって欲しいと思う。

 

  1. なぜ難民に焦点を当てて、彼らの救命ブランケットを使うことにしたのか?

今回の展示で得に注目したいものは、現在進行中の痛烈な難民危機である。毎週大勢の難民が、安全を期待してヨーロッパの地にたどり着くよう試み失敗し、海で救助されている。金と銀の救命ブランケットは、ヨーロッパで報道される、船に詰め込まれた難民の先行き不安なイメージを表現している。

救命ブランケットは今や難民危機の代名詞となってきている。それを壁に山のようにセットしヨーロッパと日本を繋げたいと思った。ブランケットは人を保護してくれるものだが、言い方を変えると、壁を形作ることでパフォーマーをその空間に閉じ込めもする。

(展示期間中のパフォーマンスでは)その囲われた境界の中で、小さな桶から、白い衣装の入る大きなトレイの中にスポイトで水を垂らしていく。インクをゆっくりと垂らし続けていくと、白い衣装は裾から上に向かって徐々に黒くなっていく。ほんの少しづつだが黒い水滴がやがてはインクの海のようになってゆく。

 

  1. 作品において何かメッセージがありますか?

今回は、ある特定の(難民)危機に焦点を当て、それに関する材料を使うことにしたが、それだけではなく私たちの生活の中において、他人事で実感のない、つい見てみるふりをしてしまうような様々な危機に、意識を持っていきたいとも考えていた。無関心でいないでほしい、目をそらさないでほしい。私たち人間は、全く種類の違う、距離のある者同士ではないはずだ。社会的現実に関心を持つこと、そして知ることが、対話と決断を導いてくれる。

 

  1. 日本に来てから何か得たものはあるか?

日本に来てからは、自分が受け入れられているなと感じる。特にAIRYでは私の手助けしてくれる優しい人達に会うことができた。感謝をしていると同時に、アートの集まる場所を作ってくれて、そこでインスピレーションを与え、暖かい手を差し伸べてくれている坂本泉さんにお礼を言いたい。CHaNNEL

https://www.facebook.com/berlin.channel/?pnref=story

(translation by Nagisa Mitsumori)

 

Melissa Lui Yuen/Australia

Melissa Lui Yuen

http://www.mellopoly.com

Australia

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residency March 2017

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メリッサ・ルイユエン

オーストラリア

イラストレーション

2017年3月滞在

 

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メリッサ・ルイユエンはオーストラリアのパースで活動するアーティストです。

「Mellopoly/メロポリー」は作家の造語で、創造的かつ気まぐれなアート実践を意味します。

ルイユエンは日々の生活の中で、人間の精神世界要素を観察してリズミカルで視覚的な詩やキャッチフレーズを作ります。そこから呼び起こされたインスピレーションがアーカイブインクを使って、水彩紙の上に瞑想的なラインを引きます。手描きで引く線は、創造的プロセスを経て不確実性と冒険に満ち愛想があります。他の人に同じような子どものような驚きの感覚で世界を見てもらうことを願うと言います。

美術・デザインの専門的訓練を受けていない作家は、観察・実験・実践を通して遊び心にあふれる独創的スタイルを開発しました。日々の生活で美を追及し、不思議と好奇心が芸術実践を促します。

大学で法学専攻、現在は西オーストラリア州公務員として勤める傍ら5年前からアート制作を始めた。

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【滞在作家x山梨作家シリーズ②】

Melissa Lui Yuen x Sogaku Yamada/山田蒼岳

「星とたんぽぽ_Stars Unseen In Daylight」

25th 26th March @AIRY

11:00-17:00

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Sogaku Yamada / 山田蒼岳 / 山梨 書

6歳で書道教室に入門以来、書と向き合う日々をおくる。
現在は教室を主宰すると同時に、独自のアブストラクト書をしたためて発表。
また「繭の森プロジェクト」「母へ贈る手紙」を開催して生活と書を結ぶ活動や、演劇の舞台監督を務める。

モットーは「書くことの楽しさを知れば、字の表情も変わる」

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「星とたんぽぽ」(金子みすず詩集から)

日中は目に見えないが確かにそこにある星々を感じる。

二人の作家は日々の生活での観察・実験・実践を通して遊び心にあふれる独創的スタイルを開発します。不思議と好奇心が芸術実践を促します。ともに手描きで引く線はナイーブでユーモラスであると同時に感謝と希望を表現し、大切だけど目には見えないメッセージを暗示しています。

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1: What made you draw nature in your own style?

I think nature is one of the simplest pleasures in life. It’s a gift that helps us to cultivate gratitude, compassion and appreciation – appreciation for this world and our part in it. I think that meditating on nature reminds us of the interconnectedness of all things, that we are connected to nature, and to eachother.

My illustration style has been shaped by the things that I like – for example I love Kusama Yayoi’s playful dots, and Matisse’s philosophy around colour, as well as the way pointillist painters like Georges Seurat explored colour through tiny dots. All of these ideas have influenced the way that I illustrate. I love illustrating intense detail to invite the view to look a bit closer. It is therapeutic and calming for me to draw this way, and I hope the viewer feels the same when looking at the work.

 

2: Your major was law, why and when did you decide to start drawing?

I started drawing again after a period of soul searching during my mid-20s. I had been working full time in the Australian Government for a few years and though I had a good job, I found myself asking whether there was something more. I was not happy for a long time, and started drawing again simply because it was something that I used to love doing as a child. My artwork has evolved and developed since then, and I have now been illustrating and exhibiting for the past three years.

I used to think I wanted to be successful. However, even with a successful job I was not happy. What I learnt through making my art is that it is important to first do the things that you love and are passionate about – and when you do that, then you are already living a successful life. Art is a creative break from my full time job, but it has also helped make me more attune to the world around me and to practice gratitude everyday. To be awake to everything around you and the beauty that exists – that is success.

 

3: Do you have any messages on your artworks?

In the past, I have incorporated hand-lettering in my artwork about doing things that you love, or thinking about others. While I do not have any specific messages in this exhibition, the themes are still the same – a celebration of the natural world and an underlying sense of gratitude for being a part of it.

My artwork explores what it is like to have that sense of childlike wonder about the world, and the innocent delight and joy that children feel about the simplest of things – things like playing with a dandelion, colourful flowers, shapes of the clouds. As adults we can lose sight of that wonder and playfulness, and be lost in routine and work. My artwork invites the viewer to celebrate small moments in nature again. This particular collection of work celebrates the gentle transition from winter to spring in Japan, and the sense of excitement in the air about what is to come.

 

4: After coming to Kofu, did you get inspired by anything?

I waited until I arrived in Japan to decide on what to explore in my exhibition at AIR-Y. This means, ultimately, my whole experience in Kofu and travelling around Japan has influenced the work.

I was here during the transition from winter to spring, and the sense of anticipation is really palpable. There is a sense of joy and excitement about the coming of spring and I found that particularly noticeable in Japan compared to other places I have been. I think it is because of the very stark contrast between the cold February winter weather and the gradual transition to the pinks and sunshine of March spring. That is certainly something I hoped to capture in the exhibition.

I also discovered Kaneko Misuzu’s poetry while I was here in Japan. Her work really resonated with me because of its message about compassion for nature, and her innocent, childlike perspective on the world. The title for this exhibition is inspired by her poem about beauty in the unseen.

More broadly, my time in Japan and seeing different Japanese artworks and design has taught me the power of restraint and minimalism. When I tried shodou I found that a few intentional and careful strokes of ink can create a beautiful and striking artwork. Art does not have to take over a complete page in order to be impactful. That was an important lesson for me and something that I will remember in the future as well.

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Question 1:この技法で、自然を描こうと思った訳は?

人生において、自然とはまさに最もシンプルな喜びではないかと思う。深い感謝の気持ちが湧いてきて、感動や恵み(この世界と、自分がその一部であるという)にも気づかされる。自然を瞑想することは、全てのものの繋がり、自然と互いとの結びつきを思い出させてくれる。

私のイラストの作品は、自分の好きなものに影響を受け形成されてきた。例えば、草間彌生の遊び心ある水玉模様、マティスの色に見受けられる哲学、そしてGeorges Seurat(ジョルジュ・スーラー)が見い出した細かい点描画。

私はとても細かいイラストを描くが、その時はセラピーを受けている時のように心落ち着く時間で、見てくれる側にもそれを感じてもらえたら嬉しい。

 

Question 2: 専攻は法学であるが、何故、そしていつから描こうと思ったのか?

自分探しをしていた期間を経て、再び描き始めたのは20代半ば。オーストラリア政府で数年、フルタイムで働いている自分に問いかけた。確かに良い仕事に就いている、でも他にすべき何かがあるのでは、と。長い間、本当の幸せを感じられなかった時、子供の頃は絵を描くことが大好きだった自分を思い出し、ただ純粋に、もう一度描いてみようと思い始めた。その時から少しずつ私の作品は進化、変化しながら今では三年ほど制作や作品発表に携わっている。

私は常々、人生成功したいと思っていた。しかし、良い仕事に就いたとしても幸せではなかったのだ。絵を描くこと、制作を通して学んだことは、自分の大好きなことに情熱を注げることをすべきであるということ。それを実行できている時、人は本当の意味での成功の人生を生きていると思う。アートは仕事から解放される創造的なものであると同時に、周りの世界との調和を促し、日々の喜びを感じさせてくれるものである。それらに目覚め、その美しさを悟ること、それこそが成功なのだ。

 

Question 3: 作品に何かメッセージがありますか?

これまで作品に説明書きはしてこなかったので、今回の展示でも何か特別なメッセージはないが、やはりずっと変わらない以下のことがテーマであると思う。それは、自然界への賛美と、その一部でいられることへの感謝の気持ちである。

私は作品の中に、子供達が世界に対して持つ問いや不思議、たいしたものでない物に純粋なわくわくを感じる彼らの喜びを探し続けている。それは、たんぽぽだったり、色々な色の花だったり、形を変える雲だったり。私の作品にも、やはり見る人にそのような自然の小さな瞬間を感じてもらいたい。ここに集めた作品は、日本の冬から春への移り変わり、空気の中にある始まりの躍動を祝うものたちと言っていい。

 

Question 4:来日後、何かに影響を受けましたか?

私はAIRYで何を制作発表しようか、日本に降り立つまで待っていた。その結果、甲府での色々な経験、日本各地の旅が全て作品に影響した。ちょうど季節の変わり目に日本に来て、その実感をリアルに得ることもできた。春の訪れを待つ喜びや楽しみは、他のどの国よりも日本に特徴的だと思う。その理由に、厳しい寒さの冬の二月と、徐々に春色に移ろう春の三月というはっきりとした対比があるからではないかと思う。これはまさに私が今回の展示で捉えたかったものである。

同時に、金子みすゞの詩と出会うことができた。彼女の詩は、自然への敬愛のメッセージ、彼女自身の純粋さ、幼子のような世界観が含まれ、私の心の奥底にまで響いてきた。見えないものの美しさという金子みすゞの詩に感銘を受け今回の展示のタイトルを決めた。

更に、日本での時間や日本人作家の作品を見ることで、私は、制限された中での力強さを教わった。書道をさせてもらった時、少しの力の入れ具合や注意深さが、美しさや芸術性を生むことになると発見した。アートとは、必ずしも影響力を持つ為に完全なる文章などでなくていい。そのことは私にとって重要で大切な、きっと生涯忘れることのない教えとなった。http://www.mellopoly.com

(translation by Nagisa Mitsumori)

 

 

Eka Haski /Russia

—It has been postponed—

Eka Haski

Russi

yekahaski.com

drawing, painting, sculpture, installation

residency April 2017

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エカ・ハスキ

ロシア

ドローイング、ペインティング、彫刻、イラスト

2017年4月滞在

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ロシアのサンクトペテロブルクで活動する作家。

主なテーマはその分身ともいえるファンキーなキャラクターであり、毎日の経験や挑戦を視覚的なフォームに置き換える。作家の絵は複雑な形が混じったように見え、楽しく、騒々しいユーモアと動きを広げながら増殖する。

それらは物語要素を含みストーリーテラーでもある。キャラクターのほとんどは想像上の生き物のように見えるが、特定の存在ではなく感情の集合的なイメージを表す。

対象は好きな色、形、ちょっとしたアイデア、人の夢と精神、情熱、イベント、自然の一部、場所、心の状態、店の棚の小さな物など何でもよい。作家にとってすべてが重要であり同時に重要ではない。手の込んだトリックを駆使して、スニーカーやファッションブランド作品にも挑戦的に取り組む。

Aston Creus/Australia

Aston Creus

Australia

http://www.astoncreus.com/

computer programming, sculpture, print, writing, photo, installation

residency February 2017

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アストン・クレウス

オーストラリア

コンピュータプログラミング、彫刻、版画、著述、写真、インスタレーション

2017年2月滞在

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アストン・クレウスはオーストラリアのシドニーの拠点に活動する新進のスタジオ作家で、国内または地元で展覧会を開催しています。彼のアートの実践は相互メディア・彫刻・インスタレーション・エレクトロニクス・バーチャルリアリティ・ハードウェアのハッキングなどの領域を自由に行き来します。作品ではビデオゲームの分野で行うデジタル操作を認識し、またはそれらを彫刻に翻訳することによって物理的な存在感を与えることを意味します。

滞在中はファンタジーの物語と想像上の特徴を景観に重ね合わせるために、不思議で不確実性のある場所を見つける必要があります。私にとって未知で広大な自然環境に囲まれた山梨県で、この発見過程を通して自分の一時的な住居を作りながら芸術を創造することができるでしょう。私は森林浴(英語訳がない)を実施した後に、スタジオでテキストやロールプレイを使ってこれらの体験をデジタル形式に変えたいと考えています。デジタル操作とコンピューティングを周辺地域や都市の重要なサイト固有の要素と組み合わせた彫刻とパフォーマンスを作りたいと考えています。山梨の人々の考え方や自然環境の話などが、私の制作と理解に影響を与えるでしょう。

 

森  林  浴

THE FOREST SWALLOWS ME

Aston Creus xSakura Fantasma

@AIRY

2017, 02, 25 sat & 26 sun   11:00-17:00

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「森林カフェ」オープン

26 sun  13:00-15:00

トーク+森林ドリンク+フード

参加無料です*お気軽にどうぞ

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滞在作家と山梨作家シリーズ①
Aston Creus(オーストラリア)xSakura Fantasma(山梨)

海外の作家と日本人の作家を組み合わせて発表します。
作家同士が発表に至る時間と空間を共有することで
どんな反応が起こるのでしょうか?
第一回目はオーストラリアと山梨の作家です。
ファンタジーを自然の中に見つけて、豊かな想像力で提示する二人の作家はともに森を歩き対話を重ねています。
ぜひ若い作家たちに会いに来てください!
「森林カフェ」では二人の作家によるドリンク&フード提供予定

作家紹介
✩Aston Creus/アストン・クレウス(オーストラリア)
http://www.astoncreus.com/
ファンタジーの物語と想像上の特徴を景観に重ね合わせる
デジタル操作とコンピューティングを山梨固有の要素と組み合わせて、立体とパフォーマンスを作りたい。

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✩Sakura Fantasma/サクラ・ファンタスマ(山梨)
http://sakurafantasma.tumblr.com/
ホラー嫌いのFantasma(おばけ)
自然・音楽・古物から生まれたイメージをイラストレーションやコラージュ・ペインティングを主に、国内外問わず制作&発表をしている。

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「森林カフェ」オープン

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2月26日(日)13:00-15:00
トーク+ドリンク+フード
***参加無料です*お気軽にどうぞ

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   [Forest] Fantasma               [PSI Freeze Ω] Creus                        [Untitled] Fantasma
 graphite on paper                  hydrographic print on metal            graphite on paper
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[Untitled /amongst the evergreens] Fantasma & Creus
hydrographic print on plate
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           [The soil will suck the minerals from my bones, and it will taste my disappointment]Creus
hand engraved text on Kawara tile
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[Mori no Mamorigami] Fantasma                                  [Regency um] Creus
 acrylic on textile                                          mixed media and cast-iron on gas canister
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[Kofu-landscape-study-2] Creus
TV, costom modified version of ‘Cabelas Big Game Hunter: Pro Hunts’, programming

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exhibition photos by Ikumo Motosugi

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                                                                                     Artist Talk 26th February @AIRY

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introduction by local paper

Sandra Leandersson /Finland

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Sandra Leandersson

sandraleandersson.tumblr.com

Finland

Textile, photo, text, video

residency March 2017

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サンドラ・リアンダーソン

フィンランド

テキスタイル、写真、テキスト、ビデオ

2017年3月滞在

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サンドラ・リアンダーソンはフィンランド生まれで、現在はスウェーデンストックホルムで活動する作家です。工芸の分野で刺繍を中心に制作しています。

タペストリーを作ることは、柔らかい3次元のものを作るということ。

その作品をデザインまたは工芸品として見なして、テキスタイルというものを人々の頭の中に生きているものとして伝えようとします。

自分の感情に出会うこと、自分のバランスを見つけること、そして周囲のものとのバランスが大切です。感情は人の内的感情や社会的過程を表わすだけではありません。私たちは常に周りのものの影響を受けています。

人間が言い表せないもの、曖昧なもの、剪断的なもの、解決できないもの、享受できないものを忘れる。論理を超えたものに焦点を当てます。

自分の感受性を信じ、日常生活を通して表現衝動が現れる兆候を待ちながら。

 

 

WORK IN PROGRESS exhibition

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WORK IN PROGRESS

Karl Patric Naesman/Sweden

Maija Tammi/Finland

12/23 Friday, 5-7 pm   オープニングナイト/ 軽食ドリンク、展示、トーク

(通訳あり 三森なぎさ)

12/24 Saturday, 11 am -6 pm /展示

両日共無料、予約不要です お気軽にご参加ください。

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タイトルの「WORK IN PROGRESS」 は「進行中、進行途中」を意味します。

滞在中の作品を独立した完成作品として見せるというより

長いスパンで捉えてトータルな制作活動の進行途中という意味です。

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作家紹介

 カール・パトリック・ノースマン/スウェーデン

www.karlpatric.com

絵画・写真・オブジェ

独特の表層を持つ花崗岩・大理石・木目などの素材を模倣して並べ替える。

何が工芸品とアートを区別するのか、オリジナリティとは何かを問う。11~12月滞在中は、表具店のスタジオで近年の関心である屏風作りを学び自作に生かした。

マイヤ・タミ/フィンランド

www.maijatammi.com

写真・ビデオ・リサーチ

「科学とアート」「医療とアート」をテーマにリサーチするアーティスト

10~12月滞在中は僧侶・ロボット研究者・社会人類学者(臓器移植)へのインタビュー、整形外科病院の元入院施設での写真撮影などを行った。

病気や死に焦点を当て映像表現することにより、その対極にある人間の生命を浮かび上がらせる。

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山梨日日新聞で紹介されました

 

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Maija Tammi /Finland

Maija Tammi

Finland

www.maijatammi.com

photography, installation, sculpture, research

residency October – December 2016

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マイヤ・タミ

フィンランド

写真、インスタレーション、彫刻、リサーチ

2016年10~12月滞在

Maija Tammi. Kuva: Miikka Pirinen

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My art (mainly photographs and sculptures) converse on topics around disgust and fascination, science and aesthetic. Another very important theme for me is representation and its possibilities. I am currently working on my practice-based doctoral thesis (meaning that my artworks are part of the academic research) at Aalto University School of Arts, Design and Architecture in Helsinki, Finland.

私のアートは主に写真と彫刻ですが、「嫌悪感と魅力」「科学と美的なもの」といった逆のトピックを扱います。

私にとってもう1つの非常に重要なテーマは、表現とその可能性です。私は現在フィンランドのヘルシンキ芸術デザイン大学で、学術研究の一部として博士論文に取り組んでいます。

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She focuses the field of art [SCIENCE & ART]  and seeking phD,

photographed in old hospitalization facilities of Ashizawa orthopedic clinic.

芦沢整形外科医院にて今はもう使われていない入院施設で写真撮影を敢行しました。

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She learned Japanese practice leading to organ transplant from brain death, between life and death in Buddhism or development of artificial intelligence.

脳死からの臓器移植に至る日本人の慣行や仏教における生と死、人工知能の開発などの研究を行った。来年始めには英語/日本語バイリンガルの冊子を出版予定となり、滞在中にすべて原稿を仕上げました。

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Questions to Maija Tammi at artist talk by Nagisa Mitsumori translator:

  1. 初期の段階で、このような研究&アートの分野に興味を持ったきっかけは?

 

  1. 100日かけて腐敗してゆくウサギを美しく見せようと撮影し続けた試みは、意識的にそうしたのか? or その過程がそもそも美しいものと信じていたからそうしたのか?

 

  1. 死と生に種類があるとしたら、その境界線または種類はどんなものがあると思うか?

付け加えて 生の可能性とは何か?

 

  1. 日本滞在で研究と制作に、役に立ったことは何か?

 

Karl Patric Naesman/sweden

Karl Patric Naesman

Sweden

www.karlpatric.com

painting, photography, objects, sculpture, research, installations

residency November-December 2016

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カール・パトリック・ノースマン

スウェーデン

絵画・写真・オブジェ・彫刻・リサーチ・インスタレーション

2016年11、12月滞在

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During the last years I have imitating different materials that have some sort of cultural value like the granite, marbles, wood grains or working with the notion of the copy in relation to originality. By borrowing from the repetitive and standardized realm of crafts or from the art history/culture, the imitation and the copying as methods have a central role in my current art production. What differentiates craft and fine art is considered to be a dose of uniquely creative imagination. But what now, or historically is this uniqueness? It is almost always still imitation and representation. What distinguishes one piece of contemporary art above another work of art is the content of the ideas.

The works in my current practice create a visual illusion that opens up a conceptual split between an appearance of tangibility, of the works mass and feel, and the actual physical objects present. I aim to play around with the art objects very own materiality. Yet I don’t see these painting or sculptures as only physical illustrations of a conceptual idea. They have a physicality as well as a material presence and they have been produced through different means and methods.

The question I keep asking through my work if painting with all its history, tradition, fetishism and aura surrounding it be dissected into something easy enough for most people to use and share? Is there a need for originality in art when we can reproduce almost everything now through accessible means or even hire someone else to do reproduce it for you? More or less, I want to question the originality aspect and the myth surrounding painting as a medium.

 

近年私は花崗岩、大理石、木目のような独特の価値のある素材を、コピーの概念で模倣して並べ替える制作をしています。工芸品および標準化された領域から、あるいは美術史/文化から借用して模倣することが私の現在の制作で中心的な役割を担っています。何が工芸品と美術を区別するのかは、ユニークな想像力の用量であると考えられています。しかし現在においてまた歴史的に見てユニークさとは何でしょうか。それはほとんど常に模倣と再表現されたものです。ある現代美術作品を他作品と区別するのはアイデアの内容です。

私の現在の作品は、大量の作品の有形の出現と実際の物理的なオブジェクト存在の間に概念的な開きの錯覚を生じさせます。私は美術品自体の実在と戯れることを目指しています。しかし私は、概念的アイデアの唯一の物理的な説明としてのみこれらの絵画や彫刻を認識している訳ではありません。彼らは物理的のみならず材料存在感を持ち、様々な手段と方法を介して制作されています。

私のペイントに歴史的かつ伝統的、フェティシズムとオーラがあれば、多くの人々が共有して使える身近なものとして批評されるのではないかーこれが作品を通して問い続ける疑問です。我々がアクセス可能な手段を通してほとんどすべてを再現する、あるいはそれを再現しないために誰かを雇うことが、芸術のオリジナリティのために必要ですか?多かれ少なかれ、私はメディウムとしての絵画をオリジナリティの側面と神話から問い続けたいと思います。

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visiting Hyougu Studio to see the master and learn how to make Byoubu

甲府市古春堂ギャラリーの紹介で「新海表具店」を訪問。日本の屏風や障子への興味は尽きません。実際の職人さんの技術を間のあたりにして自作へのインスピレーションを得たようです。

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from Local to the World

2016.10.22(土)

@甲府市中央4-8-2 上杉ビル2F空きテナント

13:00-14:30  アートワークショップ

15:00-16:00  ジャズライブ

(両方参加できる方募集)

小学生~ 参加費1500円

申し込み方法 n-x-1224@hotmail.com (宮田) 「WS申し込み」

「氏名」「年齢」「連絡先」をご記入ください

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RS5pb×AIRY(アーティスト・イン・レジデンス山梨)自主企画2日目

『from Local to the World』

~空き家率No.1である山梨の空きテナントを舞台に

ジャズ由来ながら、音楽シーンを縦横無尽に駆けるトランペッター・類家心平。彼が主宰するRS5pbによる自主企画「RS5pb in Yes More No Shit」を甲府で開催致します。テーマは「ローカル&グローバル」。 昨今、インターネットの発達により情報が氾濫し混在する中で、文化ジャンル的な境界も消失しつつあります。全てのものが混ざっていく社会の中で、改めて「ローカル」と「グローバル」について取り上げ、21世紀の今、どのように機能していくのかを再考します。

自主企画2日目は『from Local to the World』として、AIRY(アーティスト・イン・レジデンス山梨)に滞在する外国人アーティストとコラボレーションした子ども向け空間芸術ワークショップ&ライヴを行います。舞台は歴史ある甲府市連雀問屋街に在る、上杉ビル。現在、山梨は空き家率No.1となっており、甲府市中心街も人口流出によって空き家が多く閑散としている風景が見られます。2日目の『from Local to the World』は、そんな空き家率No.1である山梨の空きテナントを活用した取り組みの第一弾イベントでもあります。

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【協賛紹介】 街のみなさまの応援が力になります!
◯武井歯科医院 http://www.geocities.jp/htm_ammy/takei/
◯(株)千鳳・ケチャャhttps://www.facebook.com/pages/%E6%A0%AA%E5%8D%83%E9%B3%B3%E3%82%B1%E3%83%81%E3%83%A3/250199441677607
◯総合画材ぺきん堂 http://www.pekindo.jp/

◯橘田裏地店(アートワークショップ用裏地)http://itp.ne.jp/shop/KN1900060700016897/

◯五味醤油株式会社 http://yamagomiso.com/kanente/
◯株式会社澤田屋 http://www.kurodama.co.jp/

◯花国(アートワークショップ用ドライフラワー各種)
http://hana-kuni.com/access.html

◯Fluunt KOFU/フルウントこうふ
http://fluunt.net/ オーガニックレストラン

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10.21(金)22(土) 二日間のトータルイメージはコチラ!

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ジャズ由来ながら、音楽シーンを縦横無尽に駆けるトランペッター・類家心平。彼が主宰するRS5pbによる自主企画「RS5pb in Yes More No Shit」が甲府で開催される。自主企画2日目はアーティスト・イン・レジデンスAIRYに滞在する外国人芸術家とコラボレーションした子ども向け空間芸術ワークショップ&ライヴ。「ローカルでグローバル」、地元甲府でグローバルを体感できる一日。
@甲府上杉ビル内2F空きテナント(甲府市中央4-8-2)
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★13:00~14:30 空間芸術ワークショップ★
ビルのワンフロアを使(つか)ってのびのびと絵(え)を描(か)こう!世界各地から来た芸術(家たちと一緒に、みんなのためだけの特別な空間をつくろう。
★15:00~16:00 RS5pb ライヴ★
トランペット吹きの類家心平さん率いるRS5pbによるジャズライヴ。みんなで作り上げた空間の中で、目でも耳でも楽しもう。
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お申し込み(完全予約制)参加される方の「氏名」「年齢」「連絡先」をご記入の上、以下の問い合わせ先までご連絡ください。メール申し込みにより参加が確定されます。
n-x-1224@hotmail.com(宮田)

対象 小学生~
定員 30名程度
参加費 1500円
集合場所 上杉ビル1階 ※絵の具を使いますので、服装(靴を含む)にお気をつけてお越しください。

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【会場紹介】当日会場の上杉ビル、約100年前(祖父母時代)は自転車屋でした。

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現在の上杉ビルは5階建て。二階の空きテナントが当日の会場です。

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【アーティスト紹介】

Elisabet Ericson /エリザベート(スウェーデン)

スウェーデンを拠点に活動するイラストレーター。

彼女の作品の中心は「人間」であり、人を観察することで人々の表現を学び、それを自分自身の絵と言葉で語り直す。物語や特定の意味を加えることで、人々に自分の考えを伝えることにも関心がある。AIRY滞在中は街を歩いて人々と話し、新しい生活環境を見回して、ドローイングを制作する。また、短いお話を作って見てもらい、人々からの解釈を聞き、その反応と感想を観察することで、制作へと循環させたいと考えている。

 

Maija Tammi/マイヤ・タミ(フィンランド)

フィンランド出身で写真と彫刻を中心に世界で活躍する作家。

「嫌悪感と魅力」「科学と美的なもの」といった逆のトピックを扱う。

また、フィンランドのヘルシンキ芸術デザイン大学に在学中であり、表現とその可能性についてを重要なテーマとして、学術研究の一部として現在博士論文に取り組んでいる。

 

Silvia Trappa/シルビア・トラッパ(イタリア)

イタリア出身の作家で、彫刻やドローイングで表現する。

彼女の作品は日常生活に触発されていて、身の回りのものを見て、シンプルで簡単な方法で世界に伝えることができるようにするために、その本質をキャッチしようとする。AIRY滞在中は、人々の思い出の写真をもとに立体作品を制作する「Memory Cubes」プロジェクトを実施し、現代の社会がどのように変化してきているか、日常生活や習慣、伝統への影響はあるのか考察している。

 

【ジャズライブ紹介】

類家心平 /Shinpei Ruike

青森県八戸市生まれ。

高校卒業後海上自衛隊音楽隊でトランペット担当として6年間勤務し、退官後に上京。

その後、2004年にジャムバンドグループ「urb」でデビュー。現在は「菊池成孔ダブセプテット」や「dCprG」に参加。フジロックフェスティバル等の出演で注目が集まる。

自身の名義で主催しているバンド「RS5pb」では、現在までに4枚の作品をリリースしている。

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ワークショップに使うフラッグつくり、寄付していただいた裏地と細竹を組み合わせて作ります。

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約10年間使われていなかった会場を掃いて拭いて清めて、ワークショップとライブの準備。

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約10x15メートル広さの会場はスケルトン、展示やパフォーマンスにはぴったりの広さです。

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ライブのステージは天蓋をイメージして、当日の作品を吊るす間隔を打ち合わせしています。

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前日の準備完了できることは全部やった!明日はどんな皆さんとお会いできるか楽しみです。

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the day 1022

Workshop story by Elisabet Ericson

1,Close your eyes.

You’re standing in the middle of a landscape

The wind is warm

You see something far away

What does it look like?

Is it big or small?
What kind of shape does it have?

Now you can open your eyes, and paint the landscape.

 

2, Close your eyes.

You see many things around you that you can eat
What colors do they have?
What do they taste like?
Now you can open your eyes and paint one or a few of them.

 

3, Close your eyes.

You see a bird flying.

It sits down close to you

What does it look like?
Where does it sit?
Open your eyes and paint the bird.

 

4, Close your eyes.

You start singing to the bird

What do you say?

The bird gives you something in response

Now you can open your eyes and draw the gift.

 

5, Close your eyes.

You look down on your feet

And you see that you are also an animal

What do you look like?

Now you can open your eyes and draw yourself.

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地方の空きスペースを世界に開いて行くというミッション、すべて初めての取り組みでした。

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参加者を待つ会場のワクワク感、これからこのスペースで起こること

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学生インターン3名もこの日は勢ぞろい、それぞれの持ち場を固めます。

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3名の海外作家は、自己紹介と道具使い方を兼ねて各国のキャラクターでデモンストレーション

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左からシルビアさん、マイヤさん、エリザベートさん

きょうのストリーテラーはエリーザベートさん

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兄妹コンビは真剣そのもの

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この日は甲府出身の美大生も参加

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ストーリーを聴きながら筆がどんどん進んでいます!アクリル絵の具鮮やか!

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自分のイメージを広げてどんどん自由に筆が踊っている!

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お母さんと参加の女の子、こんなに大きく描けたよ~

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最年長参加者は甲府在住アーティスト、ドラゴンマン

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高校生も準備から参加してくれました、みんなの協力で作り上げました

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お父さん、こんな感じにできました~♫

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最年少参加者は一歳半、お母さんと

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マイヤさんの指導でテキパキと天井に配置していきます。

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17枚のフラッグがすべて吊るされて、さあ第二部RS5pbライブへ!!!

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みんなで作ったステージでミュージシャンが演奏してくれるってサイコー

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天井の錆感も相まっていい感じです!空きスペースがライブハウスになった瞬間

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技術もセンスもパワーも超上級な5人組の演奏に引き込まれる

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フロントマンのランペッター類家心平

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準備から開催まで多くの皆さまの協力があって実現した企画

このスペースがこれから面白いことの発信地になる

さあ!甲府から世界へ向けて舞台は整った

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Silvia Trappa/Italy

Silvia Trappa

Italy

www.silviatrappa.com

sculpture, drawing

residency on October 2016

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シルビア・トラッパ

イタリア

彫刻、素描

2016年10月滞在

Silvia

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All my works are inspired by daily life. I look the things around me and I try to catch the essence of it in order to be able to tell the world in a simple and easy way.

I work on the concept of time using as main media sculpture and drawing.

In a fast world I’m interested in the ability of waiting, so my characters are often children, animals, old and strange people. In my works they appear to be crystallized and stopped in the time, their shapes and colours seem to be time-worn like they were living just in memories or in dreams.

I would like to create a language that everyone from everywhere can understand, something that will appear easy and light at the first sight but that is also deep and critical if you pay more attention to it.

I’m interested to expand my knowledge finding new inspirations, discover and learn about old and contemporary history of different countries, taking things that affect me and reusing it in a new and contemporary key.

In this way we’ll think about a topical fact through something that we already know because it is a part of our History.

In the last few years I focused my research on materials, looking for some kind of sustainable materials, as a result I started to work more with paper, which became the main material of my sculptures.

Some years ago I started to be more interested in social art. I started to work with children, old people and outsiders, at first as a volunteer. This approach made me stronger and now I begun to organize recycling workshops for children and people with different kind of disabilities.

私の作品は日常生活に触発されています。身の周りのものを見て、シンプルで簡単な方法で世界に伝えることができるようにするために、その本質をキャッチしようとします。

私は主に彫刻やドローイングを用いて時間の概念に取り組んでいます。

現代の高速の世界において、待っているの能力に興味があり、多くの場合、子供・動物・古いものと奇妙な人々が登場します。作品は彼らが結晶化し、時間内に停止しているように見えます。その形や色はちぎれた時間の中で、単に記憶や夢の中で生活していたようにも見えます。

私は、どこからでも、誰もが理解できる言語で作品を作りたいと思います。それは一見簡単で明るく見えますが、それにもっと注意を払う場合には深くて重要である何かです。

自分に影響を与えるものを取リ入れて、新しい現代的な解釈でそれを再利用し、新たなインスピレーションを見つけて知識を広げる発見をしたり、さまざまな国の古いものと現代の歴史について学ぶことに興味があります。

このように、我々はすでに知っている何かを介して局所事実について考えます。なぜなら私たちは歴史の一部であるからです。

このところ私は、彫刻の主材料となる持続可能な材料を探して集中的に研究をし、結果として主に紙を彫刻の素材として使うようになりました。

また何年か前、私は社会的なアートに興味を持ち始めました。まずボランティアとして子ども・高齢者や部外者と協力し始めました。このアプローチは自分自身をより成長させ、いろいろな障害の種類の子供や人々のためのリサイクルワークショップを開催し始めています。

 

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Memory cubes project – Silvia Trappa

I’m an Italian artist and all my works talks about how the contemporary society has change and influence our daily live, customs and traditions.

Digital technology have changed the way to preserve our memories.

My project focus on how is changed our way to remember, involving the local people it want to be a meeting point between different culture, age and style.

I would like to ask to people of Kofu to be a part of this project:

-show me an old picture of your family

-tell me the story behind that moment

I’ll use pictures and stories for remake these in  drawings on paper that after will be put on cubes of wood  (recovered from joinery scrap).

All pieces will be using to make an installation, it will be like a monument of memory and also a kind of collective memory, a way to tell the history of the town through the personal experience of each citizen.

 

私はイタリア人アーティストです。

現代の社会がどのように変化してきているか、日常生活や習慣、伝統への影響はあるのかを考察するのが私の制作のテーマです。

近年、デジタル技術の発達は、私たちが思い出を保存する方法に変化を与えました。

このプロジェクトでは、様々な世代の地域の人々と出会いながら彼らを巻き込みつつ、私たちが思い出を保存する方法に焦点を当てます。

参加者への質問

・あなたの(古い)家族写真を見せてください

・その時の思い出を教えてください

私は写真と思い出話から発想して紙にドローイング、それを木片の表面に貼っていきます。すべて揃ったらインスタレーションとして発表します。思い出の記念碑として、人々の個人的経験を通して街の歴史を語る作品となるでしょう。

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彼女の作品は日常生活に触発されていて、身の回りのものを見て、シンプルで簡単な方法で世界に伝えることができるようにするために、その本質をキャッチしようとする。
AIRY滞在中は主に三種類の制作を行った。
・ドローイング
・彫刻(ペーパーマッシェ)
・Memory Cubes(聞き取り型プロジェクト)
人々の思い出をインタビューしてその写真をもとに立体作品とアルバムを制作。現代の社会がどのように変化してきているか、日常生活や習慣、伝統への影響はあるのか考察している。
立体作品はインスタレーションとして発表される。

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interview with Miyako Nakamura

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interview with Fumika Wakayoshi

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interview with Masaki Watanabe

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interview with Kana Harada

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interview with Mina Ino

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