Sophie Beneteau

France

www.sofia.beneteau.com

Photography, drawing, painting, installation

residency 2016, May

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ソフィー・ベネトゥ

フランス

写真、ドローイング、版画、インスタレーション

２０１６年５月滞在

My artistic research calls into question its own form through performance and ephemeral installation – media which allow the public to easily interact with my work. My creations focus on two highly interconnected themes:

territory/cartography and urbanisation/architecture.

I intend to let my feet guide me as I strive to better understand Japanese urbanisation. Walking commemorates the slowness of the human experience of space and time. I will walk daily, gaining a thin perception of urban organization and environment. Walking will allow me to discover anodyne places, ways of life, artisans at work. During these walks, I will take photos, and draw a chalk arrow on the ground in the precise place of each shot. I will be able to briefly inhabite urban space with the softest of touches.

Last October, I went in Japan, this time of observation has inspired me to learn more about Japanese culture. I have decided to return for a longer period during the spring, focusing on medium sized cities. The location of your residency is perfect for my research because it is the regional capital and is located in a beautiful natural environment close to the mountains. That your residence is in close contact with locals and farmers is a further attraction.

I am very interested in working in public space because it is open to everyone. My photography will be a memory of this ephemeral action. At the end of the residency, I would like to project the photography on a glass painted with white meudon.

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人々が私の仕事と対話することを可能にするメディア – 私の芸術的なリサーチは、パフォーマンスとインスタレーションを通じて表現しています。作品は、２つの高度に相互接続されたテーマに焦点を当てています。それは領土または地図作成と、都市化または建築です。

日本の都市化をより良く理解するために、私は自分自身を導いていきます。ウォーキングすることで、空間と時間の中での人間の経験はゆっくり記録されます。私は都会の組織と環境を少しづつ認知しながら、毎日歩きます。ウォーキングすることで静かな場所、生活様式、職人を発見することができます。これらの散歩中に私は写真を撮ったり、各ショットの正確な場所で地面にチョーク矢印を描きます。そして私は簡単にタッチの最も柔らかい都市空間に居住することができるようになります。

昨年１０月に私は日本に来たのですが、この時期に日本文化についての詳細をもっと学びたいというインスピレーションを得ました。私は中規模の都市に焦点を当て、春に長い期間を取って戻ることにしました。甲府は県都であり、山に近く美しい自然環境に優れているので、私の研究に最適です。さらに地元の人々や農家に密着しているということはとても魅力です。

私は誰にでも開かれている公共空間での作業に非常に興味を持っています。そして写真作品は、この一時的なアクションの記録になります。滞在の終わりに、私は白いメディアで塗装ガラス上に写真撮影を投影したいと思います。

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Ⓒ SofiA Beneteau

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Serena Lumley

Australia

http://slumley.wix.com/serenalumley#!gallery/c1l1j

oil painting, drawing, printmaking, photogragh

residency April 2016

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セレナ・ラムリー

オーストラリア

油彩、素描、版画、写真

２０１６年４月滞在

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Light and shadow are the two most important components of my work. I contrast light with shadow to construct my paintings- then line and shape emerge. Light and shadow can have just as strong a presence as that of a tangible object; they can transform a space and create a whole new atmosphere. Unusual plays of light can transform a familiar and banal space or object into something that is strange and unknown. Thus light and shadow have the power to change spaces and objects so that they represent entirely different ideas from those that we would expect. The spaces and objects that I paint can all be found within a domestic environment. They are all banal, everyday and familiar. However it is exactly this expected banality that has the potential to make them unsettling when it is realised that they might not be so familiar after all. Within my work there is the ‘hole’ or ‘abyss’ motif. There are empty spaces that might be filled with other objects which are just as ordinary as the sink or washing machine which contains them, yet they lie empty. In each painting there is also a notable absence of a human presence, or a remnant suggesting there once was a human present in these spaces that were created for and by us.  Instead of being a part of day-to-day life, as one would expect, these objects and spaces are all unfamiliarly empty and silent.

光と影はわたしの制作で2つの最も重要な要素です。絵画を構築するために光を影と対比し、その後ラインと形が出現します。光と影は明確な物体ほど強い存在感を持つことができます。

それらは場所を変形して、全く新しい雰囲気を作り出すことができます。光の異常な作用は、よく知られた平凡な場所や物体を奇妙で未知のものに転換することができます。光と影は、わたしたちが期待するものとは完全に異なった場所と物体に変えてしまう力を持っているのです。

わたしが描く場所や物体はすべて身近に見つけることができます。それらはすべて、平凡で日常生活の中にあるものですが、しかしながらそれらの真実を本当はわかってはいないかもしれません。

私の仕事内では、「穴」あるいは「深淵」のモチーフがあり、流しや洗濯機とには穴があります。そしてそれらは空虚です。

そこに描かれるのは人間の存在の顕著な欠如、あるいは抜け殻です。人間の存在がこれらのスペースに以前あったことを示唆しています。

日常生活の一部であり、これらの場所と物体はすべて空虚で静かです。

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２０１３年９月「こうふのまちの芸術祭」＠寺崎コーヒー

２０１６年４月「YUGUREDOKI」＠寺崎コーヒー

2016.04.23-28

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Emma Finn

www.emmafinn.co.uk

UK

video, drawing, installation

residency April 2016

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エマ・フィン

イギリス

ビデオ、ドローイング、インスタレーション

２０１６年４月滞在作家

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All of my work begins with ‘the Marks’ – drawings which I view as independent forms created with their own stories to tell. Behind my work is a lengthy process of research to identify the stories, places and ideas that ‘the Marks’ are seeking to share.

The resulting videos and installations aim to transport the viewer to uncomfortable places that sit somewhere between reality and invention, a world where multiple planes operate independently of each other.
This interplay of two-dimensional drawing and three-dimensional material creates a warped realism and focusing the viewers’ attention on the overarching theme of perceptions and modes of reality. Capturing these complexities, I attempt to digital the everyday noise into single frames, into a black and white simplicity. The flattened-down drawn on features of the characters, alongside the collage of dimensions, merge the visual language of comics, film and cinema.

わたしの制作のすべては「目印」ーそれぞれの物語によりかたち作られるドローイングから始まる。作品の背後には「目印」が物語・場所・アイデアを識別するための長いリサーチ過程があり、「目印」を共有しようとしている。

結果的にビデオやインスタレーションが、視聴者を現実と架空の間のどこか不快な場所へ連れていくことがねらいであり、世界は複数の場面が互いに独立して作動している。２次元ドローイングと３次元作品の相互作用は真実を歪め、視聴者の認識と現実のモードの包括的なテーマへと焦点を当てる。これらの複雑さを表わすために白黒でシンプルに、日常のノイズを一つのフレームでデジタル化を試みます。平面化された登場人物のドローイングは実寸のコラージュで、コミックや映画といった視覚的言語がミックスされています。

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story-for-workshop

story-for-workshop-日本語

Emma Finn work shop @Nezu Memorial 　山梨市根津記念館

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Emma Finn exhibition @Yokomizo Seishi Memorial 　山梨市横溝正史記念館

Barbara Ishikura /usa

www.barbaraishikura.com

painting, drawing, sculpture

residency on March 2016

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バーバラ・イシクラ/アメリカ

絵画、ドローイング、彫刻

２０１６年３月滞在

The body of my work reflects the polar experiences of having been raised in a rural New England town whose best years had long passed and later living in Japan.  My early years were marked by the struggle and futility of simple survival.  Life was loud, sweaty, even chaotic, but it was always filled with an undercurrent of striving for a better future.  My years in Japan allowed me to absorb a radically different cultural expression.  It was one of quiet beauty, harmony with surroundings and an unchanging thread that connected past and present.

These two distinct experiences inform my drawing and painting as I search for content, form, negative space, relationships, line and narrative in an exercise to see the past I’ve come to understand and a future that is unknowable, but unbounded with possibilities.

I create art to feel the exhilaration of the moments when the process allows me step outside of myself. Conflict motivates my art.  This conflict is manifested in the juxtapositions of texture, form, line and color. Throughout the painting process, content and form gradually become clear to me.  In time, a deep, personal and emotional narrative of my childhood, and later, my life in Japan begin to emerge on the canvas. Although I am interested in many aspects of Japan, I am finding a personal connection to the appearance of animals in Taoist, Buddhist and Shinto art and culture; I am especially intrigued by the art of Mori Sosen. I try to understand why animals appear in my own work, and I can only guess that they connect me with Japan in a most intimate way while also revealing the deep human emotion we all experience in a palatable way.

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わたしの作品は、ニューイングランドの農村で過ぎ去りし幸せの後、日本に渡ったことに影響を受けている。初めのころは単に生存競争のきびしさや虚しさが現れていたように思う。生きることは騒々しく汗まみれで混沌としているが、それは常により良い未来のために努力することの源でもある。わたしは日本で過ごした時期に、アメリカと根本的に異なる文化的な経験をした。それらは静寂美、周囲との調和や過去と現在を結ぶ不変の脈絡などを意味する。

これらの二つの経験は、わたしのドローイングとペインティングに影響があった。わたしが探求するのは内容、形、負のスペース、関係、線や過去に学ぶ物語である。可能性は無制限で、見知らぬ未来を理解するようになった。

わたしは自分自身が外へ一歩を踏み出す瞬間に爽快さを感じられるようなアートを制作したい。競合することはわたしのアートの動機になる。それは手触り、形、線、色の並置で明らかになり、ペインティングのプロセスを経てそれは次第に現れる。時間、深さ、個人的で感情的な子供時代の物語、その後の日本での生活はキャンバス上に出現する。

またわたしは日本について多くの側面に対して興味があり、道教・仏教・神道における動物表現とアート・文化とのそれぞれの関係性について調べている。特に「森 狙仙」の表現に興味をそそられる。

動物たちがなぜわたしの作品に現れるのかを考えるとき、最も親密な方法で日本とわたしを結びつけているからとしか言いようがない。

１、甲府動物園記録映画上映→予約不要、直接お出でください。

（スクロールして映画ポスターをご覧ください。）

２、からだとうごきのワークショップ→ネット上でお申し込みください。

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記録映画

「ZOO PROJECT」～まちと人をつなぐかたち

タンザワユウキ監督

２０１６年３月５日（土）１０：００~１２：３０

甲府市役所一階市民活動室

約２０分作品をリピート再生上映いたします。

予約不要、無料

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午前の部：記録映画「まちと人をつなぐかたち」

映画監督 タンザワユウキ

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午後の部「からだとうごきのワークショップ」講師

オイリュトミスト 野口 泉@甲府動物園

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２０１６年３月５日　甲府市役所の一階市民活動室に朝日が差して、会場準備完了です。

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午前の部：記録映画「まちと人をつなぐかたち」約２０分はリピート再生で。

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「短い映画だったがよかった、動物園の実物の絵を見たくなった。」

「子供といっしょに活動に参加するプロジェクトに興味がある。」

「映像の切り取り方にセンスを感じた。新たな映像の試みを期待している。」

「ボランティアで動物園にペイントしたとは驚き」

「このプロジェクトの始まり方を知りたい。」

「海外の作家がどのようにまちの人と触れ合ったか。アートが世界をつないでいる。」

「大好きな動物園、フランキーにもう一度会えた。映像が効果的」

などアンケート結果より。

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午後の部：「からだとうごきのワークショップ」

①親子向けクラス受付と入場準備が始まります。完全予約制、壁を完全に閉じた室内

落ち着いた静けさの中で。

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親子向けクラスの流れ：

受付をすませて外の通路で待機してもらう 部屋の入り口は締め切っておく ↓

部屋の中からピアノの曲が聞こえてきたら、スタッフの方が列の先頭の子と手をつないで入室↓

部屋の中の講師との出会い↓

全員で輪になる ↓

であいのはじまり（はじまりのことば） ↓

あいさつのたま　（あいさつ） ↓

手遊び・足遊び（手・足のめざまし） ↓

おはなしとうごき ↓

おはなし語り ↓

昔の歌とうごき↓

おわかれの歌とうごき↓

退室

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WS開始直前の講師とピアニストの最終打ち合わせ：

実はこの後の写真がありません。WS中の写真がNGだったからです–特に親子向けクラスでは写真を撮ることに子供が反応して集中を切らせるので。日ごろ、写真→記録のサイクルで動くことに対するアンチテーゼでもありこれは返って新鮮でした。写真を撮る必要がないのでスタッフもWS自体に集中できました。

②大人向けクラス

オイリュトミーはシュタイナーの人智学に基づく体の動きやダンス、そして考え方です。体の動かし方も決してハードなものではありません。ゆっくりと呼吸を意識しながら、地面や空を感じながら体と対話する感じです。前半「ことばのオイリュトミー」では黄道十二星座と聴覚・平衡感覚の対比などを学び、後半「音楽のオイリュトミー」でタテヨコナナメを意識しながら実際にピアノに合わせて体を動かしていると、気持ちがすっきり澄んで来るようでした。大人クラスでは１４名が受講しましたが、他の人の存在や視線が全然気にならずに自分の動きに集中できたことも新鮮な体験でした。

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オイリュトミスト　野口泉からのメッセージ

「現代は、健康に良いと言われる商品が次々と消費されてゆき、 病気・災害の不安を煽ることで経済が成り立っているように思えます。 それらのすべてを否定するつもりはもちろんありません。 しかし、外に救済・解決を求めるのではなく、自分の「内」に何があるのか。 その方法・過程は、各人固有の「経験」という、置き換えることのできない崇高なものの中にあると言えます。 オイリュトミーは、それを探る一つの方法であると思っています。 オイリュトミーを体験することをきっかけとして、 個人がそれぞれの問題を解決する、手がかりとなるようなワークショップであればと思います。」

Audrey Chen /usa

a-y-c.tumblr.com

mixed media/paper, textile, ink

residency on January, February 2016

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オードリー・チェン

アメリカ合衆国

ミクスト・メデイア/紙、テキスタイル、インク

２０１６年１－２月滞在

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Currently, I look to gardens. They attract me as (1) arenas of dominance and domesticity; (2) something accessible only if I slyly shift my gaze over my shoulder and squint. On squinting: I squint pretending to be asleep. I squint as I do to the sun, to a far away object, or to one that retreats into the dark.

I primarily work with paper, textiles, and ink. Despite this, I am not committed to a particular medium or discipline. My approach, rather, is determined by the concept being investigated. Recent works have involved a variety of approaches, including video, installation, sculpture, drawing, and writing. In addition to my individual practice, I am interested in collaborating with other artists and working with children.
During my time at AIRY, I plan to further develop ‘Hill’, a character who is a mask, someone patched together out of memories and unresolved questions. I have been trying to unearth his identity by describing his actions rather than by setting forth some foundational psychology. He is mere paper, a wisp, something I cannot quite get a hold of. And I wonder: What physical form could a myth take?
In brief, my next step is to create a concrete environment for Hill, namely a garden. I intend to collage textural grayscale photocopies to create three-dimensional structures, e.g. trees and hedges. Additionally, I have in mind a performance piece in which Hill interacts with these structures as a kind of gardener. Through this piece I examine in particular pruning as a method of control but also as an act that allows for new growth.

最近わたしは庭園に注目しています。（1）支配と家庭生活の分野でわたしを引き付けます。（2）こっそりと肩と目を細めて、視線を移す場合にのみアクセス可能なもの。わたしは眠っているふりをして視線を細めます。太陽に遠くのオブジェクトに、または暗く後退する方へ目を細めます。

わたしは主に紙、繊維製品、およびインクで制作します。とは言え、わたしは特定の媒体や規律に制約されているわけではありません。わたしのアプローチはむしろ、調査中の概念によって決定されます。最近の作品は、映像・インスタレーション・彫刻、ドローイング・書き込みなど、様々なアプローチを含んでいます。わたしの個人制作に加えて、他のアーティストとのコラボレーションや子供たちといっしょに作業することにも興味を持っています。

AIRYに滞在中は、わたしはヒルという人物を仮定してマスクのキャラクターを開発することを計画し、誰かの記憶や未解決の疑問から一緒に眼帯を制作します。彼の行動を記述することではなく、いくつかの基礎的な心理学を記載することによって、彼の身元を発掘していくつもりです。彼は単なる紙で断片、実際に手に取ることはできないものです。そしてわたしが疑問に思うのは、神話は物理的にどのような形を取ることができるのかということです。
簡単に言うとわたしの次のステップは、ヒル、すなわち庭のための具体的な環境を作成することです。例えば3次元構造を作成するために、木々や刈込をテクスチャグレースケールの複写をコラージュする予定です。さらにヒルは庭師なので、これらの構造と相互作用するパフォーマンス作品を制作します。この作品を通してわたしは、コントロール法としてだけでなく、新たな成長を可能にする行為として特定の剪定方法を探索します。

Hah
nylons, rose thorn, various industrial goods
2015

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【ワークショップのお知らせ】

Art Workshop in English ” A pair of Postcard” by Audrey Chen

「２枚のはがき」～白ペンキ缶に飛び込んだヘビ～

一つのワード（英単語）またはフレーズ（英短文）を元に、参加者と作家が想像をふくらませてそれぞれがはがきにコラージュを制作する。どんなフレーズを引き当てるかはその時の運試し！完成した２枚のはがきは参加者がお持ち帰りいただけます。

日時：２０１６年１月３１日（日）１２：００－１７：００

場所：富雪カフェ＆ギャラリー　http://www.fusetsugallery.net/

対象：子供から大人まで

参加費：５００円

例えばこんなフレーズを引当てたら

「After slipping into a bucket of white paint, the snake~~~」

「白ペンキ缶に飛び込んだヘビ、その後どうなったー？」

参加者と作家が話し合って、それぞれ想像力を働かせて、こんな２枚が完成しました。

いろいろな楽しいフレーズを用意してお待ちしております。

ワークショップは「路地裏の小さなマルシェ」の中で開催です。

いろいろな出店、おいしい飲み物やフードをお楽しみいただけますので、ご家族でお出かけください！

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Audrey Chen solo show

陳オードリー

Fruiting Body（子実体）

＠AIRY

２０１６年２月２０日（土）１１：００－１８：００

AIRY is pleased to present Fruiting Body, a solo exhibition of the American artist Audrey Chen. This show marks the end of a two-month residency, and features new textile and paper-based work.

In the garden fungi grew – orange, brown, or blue?

二ヶ月滞在の最終発表として、オードリー・チェン（USA)と展示を開催します。

この展示では新しいテキスタイルの作品と、紙をベースにした作品を見せます。

庭で育った菌類はーそれはオレンジ色、茶色、青でしょうか？

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Josephine Vejrich

http://www.josephinevejrich.com/

Sweden

drawing, illustration, installation

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ジョセフィーヌ・ヴェジュリッチ

スウェーデン

ドローイング、イラストレーション、インスタレーション

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「雪山」
Josephine Vejrich/ジョセフィーヌ・べジュリッチ（スウェーデン）

http://www.josephinevejrich.com/

場所：AIRY　甲府市丸の内2-37-2　 http://air-y.net/

期間：２０１６年２月１３日（土）１１：００－１８：００

作品：インスタレーション、イラストレーション

【作家コメント】

I am inspired by and grateful for all the experiences I have had and all the people I have met during this past year in Kofu. My current work reflects in particular the transitions in nature that Yamanashi offers: the pink cherry blossoms of spring turning into a summer green, and autumn with its vibrant reds turning into a bright winter.

「甲府で過ごしたこの日々を通して経験したこと、出会った人々のすべてに私は触発され、同時に心から感謝しています。 私の現在の制作は、とりわけ山梨のもたらす自然の移り変わりを反映しています。 春の薄紅色の桜たちは、夏の緑へと移ろい、鮮やかな赤色の秋は、きらめく冬へと様変わりします。」
(transrated by Ayumi Domeki)

１９８６年フィンランド生まれ

スウェーデン・ストックホルム美術工芸大学卒業

京都造形美術大学交換留学生

山口県秋吉台国際芸術村（ http://aiav.jp/）招聘作家
２０１４年１０－１１月AIRYに滞在、その後
２０１５年４月再来日した作家はそれから一年間甲府に住んで日本語学校へ通いながら、イラストレーションとアートの制作に励みました。
AIRというアートプログラムをきっかけに来日した作家が、気に入った場所へリピーターとなって戻ってくる現象―それは地域の人々がつくるコミュニティーの力を示すものに他ありません。滞日中は個展やワークショップを精力的に開催して、多くの人と出会いを続けました。
通称ジョジョが感じた山梨とはーインスタレーション作品と平面作品でギャラリースペースをフルに使って表現します。そして彼女との出会いは私たちに何をもたらしたのか皆様と一緒に考えたいと思います。
離日を控えて、山梨で得た自然の印象や人々との交流をテーマに個展を開催いたします。

【活動歴】

２０１４.１０   Workshop「親子でつくるジン」（絵本）World Art Festival韮崎市ニコリ

２０１４．１１　Workshop「動くカードをつくろう」県民の日祭り甲府市小瀬スポーツセンター

２０１４．１１　個展「BIG MEETING」北杜市シュマン・ド・ボヌール

２０１５．７　　個展「くものかげ」甲府市寺崎コーヒー

２０１５．８　　グループ展「Kojimachi Loves Art Summer Exhibition」麹町ギャラリー

２０１５．８　　Workshop「仮面で遊ぶ」都留市フリンジ・マーケット

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LE KOPPI （ル・コピ）

当日ギャラリーにて、コーヒー出店してくることになりました！

ハンドドリップ or  エアロプレスをお選びいただけます。

この日はバレンタインデーイヴでもあり

「ビスコッティ」と「チョコ菓子」も並ぶ予定

ジョジョのアートと合わせてお楽しみくださいませ♡

painted by Blanca Guerrero/NY

the residency artist on January-February 2015

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Liisa Kruusmägi

Estonia

http.liisakruusmagi.com

paint, illustration

2015 November – December

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リーサ・クルースマギ

エストニア

絵画、イラストレーション

２０１５年１１－１２月滞在

I am freelancer artist living and working in Tallinn, Estonia. I finised my graduate studies 2013 in Fine Art Departement at Estonian Academy of Arts. Now I am mostly working with exhibition projects, illustration and teaching in Estonian Academy of Arts.

Last two years I have been working mostly with personal topics. I have been looking back and forward to my life. I think it is related with fact that I just finished my degree and I am thinking what to do next in my life.

Last exhibition that I took part was Journey in Tallinn at Vaal Gallery. It was a group exhibition with three artist. I had there large-scale installation with title Detour. It consisted different format and material works.

I took topic Journey as a long road that we have to pass in our lives and Detour comes from when you just stop for a while from this long way and look back and forward and think what and why we are going along. Every piece have own small statement, and titles are going to lead viewer in strange maybe even misunderstanding level. If I say it shortly all this installation is one period/condition from my life.

I started to make these large-scale and different materials-format installations two years ago. I get bored making series with same technique and I am always enthusiastic to start with something that I havent done before. So my first that kind of installative work was my thesis project about dreams that I saw. I lived half a year writing up all my dreams and living according to them and made artworks based on that kind of living.

Next installation took part in exhibition America Talks and New York Sketchbook. It was half a year later when I visited New York and I made installation based on short strange notes that I found from public places.

I am really interested in public places and how people behave there. It all became in 2011 when I started to collect overheard stories from public places, mostly in buses and trams in Tallinn. I really liked how these small random sentences are showing the time and enviornment where we are living. I did this project in Tallinn and when I moved to study in Rhode Island School of design then I continued it. Also it was very nice to compare these both societies.

My works are very commonly looking into absurdity that we have in our society. As I mentioned before I really like to scan people behaviours in public places. Like example beach. Its a place where all come, rich and poor fat and skinny. They took off their clothes showing their body and doing staff that they are usually doing. It is one purest way that people do in one place so close to each other. Usually people have or want to have their own space above them, they close doors in apartements and show only this kind of part of themselves that is safe. So I am interested to look behind that, look how we really are and how we act in situations that we are not used to.

In this residency I would like to start with my personal exhibition project that is at the moment in thinking process. Topics that I am interested is Fear, Disgust and Lost. All of them are related with people and city and partly also with myself.

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私はエストニアのタリンで活動するフリーランスのアーティストで、2013年にエストニア芸術大学の美術部門修士課程を終えました。今は主に展覧会のプロジェクトで働きいたりエストニア芸術大学でイラストと教育の仕事をしています。

私はこの二年間は人生のトピックを主に取り組んできました。人生において過去に戻ったり前を見たりすることは、ちょうど今私は学位獲得を終えて人生の中で次に何をすべきか考えていることと関係していると思います。

私が参加した最後の展覧会はタリンのヴァールギャラリーで旅についてのものでした。それは3人のアーティストとのグループ展で、私はそこに「迂回」というタイトルの大規模なインストールを設置しました。それぞれ違う方法と素材の作品でした。

私は通り過ぎねばならない長い人生の道のりとして旅というトピックを選びました。「迂回」という考えは、長い人生の途中でちょっと休んだり過去や未来を見据えてなぜ私たちは生きていくのかを考えるという意味です。すべての作品はそれぞれが小さな主張を持ち、タイトルは奇妙で誤解されやすく鑑賞者をリードしようとするかのようでもありますが、このインスタレーションは私の人生におけるポイントなのです。

私は2年前にこのような異なる材料形式の大きな規模のインスタレーション制作を始めました。同じ技術様式が続くと退屈になり、これまでやったことのない何かを始める用になりました。だから私の初めてのインスタレーションは、実際に見た夢についてのプロジェクトで、半年間は私の夢をすべて書き挙げて、それらに従って生活し、生活に基づいて制作しました。

次のインスタレーションはアメリカ談義とニューヨークでのスケッチを取り上げました。それはニューヨークを訪問した半年後で、公共の場所で見つけた短くて奇妙なノートが基になっています。

私は公共の場で人々がどのように振舞うかに強い興味があります。すべては２０１１年に主にタリンのバスや路面電車など公共の場所から物語を収集するために始まった事で、今私たちが生きている場所の時間と環境を表示する小さくて無作為な物語が大好きでした。私はタリンでこのプロジェクトを行ない、ロードアイランドデザイン学校で勉強するために引越した後も継続しました。それは両方の社会を比較するためにもとてもよい方法でした。

公共の場での行動の人々を観察したいと前に述べたように、私の作品は社会の中にある不条理を探すものです。ビーチの作品で言えば、そこへは金持ちも貧乏人も太った人も痩せた人も集まります。彼らは服を脱いで裸を見せ、普段しているように振舞う。お互いに非常に近い距離で行う純粋なやり方。普段人々はそれぞれの居場所を所有しあるいは所有したいと望み、アパートのドアを閉めて安全な部分だけを公開する。だから私はその背後に興味を持ち、安全な場所以外で私たちがどのように行動するのかを見たいと思います。

レジデンス期間中、思考プロセスの瞬間による私の個人的なプロジェクトを開始したいと思います。私が興味を持っているトピックは恐怖、嫌悪、喪失であり、それらすべては都人々と都市、部分的には自分自身に関連しています。

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[We Are Homesick for Most of the Places We Have Never Known]

Liisa Kruusmagi/Estonia   2015,12,26 saturday

11:00-18:00  exhibition

17:00-performance

【作家】
リーサ・クルースマギ (エストニア) Liisa Kruusmägi
絵画、イラストレーション /２０１５年１１－１２月滞在
作家ウェブサイト　http://liisakruusmagi.com/
AIRYウェブサイト www.air-y.net

【タイトル】
[We Are Homesick for Most of the Places We Have Never Known]
★★★　１７：００－朗読音響パフォーマンス　★★★
[performance made with JHP]

予約不要　無料

【内容】
山梨に滞在した二ヶ月間の作品をインスタレーション形式で発表します。今年９月のバンクーバーでの個展「The Other」、１０月のシカゴでのグループ展「Maailm Poleb」から継続する展覧会です。作品は日本社会についての私自身の考えや、私の表現がどのようにこの世界で生き残るのかについての考察が基になっています。

Installation of works that I did during my residency in Japan. It is continuation of the solo show “The Other” (Vancouver, September 2015) and group exhibition “Maailm Põleb” (Chicago, October 2015). Exhibited works represent my interpretation of Japan society and teach you how to survive in this world.

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Calendar 2016 /A5

￥1000　now on sale

zine[日本] / A6

￥500  now on sale

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-Eliza Goldox residency has been postponed-

Eliza Goldox/german

www.goldoxstudio.com

Conceptual Art, Installation, Performance, Video, Sound, Sculpture, New Media, Collaboration

February 2016

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エリザ・ゴールドクス/ドイツ

コンセプチュアル、インスタレーション、パフォーマンス、ビデオ、音響、彫刻、ニューメディア、コラボレーション

２０１６年２月滞在

My work is focusing on “presence” in several contexts, while questioning our and other beings existence within human made worlds, norms and systems. Mirroring perspectives of contemporary identities is the work expressed as inter-medial outcomes, using aspects of performance, installation, video and new media tools.

Interventions and situations in different natural and public spaces of various cultural contexts is one of my main intention, as tool for action, interaction, research and wonder.

I am the founder and creative director of ZONA DYNAMIC project initiative based in Berlin. The Project is dealing with experiments in the public space and investigating new ways of collaborations.

私の制作は、いくつかの文脈で「存在」というものに注目しています。人間の作った世界、規範やシステムの中での、わたしたち人間の存在を疑問視します。また現代のアイデンティティの視点を鏡に映し出し、パフォーマンス、インスタレーション、ビデオ、新しいメディアツールの側面を使用して相方向型の作品として表現します。
様々な文化的背景の異なる自然や公共スペースへの介入行為は、アクション、相互作用、研究と疑問のためのツールとして、私の主な目的の一つです。
私はベルリンを拠点にする「ZONA DYNAMIC プロジェクト構想」の創設者でクリエイティブディレクターでもあります。ここでのプロジェクトは公共空間での実験を通してコラボレーションの新しい方法性を検討しています。

IST, Interactive Sound Tree, 2015, Berlin

Lilian Chaubet

France

Architecture, Art installation, Design

www.lilianchaubet.blogspot.jp

residency artist December 2015

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リリアン・ショウベ

フランス

建築、インスタレーション、デザイン

２０１５年１２月滞在

Exploration of the architecture in Japan. I am working in architecture and art crossovers.

I work for two years in French agencies and I would like to create my own agency eventually.

So I came back to myself and would try to become inspired again by seeing other projects.

I like suspension made up of several elements, are presented in the form of a artistic installation, while they are also pieces of architecture.

In my work as a researcher on artistic installations, I would like to spend some time on research and drawing, in order to improve the way my own projects are developed, making them more effective in my career progress.

Finally, during that reflection and work, I which to find the time to complete and finish my own website “cap ou cap”.

わたしは日本で建築に関する探求をします。建築とアートをクロスオーバーさせて制作します。

二年間フランスの建築事務所で働きましたが、いずれは自分で会社を興こそうと考えています。

それで自分自身を振り返り、他のプロジェクトに触れることでもっと刺激を受けようと努めています。

私はいくつかの要素で構成されたサスペンションが好きですが、それらは芸術的インスタレーションのかたちで提示され、同時に建築作品でもあります。

芸術的インスタレーション研究者としての作品では、自身のプロジェクトの方法をもっと開発してキャリアを形成するためにために、調査やドローイングにより多くの時間をかけます。

最終的にそれらの反映や制作の間に、自身のウェブサイト「cap ou cap」を仕上げて完成させる時間を確保したいです。

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プレゼンテーション

[Phénoménologie du Pachinko]

-パチンコの現象学-

リリアン・ショウベ

１２月１５日（火）１８：００－２１：００　＠AIRY

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「パチンコの現象学」
Phénoménologie du Pachinko
建築・インテリア・音響・人間からみるパチンコとは？

日時：２０１５年１２月１５日（水）１８：００−２０：００
場所：AIRY
作家：Lilian Chaubet/リリアン・シャウベ（フランス）
建築家、アーティスト
作家ウェブ：www.lilianchaubet.blogspot.jp
予約なし　無料
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作家LilianChaubetは二年間フランスで建築事務所に勤めた後、来日してアートと建築をクロスオーバーさせたリサーチをしています。
これまでの自身の経験を振り返りながら日本の建築やアートを見ることで大きな刺激を受け、いずれは母国で自分の会社を興そうと考えています。
そのためにプロジェクトの方法をもっと開発してキャリアを形成する必要があり、日本では現地調査やドローイングに多くの時間を費やしてきました。
今回は日本のパチンコ店に焦点を当て、共同リサーチャーDorianCave*と共に仙台と東京で２週間を渡り調査に行いました。建築・インテリア・音響・人間ーそこで出会うさまざまな施設や個人の社会的側面を探求するのが目的です。作家は主に建築前面のデザインやインテリア、プレイ中の人々をスケッチして対象に迫りました。DorianCaveは主に店内のサウンドと文章の執筆によって対象を分析します。
「パチンコの現象学」は一般的な外国人観察者の好奇心が、日本独自の社会現象をユニークな視点で調査と表現を行ったものです。