Adeleine Daysor

www.adeleinedaysor.com

singapore

painting, mixed media, found/poetic object, installation

June- July 2015

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アデレイン・デイソル

シンガポール

絵画、ミクストメディア、拾い物/詩的なオブジェ、インスタレーション

２０１５年６－７月滞在

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I adore the chance encounter and surprise of the found, unfamiliar and strange. I am fascinated with things that are seemingly out of place yet integrated into a larger environment, akin to candy-frosted rocks bordering a sidewalk. Basking in the resonance of the everyday, I appreciate the brevity, humour, and nostalgia in thingly representations.

Through paint and assorted materials, I toy with the subjectivity of the traditional and the absurd, the preconceived and the ridiculous, also the understood and the ambiguous.

I create occurrences that mirror diverse structures and quirks to which the self, cultures, and histories operate and also transcend.

私は馴染みのないものや奇妙なものとの偶然の出会いを大切に考えています。まだ大規模な環境に統合しない場違いなものや、まちの歩道の境界に置くキャンディー、つや消し岩などに魅了されています。日常的なもので、簡潔でユーモアがあり、そして懐かしさがあるものを高く評価しています。

塗料や各種材料、伝統的で不合理なもの、先入観ととんでもない主観、私のおもちゃ、曖昧なもの

私は多様な構造と自己、文化、そして歴史を関連させて作品を作ります。

 

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６月２８日（日）１２：００－１７：００

路地裏の小さなマルシェ＠富雪カフェ＆ギャラリーに出店

https://www.facebook.com/events/1460958984198332/

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Adeleine Daysor solo show

＠甲府市内４カフェ同時展示
７月２２（水）～２９（水）
市内４カフェを全部巡ると山梨の山を描いた全１５点の作品に出会えます
休み・開店時間はそれぞれの営業時間をご参考ください。
●AKITO COFFEE ：https://www.facebook.com/pages/AKITO-Coffee/578874682181818
●富雪カフェ＆ギャラリー：https://www.facebook.com/fusetsugallery?fref=ts
●へちま：https://www.facebook.com/hechima400?fref=ts
●Terasaki Coffee：https://www.facebook.com/terasakicoffee?fref=ts

「mountain mountain mountain」 solo show

A majestic view into the distance; a romantic image rendered in the imagination; delicious fruit farms; adventurous and enduring hikes soothed by cool crisp air; and an elevated state of being: in awe and at one with divine nature.

Yama or Mountains are a phenomenon highly revered by human beings. Mountains as part of art and culture assume symbols of human aspirations, aptitudes, and achievements. In the day-to-day, mountains are populated fertile landscapes that support human activity and provide essential sustenance to the locals.

yamayamayama is a solo exhibition of paintings created by Singaporean artist Adeleine Daysor, as part of a two months programme at AIRY (Artist in Residency Yamanashi), Japan. During her time in Kofu City, Adeleine spent time immersed in the “City of Mountains” observing and responding to relationships between the man-made and natural.

Adeleine’s art practice is invested in the myth of the everyday. Working with paints, objects, and installations, she attempts to encapsulate and highlight the essence, significances, and euphoria in daily routines and chance encounters.

yamayamayama is on show from from 22-29^th July 2015 and is installed simultaneously across four café-galleries in Kofu-City: Akito Coffee, Fusetsu Café & Gallery, Hechima, and Terasaki Coffee. This project has been made possible through interactions with the local community, Artist in Residence Yamanashi (AIRY) and the Singapore International Foundation.

「やまやまやま」 個展

360度の壮大なる景色、想像力かき立てられるロマンティックなイメージ、甘い香り漂う果樹園、忍耐を要するが冒険のようなハイキングでは、冷たく乾いた風に心が満たされ、自然への畏怖と畏敬の念を抱いた。

山、−mountain とは見上げられ、崇められる存在である。芸術や文化の一部分であり、人間の願望、才能そして達成のシンボルともされている。山は、地元の人々の日々の暮らしに何か本質的なものや活力を与える、素晴らしい風景の一部である。

今回の「やまやまやま」は、シンガポール出身のアーティスト、アデレイン・デイソアが日本は山梨のAIRYに二ヶ月滞在した期間に制作されたものである。甲府で過ごす間に彼女は、“City of Mountains”「山に囲まれた町」として人と自然との関係がどう呼応し合っているのか観察し続けた。

アデレインのアートは、毎日の暮らしがいかに神秘的であるか発見させてくれる。絵画、オブジェ、そしてインスタレーションの制作を通して、彼女は、日常ごく当たり前の生活やそれを取り巻く出来事の本質、素晴らしさ、そして幸福感を凝縮し、光をあてる試みをしてきた。

「やまやまやま」の展示は、2015年7月22日から29日まで甲府のAKITO COFFEE、富雪ギャラリー、へちま、寺崎コーヒーの四カ所で同時に行われる。このプロジェクトで、甲府の人々とAIRY、そしてシンガポール・インターナショナル・ファンデーションの相互的な可能性を見いだす事ができた。

@Hechima

@Terasaki Cofffee

@富雪カフェ＆ギャラリー

@AKITO COFFEE

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two artists show @AIRY

Adeleine Daysor & Kjersti Sleteland

二人の合同展示として「軽やかに重やかに」＠AIRY
７月２５（土)２６（日）１１：００～１８：００
＊アーティスト・トーク＆パーティー＊
７月２５（土）１７：００～１９：００無料・予約必要なし・通訳アリ
アデレインは甲府で出会った「拾い物/詩的なオブジェ」を油彩で描き絵画インスタレーションを
シャースティは人型彫塑（等身大/コンクリート)を甲府市内某公園に一時設置し、自ら作品の一部になるという実験
を試みました。

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動機も素材も異なる二作家による
出会い、生活、目の付け所、表現
真剣だけどどこかユニークな作品たち
そんな展示をお楽しみいただければ幸いです。

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「Brevity and Gravity」 open studio with Kjersti

Two artists, Adeleine Daysor (Singapore) and Kjersti Sletteland (Norway/UK) unite in Brevity and Gravity to showcase artwork produced during their time at AIRY (Artist in Residency Yamanashi), Kofu City, Japan. The exhibition reflects contrasting creative processes and methods while highlighting complimentary visual forms and atmospheres.

Adeleine who works mainly with paints, objects, and their installations, delivers a site-responsive, succinct arrangement of paintings and prints that evokes a sense of idiosyncrasy, lightness and impermanence. Adeleine’s art practice is invested in the Everyday, adopting and mirroring diverse structures and quirks to which the selves, cultures, and histories operate and also transcend.

Kjersti is a sculptor who primarily works with traditional building materials interchanged with craft materials. Kjersti’s approach to her project in residency was labour-intensive and absorbed in the substance of concrete, producing a human size body-wall. Kjersti is interested in how humans react to our surroundings and her concerns are space and architecture, with their sculptural and textural impact. In this piece she deals with the relationship between body, sculpture, architecture and our surroundings.

While the characteristics in Adeleine’s and Kjersti’s creative approaches are distinct, both sets of work embody and embraced the inevitable force of place and time: Kofu City. In the make over two months, Adeleine’s oil paintings of found sculptures from the city are contemplative, simple and paired down. Kjersti’s massive body-shell, in contrast, grew quickly over a week and found a place in an urban park. The month-long project lives out its life installed in the gallery as an evolved form together with photographs.

Both artists present artwork inspired and influenced by Kofu’s overwhelming man-made and natural landscape, yet, one cannot also help but ponder on the hints of deep-seated humour that exists in the work.

「軽やかに重やかに」 シャースティとの合同展示

シンガポール出身のアデレイン・デイソルとノルウェイ出身、イギリス在住のシャースティ・スレトゥランド、日本は山梨県甲府市のAIRY滞在中に合同展示「Brevity + Gravity−軽やかに重やかに−」を開く。展示会では制作の過程と、目に見える物の形やその空気感にスポットを当てる彼女達の姿が見えてくるだろう。

アデレインは主にペイント、オブジェ、そしてそれらを使ったインスタレーションに取り組み、その場所にとけ込む、さりげないペイントや、はかなさ、軽やかさの特異性を引き出すような版画を表現する。彼女は日常の様々な構造物や偶然に出会うもの、文化や歴史、さらに超越したものの中にアートの実践を試みている。

シャースティは、伝統的な建物の原料をクラフト用に適合させた材料を使う彫刻家である。彼女のAIR滞在中での取り組みは、労力を要するものだが、コンクリートを取り入れた、等身大の人間サイズの彫刻を作り出すことである。人が周りの物にどう反応するのか興味を持ち、空間と建築の彫刻的、組織構造的な点に関心を抱いている。今回の作品で彼女は、人間の身体、彫刻、建築、そして日常の中にある物、との関係性を扱った。

アデレインとシャースティ、この二人の制作、取り組み方は全く異なるものではあるが、彼女達の作品は甲府市での時間と場所が強く反映され、含まれ、それが具体化されていることが共通している。二ヶ月の制作過程で、アデレインが、町の中で見つけた彫刻を描いた油絵は、静かで、簡素で、余計なものは削ぎ落とされている。一方、シャースティの大きな殻のような作品は対照的に、一週間という短期間に急成長し、都市の公園内に置かれた。彼女の一ヶ月の間のこのプロジェクトは、ギャラリー内で産声をあげ、今回は写真と同時に展示されることとなった。

二人のアーティストの今回の作品は、素晴らしい甲府での、人と自然とが作り上げた風景に刺激と影響を受けた。また、作品の中の奥深くに存在する人間性について沈思黙考する人も、いるのかもしれない。

Kjersti Sletteland

born in Norway lives & works in Edinburgh

www.kjerstisletteland.com

sculpture, installation, printmaking

July 2015 residency

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シャースティ・スレトゥランド

ノルウェイ生まれエディンバラ在住

彫刻・インスタレーション・版画

２０１５年７月滞在

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The rooms around us frame our bodies and divide our lives in sections. Wallpaper, brick, plasterboard, covings, sockets and mouldings are the backdrop to our lives, constantly present, almost always peripheral and outside of our focus. As a second skin, rooms exist around us; envelop us and keep us away from the chaos of outside life. We know the rooms as intimately as we know our own shoulder; like an extension to ourselves we manoeuvre around them without thinking.

Rooms have a great influence on my work as they play a fundamental role in being a physical being. We measure spatiality as we enter a room and it has a strong effect on our mental state. Yet, rather than creating space I create objects in space, which in turn become part of the architecture and interior.

We experience the world with our bodies, our sense organs and our skin. This link between the outside and inside is something I explore. Wires and pipes protrude through surfaces, tiles create a skin on the wall, bark of a tree gets elevated. My works are sometimes found or altered objects, and sometimes constructed ones, using a range of materials such as Jesmonite, ceramics, porcelain, wood and fiberglass.

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私たちの周りの空間はフレームのセクションで私たちの生活を分割します。壁紙、レンガ、石膏ボード、ソケットなどの成形品は、ほとんどの場合私たちの生活の背景に常に存在しています。それはまるで第二の皮膚のようです。そして外側の生活の混乱から私たちを遠ざけます。我々はとても密接に空間について知っています。自分自身を拡張するように私たちは自分の周りを操縦するのです。

空間は物理的な幸福を内在することで基本的な役割を果たしています。空間は私の仕事に大きな影響を与えます。私たちはある空間に入ることで、精神状態に強い影響を受けて空間性を測定します。しかし、むしろスペースを作成するよりも私は建築やインテリアの一部となる空間内の物体を作成します。

私たちは体や感覚器官や肌によって世界を体験します。外側と内側の間の言わばつながりを私は探検します。配線や配管が表面から突出し、タイルが壁に皮膚を作成し、木​​の樹皮が生育します。私の作品は陶器、磁器、木材、ガラス繊維などの材料を使用して物体を構築しています。

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Adeleine Daysor & Kjersti Sleteland

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二人の同時展として「軽やかに重やかに」＠AIRY
７月２５（土)２６（日）１１：００～１８：００
＊アーティスト・トーク＆パーティー＊
７月２５（土）１７：００～１９：００無料・予約必要なし・通訳アリ
アデレインは甲府で出会った「拾い物/詩的なオブジェ」を油彩で描き絵画インスタレーションを
シャースティは人型彫塑（等身大/コンクリート)を甲府市内某公園に一時設置し、自ら作品の一部になるという実験
を試みました。

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動機も素材も異なる二作家による
出会い、生活、目の付け所、表現
真剣だけどどこかユニークな作品たち
そんな展示をお楽しみいただければ幸いです。

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「Brevity and Gravity」 openstudio with Adeleine Daysor

Two artists, Adeleine Daysor (Singapore) and Kjersti Sletteland (Norway/UK) unite in Brevity and Gravity to showcase artwork produced during their time at AIRY (Artist in Residency Yamanashi), Kofu City, Japan. The exhibition reflects contrasting creative processes and methods while highlighting complimentary visual forms and atmospheres.

Adeleine who works mainly with paints, objects, and their installations, delivers a site-responsive, succinct arrangement of paintings and prints that evokes a sense of idiosyncrasy, lightness and impermanence. Adeleine’s art practice is invested in the Everyday, adopting and mirroring diverse structures and quirks to which the selves, cultures, and histories operate and also transcend.

Kjersti is a sculptor who primarily works with traditional building materials interchanged with craft materials. Kjersti’s approach to her project in residency was labour-intensive and absorbed in the substance of concrete, producing a human size body-wall. Kjersti is interested in how humans react to our surroundings and her concerns are space and architecture, with their sculptural and textural impact. In this piece she deals with the relationship between body, sculpture, architecture and our surroundings.

While the characteristics in Adeleine’s and Kjersti’s creative approaches are distinct, both sets of work embody and embraced the inevitable force of place and time: Kofu City. In the make over two months, Adeleine’s oil paintings of found sculptures from the city are contemplative, simple and paired down. Kjersti’s massive body-shell, in contrast, grew quickly over a week and found a place in an urban park. The month-long project lives out its life installed in the gallery as an evolved form together with photographs.

Both artists present artwork inspired and influenced by Kofu’s overwhelming man-made and natural landscape, yet, one cannot also help but ponder on the hints of deep-seated humour that exists in the work.

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「軽やかに重やかに」 アデレインとの合同展示

シンガポール出身のアデレイン・デイソルとノルウェイ出身、イギリス在住のシャースティ・スレトゥランド、日本は山梨県甲府市のAIRY滞在中に合同展示「Brevity + Gravity−軽やかに重やかに−」を開く。展示会では制作の過程と、目に見える物の形やその空気感にスポットを当てる彼女達の姿が見えてくるだろう。

アデレインは主にペイント、オブジェ、そしてそれらを使ったインスタレーションに取り組み、その場所にとけ込む、さりげないペイントや、はかなさ、軽やかさの特異性を引き出すような版画を表現する。彼女は日常の様々な構造物や偶然に出会うもの、文化や歴史、さらに超越したものの中にアートの実践を試みている。

シャースティは、伝統的な建物の原料をクラフト用に適合させた材料を使う彫刻家である。彼女のAIR滞在中での取り組みは、労力を要するものだが、コンクリートを取り入れた、等身大の人間サイズの彫刻を作り出すことである。人が周りの物にどう反応するのか興味を持ち、空間と建築の彫刻的、組織構造的な点に関心を抱いている。今回の作品で彼女は、人間の身体、彫刻、建築、そして日常の中にある物、との関係性を扱った。

アデレインとシャースティ、この二人の制作、取り組み方は全く異なるものではあるが、彼女達の作品は甲府市での時間と場所が強く反映され、含まれ、それが具体化されていることが共通している。二ヶ月の制作過程で、アデレインが、町の中で見つけた彫刻を描いた油絵は、静かで、簡素で、余計なものは削ぎ落とされている。一方、シャースティの大きな殻のような作品は対照的に、一週間という短期間に急成長し、都市の公園内に置かれた。彼女の一ヶ月の間のこのプロジェクトは、ギャラリー内で産声をあげ、今回は写真と同時に展示されることとなった。

二人のアーティストの今回の作品は、素晴らしい甲府での、人と自然とが作り上げた風景に刺激と影響を受けた。また、作品の中の奥深くに存在する人間性について沈思黙考する人も、いるのかもしれない。

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additional statement to 「Brevity and Gravity」

The Wanderer (2015)

Kjersti Sletteland

不思議なひと

シャースティ　スレトゥランド

For some years my works have dealt with the subject’s relationship with and reactions to its surroundings. The rooms surrounding us have big impact on the way we feel and behave and as a visual artist and sculptor this is of constant interest to me. Rooms, whether they are rooms of a building or the outdoors, influence the way we feel about others and ourselves.

ここ数年、私は、作品自体の持つ意味合い、それを取り巻く周囲の物や環境との関わり合いを見てきた。例えば私達が居る部屋という空間は、私たちの感じ方や振る舞いに大きな影響をもたらす。作家として、彫刻家としてそれは常に興味の対象だった。部屋という空間とは、それが建物の中であっても外であっても、他の人達、もしくは自分達自身に対する感じ方に何かしらの影響を与えているのである。

The piece I have made for Kofu is a full body size concrete sculpture, for me to go inside and put my hands and face through its openings. The three extremities of the body that we use the most for sensing our surroundings stick straight out into the world, whilst the rest of the body is hidden within the form. Rather than the traditional way of looking at a sculpture, the participant becomes part of it and looks out from it. I was interested in letting the person become a sculpture. The shape of the sculpture is a functional one so only determined by what the body looks like with the arms held out. It is still hard to escape the fact that it has something cute and humorous about it, seen from the front

甲府で作成した作品は、等身大のコンクリートの彫刻で、私はその中に入って腕を入れ、顔を窓部分から出してみる。身体の部分で、外界を最も感じやすい三カ所を外の世界に向かって突き出すことで、身体の残りの部分は彫刻の中に隠れたままになる。古典的な彫刻の見方ではなく、見る人が彫刻の一部分になるのである。私は人が彫刻になることがとても興味深いと思った。彫刻の型は基本的には決まっているが、外に突き出した両腕が、彫刻がどう見えるのかを決定するのである。それを正面から見た時の、可愛らしさや可笑しさは、紛れもない事実なのだが。

An inspiration has been the fantastic scenery of Kofu, both the highly immersive forests and the atmospheric narrow streets, with lots of different houses, gardens, small shops, plants, electricity posts and wildlife surrounding it. Both the natural and the urban scenery have a tremendous effect on me. My wish for this piece was to create an architectural container for the body and place it amongst all this, to take in the view differently, fixed behind sculptural walls. The photo shows the piece in a park in central Kofu, which I feel has both the serenity of nature and the buzz of this urban city. The sculpture was not built to last forever so the broken remains can be seen outside downstairs.

甲府の素晴らしい景色が私にインスピレーションを与えてくれた。高く聳える山々や森、雰囲気のある細い道、それぞれ異なる家々や庭、小さな商店、植木、外灯や電信柱、そして自然の生き物たち。自然の景色や町の風景、その両方が私にはとても効果的に映った。私が作品に望むことは、建築物としての本体を作ることと、それを別の場所に置くことで見えてくる、彫刻としての固定観念を、違った見方にすることである。

写真は、自然の静けさと都市の雑多とが感じられる市内の公園内に作品が設置された様子である。この彫刻は永久に存在する為に作られたものではないので、外階段の辺りに壊された彫刻が残ったままとなっている。

The title is borrowed from German artist Caspar David Friedrich’s painting The Wanderer Above the Sea and Fog, a classical European romantic painting where a man seen from behind is glancing over a vast and dramatic scenery. A classical scene of the small human in a large, powerful world. Since the shape also reminds me of a zombie with its arms held out I thought it a suiting title.

このタイトルはドイツの作家Caspar David Friedrichの古典ヨーロッパのロマン派の絵、男が広大でドラマチックな風景を見つめている“The Wanderer Above the Sea and Fog” から拝借した。広く力強い世界に生きる人間の様子が描かれている。そして、腕を突き出した姿がゾンビを連想させ、これもタイトルにぴったりではないかと思っている。

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Wanderer above the Sea of Fog/「雲海の上の旅人」

カスパー・ダーヴィト・フリードリヒ/ 1818

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Ana Laura Sofia Fanelli

http://analaurasofia.tumblr.com/

www.anafanelli.com

argentine

photograph, video

June 2015

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アナ・ファネリ

アルゼンチン

写真、ビデオ

２０１５年６月滞在

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[statement]

I would say that I am both a photographer and a video artist. On the one hand, I am a fashion photographer. This makes me follow macro and micro trends while following the specific and precise requirements from my clients. This is a preset way of photographing.

On the other hand, as a video and visual artist I follow the exact opposite pattern. I crossover all aesthetic lines without a preconception on what the final product should be.

This makes my work a syncretism of the different aesthetics I have adhered to in the past plus what the environment offers me in terms of images.The environment in which I work has a critical impact on my work.

I have had the chance to visit different countries and regions. And what is more important, I have been exposed to different cultures, with all their different landscapes and meanings.

However, they all have something in common; their uniqueness changes my work in all different ways.A photographic image is a privileged means to encapsulate and convey what a different place makes me feel. An image might express a gesture, a detail, a color which any other artistic form fails in transmitting.

My current artistic work is based on photographing people, places and details of everyday life. My aim is to establish a dialogue between what I photograph and my perception of it. Being exposed to a different culture gives me the chance to offer a view that is not contaminated by the everydayness and cultural rules that inhabitants are not aware of.

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私は写真家・映像作家の両方であり、一方で私はファッション写真家である。これが続いている間、私はマクロとミクロのトレンドに従うようになる。クライアントからの具体的かつ正確な要件は予め設定されている。

一方でビデオ、ビジュアルアーティストとして私は正反対の方法をとる。どのような最終作品になるか先入観なしにすべての美的ラインをクロスオーバーしなければならない。これが私の仕事であり、私に付着した別の美学のシンクレティズムを作る。過去にどのような環境がイメージの面で私を提供しているか、環境が私の仕事に重大な影響を与えている。

私は別の国と地域を訪問する機会があった。もっと重要なことはすべてのそれらの異なる風景や意味を持つ文化に私は晒されている。しかしそれらは共通の何かを持ち、その独自性はすべての異なった方法で私の仕事に影響する。写真画像は異なるものをカプセル化して伝えるための特権的手段である。画像はジェスチャー・詳細・他の色を表現することがあり、芸術形式は送信に失敗する。

私の現在の芸術作品は、人・場所・日常生活の詳細を撮影に基づいている。目的は私が撮影し、自分自身と認識との間の対話を確立すること。異文化に晒されることは新たな視点を得る機会を与えてくれる。視点とは住民が自分でも気づかない日々の文化的ルールによって形成されている。

Two movements in two spaces, what I make, what they thereby make, what it is made.

These different characters are solved and unbalanced in their own interior space.

This space is compressing and relaxing.

二つのスペースで二つの動き、わたしは何を作るか、彼らは何を作るか、何が作られるか

これらの異なる性格はその内部で解決されバランスを失う

このスペースは圧縮されてリラックスする

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Movement I

I open the door,  I go ahead I am in; I am defining myself.

The thoughts that are linked by words; the choice to follow; and lack of sleep.

I look for my self, I guess, I reflect.

I am ashamed and stop recognizing myself in that image to become another I cannot see clearly.

I am what others see in me, what i believe I am and I reflect.

わたしはドアを開ける、前へすすむ、自分を定義する

ことばで定義される思考、従うという選択、そして寝不足

わたしは自分を見つめる、推測する、反射する

はっきりとは見えない別物になるイメージをわたしは恥ずかしくて認識停止する

他人が見るわたし、私が信じる自分、そして反射

（モデルは作家本人）

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甲府滞在中に作家の写真モデルになってくださる方を募集中です！

撮影場所はAIRYにて、または場所によっては訪問可能

お気軽にお問い合わせください！

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Ana Fanelli open studio @AIRY

[Empty]

アナ・ファネリ/Ana Fanelli

２０１５年６月２７日（土）11:00-18:00 オープンスタジオ

６月２８日（日）18:00-21:00 トーク＆クッキングパーティー （参加費実費）

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Empty：My work is organized into different projects; but all wants to reflect those situations in which we face the feeling of lacking and the beauty of emptiness.

Ephemeral

Facing the lacking: in front of the white sheet, in front of empty spaces or in the wide open where there is nothing or no one. Everything is present time. The feeling of being in a static time, frozen. In front of the feelings that objects convey, people or activities that disappear with the passing of time: places that are not used anymore, empty or forgotten lots replaced by others. In those places we recognize their past function, where their life passed by a life that is no longer possible. Spaces that keep old signs of a past in which they had a motive to live. A time that we project from the present to the past and in which we can feel a future a new beginning.

Lights for no one

I use light as a witness in the process of replacement. A light that illuminates in a present time but that also reveals the feeling of uselessness, of progressive disappearance of the function of space and objects.

Mutant Spaces

A painting of post cards with stamps and empty address in which any person could get one for writing and send to anyone. And a second not painting postcards with stamp and the address of such postcards will be my studio’s address in Buenos Aires. Finally the reception and placing of postcards in their exhibition in Buenos Aires. The lack of some of the postcards will symbolize the passing of time and will make the reading to mentally replace those lost spaces in the same way in which we replace with our memory the objects, persons and functions of the disuse spaces.

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Empty: オープンスタジオは３つのプロジェクトで編成されています。何かが欠けている感覚と、空虚の美しさに直面している状況を反映したいと考えています。

儚さ（はかなさ）

不足している状況に直面する：白いシートの前にで、空のスペースの前で、または何も誰もいない広いスペースで。すべて現在の写真です。静的な時間にいるような感覚は凍結します。物体は人や活動時間の経過とともに消え去ります。もう使用されずまたは忘れ去られたような場所、これらは人々の人生が通過した過去のすべてを表しています。人々が生きるために必要だった過去の情熱を伝えるスペース、これらから将来への新たな始まりを感じることができます。

誰のための明かり

私は空虚感を表す証として光を用います。それは空間と物体の機能の進行性消失の空虚感を明らかに照らし出します。

ミュータントスペース

来場者は絵の描かれた切手付きはがきを手に入れることができます。それは住所欄が空白なので誰かに送信することができます。一方でブエノスアイレスの私の住所が書かれて絵のないはがきもあるので、それはわたしに郵送してくださ。最終的にそれらはブエノスアイレスでの展覧会に展示されます。

会場ではがきのいくつかの欠如は時間の経過を象徴します。そしてこれらの失われた場所の思い出や人々や機能を新たな方法で交換しようとするのです。

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Kofu feels like home

When I have to think how I feel in Kofu, I think in home, and it is very strange; because home is exactly 18.370 kilometers and I do not speak Japanese. But still I feel home, the city is very comfortable to walk to go by bike, the mountains make me happy and more when I see the Fuji. The colors that have the building in Yamanashi are so beautiful, I find beauty in every little detail. But what makes me feel home is the people, the supermarket cashier that help me to finds the correct coins, the old ladies that says hello in the street the funny kids in the swimming pool and the beautiful people that give me the chance to take a picture. I would like to say Thanks you Yamanashi people to make this a lovely month in my life.

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「なつかしい甲府」

甲府をどう感じるかと考えるとき、不思議なのですが故郷のようです

実際私の故郷は１８，３７０ｋｍ離れているし、日本語も話せませんがでもなつかしさ感じるのです

このまちを歩いたり自転車に乗ったり、山々に囲まれて特に富士山がみえるときは最高です

山梨の建物の色が好きですべての小さなものに美しさを見出します

しかしやはり人々と触れ合うことが一番でしょう

例えばスーパーマーケットのレジで財布の小銭さがしを手伝ってくれたりします

おばあちゃんが道で、あるいはスイミングプールでおちゃめなこどもが挨拶してくれたりします

そして人々がスタジオに来てわたしの写真のモデルになってくれています

このような毎日がまるでここを故郷のように感じさせるのです

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６月２８日（日）１２：００－１７：００

路地裏の小さなマルシェ＠富雪カフェ＆ギャラリーに出店

以下イベントページでご確認ください

https://www.facebook.com/events/1460958984198332/

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AIRY１０周年を記念して県内４ヶ所で

ドキュメンタリー映画「residence」を上映いたします。

以下の公式サイトで上映日程と場所をご確認ください。

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公式サイト

http://residence-movie.weebly.com/

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ドキュメンタリー「residence」について
ドキュメンタリー映画「residence」は、２０１１年から翌１２年にかけてアーティスト・イン・レジデンス山梨[ＡＩＲＹ]に滞在した作家を甲府市出身の映像作家タンザワユウキ監督が取材し、初監督作品として完成させたものです。レジデンスという場での出会いと別れそして制作活動といった日常風景を、ヒューマンなタッチで描いた約１時間の感動作品です。

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言葉も文化も違う場所で
人は出会い別れる
アーティストはそれを表現する

作品はいつしか言葉に代わり
人に伝え始める

それはごく平凡な日常の
ありふれた奇跡

＊参考トレーラー
https://www.facebook.com/video.php

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４/２５　清里HIMAWARI　にて上映後

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５/３，４，５，６　富士吉田会場の旧富士製氷にて

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５/９　南アルプス会場　市民活動センターにてアフタートーク

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５/２２　甲府会場　BACCHUS guest house 屋上にて

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今回の上映は１０周年事業に絡めて県内各地４ヶ所で上映し５０名以上のみなさまに観ていただくことができました。

映画を観て「AIRというものがわかった」「AIRって世界中にあるんだね」「アーティストも自炊してるんだね」

などいろいろな感想をいただくことができました。

特に南アルプス会場では上映後のアフタートークにて、当地の滞在作家であるヨナ・ハンセンを交えて会話が弾みました。

「南アルプス市でアーティストに会いましたか？」「宿泊先の古民家（米山さん）はどうですか？」「レジデンスに来るとき不安はありましたか？」

などの質問が出ました。

作家からは「どうしてアーティストを受け入れるのですか？」と参加者に質問する場面も。

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他の質問

「地方では移住者や転入者に興味がある」

「AIRYにはリピーターのアーティストはいるのか？」

「exhibitionかopen studioか？」

「ワークショップはどんなことをしたのか？」

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意見

「まちにアートが欲しい」

「違う目でまちをみて作品かするのがアーティスト」

「まちに異物（移住者、転入者、アーティスト）を混入させるとざわつきが起こる」

「新しい人が入ってくると新しい人間関係ができる」

born in German lives and works in Netherlands

work on paper, installation, books

www.maikehemmers.com

residency December 2014-January 2015

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ドイツ生まれオランダ在住

紙に描画、インスタレーション、製本

２０１４年１２月～２０１５年１月滞在

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The everyday and the (visual) tactility of things is very fascinating for me. This fascination expresses itself mainly in two themes right now; the esthetic of everyday life and everyday objects and the interaction between the naturally unplanned and the conscious plan.

The esthetic of everyday life

The esthetic of everyday life is an essence for my art making. Everyday objects are represented in art, but art can also be represented in the everyday life. I can use this as an artist by making the everyday a context for my creating, for example as experience or starting point for creative activity. Through living the esthetic experience consciously you can change the everyday as a background of your existence to a foreground. The value of the everyday for me lies in the esthetic of my perception. I use this mainly in my work not by mirroring the everyday, but by taking it out of its context and making it notable. With that it gains a different meaning.

The everyday in art or art in the everyday is also an interesting point for the approach in making works if you consider the exclusivity of artworks. Making them less valuable makes them more approachable for a bigger audience. Creating editions in comparison to creating singular pieces gives them a wider range. By using books (as an everyday object) in my making as an artist I can literally use an everyday object in my art, that contacts the world.

Visual tactility

Visual tactility expresses itself in my work in the desire to touch. I want to touch physically or through looking at, touching visually with my eyes. Out of this focus I create work with a strong visual tactility. In this sense tactility means a communication on a sensual level. This can be expressed in the choice of material and the execution with them, but also in the way of presenting works. My wish for tactility expresses itself also in the topics I choose in my drawings such as (everyday) objects or the human body. In 2011/ 2012 I have made drawings related to body forms, the desire for tactility expressed itself literally in my chosen topics to draw. From 2013 onward the handling of this topic became more abstract, the desire to touch is mainly visible in the choice of material and the handling of that. Rough paper with a visible structure arises (at least for me) the craving to feel it and because of its structure has an almost three-dimensional effect. The patterns and color surfaces in my work give the impression of fabric or the structure of textile. In my book-making the visual tactility becomes physical by making an object, that is destined for use.

The naturally unplanned versus the conscious plan

Humans order the world through action and thoughts to their own means. Through cultivating they define nature to culture, however there is just a certain control you can gain over this nature. For me as an artist this implies, that I can make a plan for creating a work, yet this plan has its boundaries as the naturally unplanned factors influence the final result. This implies that a drawn line is influenced by the material you use (pen, paper, water etc) and the surroundings (placing, architecture, light etc). With that I question what happens to the so called autonomy of the artist if the work is not just formed by the cultural and social milieu, but also with the simple conditions of the material and the environment of presentation. About what kind of autonomy am I talking in my work then? I am interested in that ambiguity between my conscious plan/ autonomy as an artist and the unplanned/ autonomy of the surrounding world.

I examine this in my work by letting the naturally unplanned play a (more or less) conscious role in my work. The influence of material and surrounding is an equal partner in the making of an art work. This condition is examined in a visual manner, that expresses itself mainly in my choice of material in relation to working with drawings. The result of a working period in which I produce many drawings is put together in an exposition as installation where the connection of all these drawings becomes a whole work.

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日常の物事の（視覚）触覚は私にとって非常に魅力的であり、主に2つのテーマがある。それは日常生活や日常のものごとと、自然な無計画と意識的な計画の間の美的な相互作用だ。

日常生活の美

日常生活の美は私のアート制作の基本だ。日常のものごとはアートの技術で表現されるが、アートも日常生活の中で表現することができる。わたしは経験として、たとえばアートのために日常の文脈を作ったり、創作活動を始める。美的体験を経ることは、意識的に自分の背景として経験が生かせるし日常を変えることができる。わたしにとっては日常の価値は知覚の審美にある。毎日の生活の表面を単に写すだけでなく、その文脈から切り取った注目に値することをわたしの作品に生かす。それは別の意味を得る。

日常の中のアートやアートの日常はまた、作品を作るアプローチのための興味深いポイントだ。より少ない貴重な作品を作ることはより多くの観客の関心を引く。ただ一冊の作品制作と比較して、もし版を作成すればより広い範囲に提供できるが。アーティストとして自分の意思で限定本を制作することによってわたしはアートで世界とつながることができる。

ビジュアル触覚

ビジュアル触覚とは、触れたいという願望を作品に表現していることを示す。わたしは物理的に自分の目で視覚的に触れたいと思い、強い視覚的な触覚を持つ作品を作成している。この官能的な触覚レベルでの表現を意味する。作品で提示しているように、素材の選択は現在の作品例に認められる。触覚へのわたしの願いについて、（日常の）オブジェクトや人体など図面で選択したトピックでも自分自身を表現している。２０１１－１２年の作品で身体のフォームに関連する作品を作り自分を投影した。このトピックの取り扱いがより抽象的になった２０１３年以降は、触れたいという欲求は材料の選択とそれの取り扱いを中心に表示されている。ラフ紙目に見られる構造はほぼ３次元効果を持ち始めた。私の作品のパターンと色の表面は、布の印象または織物に構造を与える。わたしの本の中で作り上げられた視覚的な触覚は運命的な実体験といえる。

自然な無計画に対して意識的な計画

人間は自分の手段に行動や考えを通じて世界を理解する。例えば人間は植物を栽培することを通して文化への性質を定義するように、ある意味で制御がある。わたしにとってはアーティストが作品制作の計画を練ることを意味し、計画外の要因が最終結果に作品に影響を与える。これは引かれた線は使用材料（ペン、紙、水など）とその環境（配置、建造物、一般光）の影響を受けていることを意味する。また作品が文化的·社会的環境によってだけでなく、材料の単純な条件やプレゼンテーションの環境が形成されていない場合には、アーティストのいわゆる自律性に何かが起こるかもしれない。作品の中でわたしはどんな自律性を語るのか、アーティストと周囲の世界の無計画/自律性としての私の意識的な計画/自律性の間の曖昧さに興味を持っている。

制作の中では予定外の発展を多かれ少なかれ意識して役割をさせることを考える。材料と周囲の影響はアート作品の制作における対等なパートナーである。この条件は作品上の作業に関連し、材料の選択で自分自身を表現して視覚的な方法を検討する。レジデンス期間の最終段階で、これらすべての作品全体で構成されるインスタレーションとして発表する。

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Maike Hemmers held a workshop

[make own book!]

@Yamanashi International Association

http://www.yia.or.jp/

11:00-15:30 Saturday 13th December

admission fee ￥500

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Maike Hemmers open studio

[context in time]
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マイケ・ヘマース　オープンスタジオ

www.maikehemmers.com

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Hemmers has been interested in Japanese unique space perceptions before coming to Japan.

She would like to study the concept of “between” from writings of the original by Kenya HARA.

Then try to research from various fields　about “間” that it is not in the Western concept.

In the open studio of two days a visual representation of the image toward this theme is installed in the studio.

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ヘマースは来日前から日本独特の空間の捉え方に興味を持ち、原　研哉の著述から「間」の概念について研究したいと考えていました。
滞在中は西洋的概念にはないという「間」を多方面からリサーチを試みて、二日間のオープンスタジオではインスタレーション形式でそのイメージを視覚的に表現します。

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リサーチと活動：
江戸時代中期の伝統的家屋「安藤家住宅」リサーチ
家具職人・華道家・書道家・アーティストへのインタビューと録画撮り
川端康成　書物研究
現在の居室空間を２２日間撮影して編集製本した[semi stable place in 22 days] の出版

※[semi stable place in 22 days] １４冊限定出版

販売中　￥２２００/一冊

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gallery map_open studio

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change of vision, acrylic on paper

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a semi-stable space, video in 2.13 minutes

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a semi-stable space in 22 days, edition of 14

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1-11, photos and books of studying Japanese concept Ma

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http://www.blancaguerrero.net/

Painting, printmaking, photography, sculpture

born in Spain, lives & works in NY

January-February 2015

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ブランカ・ゲレロ

絵画・版画・写真・彫刻

スペイン生まれ、ニューヨーク在住

２０１５年１~2月

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DIVE_ acrylic and graphite on wood/6x6inch

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DIVE_ acrylic and graphite on wood/12x12inch

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DIVE_ acrylic and graphite on wood/18x18inch

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As an artist, I prefer to work in solitude, in a quiet place. The studio space is my escape. Having spent the majority of my life in New York City, I have learned to take a meditative approach to everyday life in order to maintain balance in such an environment. Although I feel I have mastered this and appreciate the hectic environment, I still dream of a landscape where the silence feels palpable. Where I can take part in a different kind of community, with new views, values, traditions, nature and people.As of recent, I am most interested in what I describe as “diffusing elements in nature”. Such as fog, smoke… or the feeling of being submerged in a body of water.

How we experience these transient states.

How they affect our senses.

How they might modify how we perceive volumes.

How we interact with this impermanence.

These moments of diffusion could be overlooked- as they are an expression of a fleeting moment, maybe even a shift between elemental states. But it is that precious articulation of impermanence that entices me. These “diffusers” alter landscape as well as mindscape.

I prefer to take an architectural approach to this subject of my own… to create objects, sketches, paintings, photographs in pursuit of an imaginary structure, of quietude… as an exercise for myself, as a guide to stillness and contemplation.

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わたしは芸術家として、静かな場所で一人で制作することを好む。スタジオスペースは私の脱出場所だ。ニューヨーク市で人生の大半を過ごしたわたしはこの環境の中で平衡を維持するために、日常生活に瞑想的な接近方法を取り入れることを学んだ。これを習得したあとは多忙な環境に感謝し、さらに沈黙を触知する風景を夢見るようになった。どこへ行けば新しい風景や価値、伝統、自然と人々、地域社会のさまざまな相違に出会うことができるか。

最近では「自然の要素を拡散させる」ものについて最も興味を持っているーたとえば霧、煙、または水域に沈んでいるような感覚など。

どのように我々はこれらの過渡的な状態を経験するか

それはどのように私たちの感覚に影響を与えるか

我々が量感をどのように認識しているか、どのように修正するか

どのように我々はこの無常と対話するか

つかの間の瞬間の表情や、元の状態での転換の瞬間を見落とす可能性がある。しかしそれは自分を誘い込むために無常だが貴重な装置で、これらのいわゆる「散布機」は実風景だけでなく心象風景をも変える。

わたしは静寂に助けられ、自分のための鍛錬として静寂かつ架空の構造を追求した立体・素描・絵画・写真を作成する。このように建築的なアプローチの手法を取ることを好む。

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Blanca Guerro opens a booth to show and sell small works

@ Marchais in Fusetsu cafe & gallery Kofu

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節分祭

「繭玉つくり＆鬼つのカラーリング」ワークショップ

１月２８日

甲府市立舞鶴小学校

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Setsubun Festival ornament workshop

January 28th

Maizuru Elementary School

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IN THE STUDIO

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Blanca Guerrero OPEN STUDIO

21st 22nd February  11:00-18:00　@ AIRY

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uk

painter

residency December 2014

http://richardstephentaylorart.weebly.com/

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イギリス

絵画

２０１４年１２月滞在

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oil on canvas 53×45.5cm/ painted in Hokkaido Japan

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72.7×60.6cm

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65.2x53cm

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My practice is concerned with deconstructing my own response to a specific place or landscape by reducing this motif to its essential aesthetic and experiential components. This process begins with a gestural approach to mark making within my drawings, which aim to capture the immediacy and urgency of these primary visual and auditory experiences. More specifically these experiences find representation through a spontaneous ‘synaestheisiastic’ approach to drawing, which is then used as a springboard for my approach to larger works on canvas. This formal process ensures the finished work is far enough removed to allow an otherwise unknowable essence to emerge, resulting in a painting that brings together a myriad of experiences into one, semi-abstract space.

In 2008 I was awarded The Summerfield Trust Scholarship, the award allowed me to study at The British School at Rome over a five-week period. In 2010 I was awarded the Artist in Residence at ‘The Muse 269’ on Portobello Road, London, lasting seven months, and resulting in my first solo show. This residency helped me to work and develop independently; providing a transition period away from academic life into a professional, Practicing Artist. After my residency at the Muse Gallery I was awarded with an Artist in residency at Can Serrat International Art Centre’, Barcelona, Spain.

In The spring of 2011, In search of new influences I decided to go traveling. My three year journey took me around Australia, South East Asia, New Zealand and Japan. I believe this experience became extremely beneficial to my artistic and personal growth. To go from the shear expanse and harshness of the Australian desert to the sublime peaks of New Zealand’s mountains was awe inspiring, and it proved to be a profound experience for me. I think traveling to Japan was my greatest influence. I had always been interested in Japanese Art, especially Zen Buddhism, their ideal in Harmony, balance and subtlety had always played a pivotal role in my own practice. I was overwhelmed by the beauty of Hokkaido, and to see the transition of the seasons was a very special time for me. I believe I found a second home in Japan, a home I hope to return to.

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わたしの絵画実践は、対象を本質的根拠と実験的要素の状態へと持っていくことにより、ある特定の場所や風景に対する自身の反応を批評することにある。この過程は素描をしながら見せかけのアプローチをすることから始まる。そして最初の視覚聴覚による経験からただちに捕らえることを目指している。さらに言うなら、これらの経験は予期せぬある種の幸福へのアプローチを通して発見することがあり、それは大きなキャンバス描画への飛板となりえる。この過程は完成作品が現実からかなりかけ離れていることを意味し、不可知の要素が出現している。結果的にわたしの絵画は無数の経験をひとつにまとめて半抽象的な作品になる。

２００８年にわたしは「サマーフィールド信託奨学金」を獲得して「ローマ英国学校」で５週間学ぶ機会をえた。２０１０年にはロンドン・ポートベロ通りの「TheMuse２６９」に７ヶ月滞在制作する賞をえて、最終的にそこで初個展を開催した。レジデンスをすることで、単に学問的な生活から実践的で職業的な生活へと移動期を体験できたし、アーティストとして独立することができたと思う。そこでの滞在後は、スペイン・バルセロナの「カン・セラート国際アートセンター」での滞在制作の賞をえることができた。

２０１１年春にはさらに新しい環境を求めて旅に出ることにした。３年以上に及ぶ旅は、オーストラリア・東南アジア・ニュージーランドそして日本へと続いた。この経験はわたしをアーティストとして人間として大きく成長させるものと信じている。オーストラリアの荒々しい広野やニュージーランド山々お崇高な頂上はわたしを鼓舞して止まず、深長な経験をさせてくれた。日本への旅も偉大な影響を与えてくれるだろう。特に禅や仏教そして調和の精神はこれまでずっと興味があり、平衡や微妙といった精神はいつもわたしの絵画実践の中で極めて重要な要素となってきた。北海道で自然美に圧倒され季節の移ろいを体験することは特別な時間だった。日本は第二のふるさとであり、またいつか戻ってきたい場所である。

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Open Studio [The Blue Vision]

11:00-18:00  27(sat)-28(sun) December 2014

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オープンスタジオ「青い幻像」

２０１４年　１２月２７日（土）２８日(日）

１１：００～１８：００

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日時　２０１４年１２月２７日（土）２８日（日）　１１：００～１８：００

場所　ギャラリー・エアリー

作品 F40号キャンバス　８点　キャンバスに油彩

作家 Richard Taylor/リチャード・テイラー（1987年生）イギリス出身ペインター　１２月滞在作家

母国イギリスで美術大学卒業　ローマ・バルセロナ・ロンドンなどのレジデンスにて滞在制作

２０１１―１４年　オーストラリア、ニュージーランドを旅しながら制作を続ける

２０１４年　初来日、東京で働きながら北海道で制作する

１２月エアリー滞在制作、雄大な山梨の山岳風景に魅せられてスケッチを行い日々制作に励む

富士山、八ヶ岳、芦安などでのスケッチをもとに製作している。

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Artist Statement:

am drawn to the landscape because of the atmosphere it can create. These moments of fleeting beauty are unattainable. I am pursuing this.

It is impossible to describe the perfect scene or the perfect beauty, this wonderment of nature and beauty are the same thing.

Be it a beautiful scent or the feeling of the calm stillness twilight brings, nature and beauty don’t last, but by trying to paint the these ambiguous experiences I am capturing them. The passing of time is something you cannot control, time changes your emotion and it can manipulate your perception of beauty. Your memory doesn’t recognize time, because it is your own.These memories are precious, I want to reflect this fleeting beauty and cement them onto the canvas.

I fear time will eventually take my memory and the potency of the experience will fade. I paint the fragments of transient beauty that are in danger of being carried away by the harshness of time.

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自然が織りなす情景が、わたしを風景画の創作へと掻き立てます。時のうつろいとともにその 姿を変えていく自然のなかを、捉え難いはかない美のひとときが、過ぎ去っていく。 わたし はその過ぎ去りゆくものを追いかけます。

完璧な風景を説明することができないように、完璧な美を説明することはできない。これは自 然と美に共通する不思議です。素晴らしい芳香や、静かな黄昏の情景が差し出されても、そこ にある自然と美は、留まることなく通り過ぎていく。時を止めることはできず、時間は感情を 変化させ、美への印象を処理してしまいます。

記憶に刻まれた情景は、こうして流れていく時に逆らい、わたしが心の裡に繋ぎ止めたもので す。わたしはそのかりそめの、わたしの記憶に生きる美の幻を、画布に反映し繋ぎ止めたいの です。

いつか記憶が色褪せ、美がわたしのもとを去ることをわたしは恐れます。 現実の無慈悲にさらわれそうな美の欠片を、わたしは描いています。

訳：宮　有葉

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www.courtneybatson.com

www.ideationalarts.blogspot.co.uk

painter

residency 2014 October

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コートニー・バトソン

絵画

２０１４年１０月滞在

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brush 2013

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hooks-and-horn

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bracket 2013

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beans 2013

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I am interested in producing paintings that are about making paintings: about process and experience. Given the opportunity to go on a residency in Japan will give me space and time to work through ideas about processes, traditions and experience within a completely new culture. This revision of expected ways of thinking will allow me to also re-assess my works processes, expectation and values.

Over the last 18 months my work has centered on the idea that painting has Ardent Inarticulacy: An ability to speak in-directly. I think this Ardent Inarticulacy is due to a dissatisfaction with figurative paintings. Figuration, in my contemporary western world is saturated by logical, transferable rhetoric. A system of values that are objective and their in-flexibility undeniably destroys the locality of painting.

Successful painting must be owned. Much like the works of Rene Daniels, Phillip Guston, Ellen Gallagher and Georg Baselitz both the visual system displayed and the subtext that informs it must be powered by a personal articulation. A body or volume that is captured both within and across their careers, a duration that is malleable and engaged, a buoyant entity that works independently of structure and regime but in-itself it contains its own sense of what they mean. They have built their own production and from that articulate a lot more than an expected visual system. Practice becomes a metaphorical form that changes the relation to history: history as locality, as living with or next too.

My aim is to experience a new visual system furthering my studies and painting practice. I am unsure of what I will experience, but the fact that I will be out of my context will provide me with a space to respond.

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わたしは絵画制作において過程と経験に興味がある。今回日本のレジデンスに滞在する機会を得たので、全く新しい文化の中で過程・伝統・経験を通して制作する場所と時間が与えられた。わたしの作品の過程・期待・価値が評価されると予想される。

この１８ヶ月間わたしの制作は「絵画は直接的に語る可能性がある」という考えを据えてきた。この考えは人物画においては不備が否めない。比喩的に現代の西洋世界は論理において移ろいやすい美辞麗句で満ちている。価値観は物的であり、その柔軟性は絵画が一地域限定であることを否定する。

優れた絵画は所有されるべきである。レネ・ダニエルス、フィリップ・ガストン、エレン・ギャラガー、ジョージ・ベースリッツなどの作品とともに作品にかくされた意味までも。作品のなかにかくされた意味は、より個人の思想的表現の力を強くするだろう。鍛えられて従事した経歴から得られた実態や物量は、構造や制度に対して個々が働きかける浮揚する実体だ。しかし実体はそれ自体が個々の意味を持つ。彼らは自身の産物をつくりあげ、予想される視覚的系統よりはるかに多くのことを明確に述べている。絵画の実践をすることで隠喩的な型は歴史に関係するものに変化する。歴史とは地域であり、生きることだ。

わたしのレジデンスでのねらいは、新たな視覚体験からさらなる絵画の実践をすることだ。一体なにを経験するのかは不確かだが、これまでの文脈から外へ出る事実は、何らかの反応をもたらすはずだ。

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Courtney Batson Exhibition

コートニー・バトソン展

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Courtney Batson @AIRY

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今回日本のレジデンスに滞在する機会を得て、全く新しい文化の中で過程・伝統・経験を通して制作する場所と時間が与えられました。/ 絵画の実践をすることで隠喩的な型は歴史に関係するものに変化します。歴史とは地域であり、生きることです。/ わたしのレジデンスでのねらいは、新たな視覚体験からさらなる絵画の実践をすることです。一体なにを経験するのかは不確かですが、これまでの文脈から外へ出る事実は、何らかの反応をもたらすはずです。

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10 / 26 (日)
野外展示 “LONDON◁▶KOFU”

日本のアーティストたちとの野外合同展示です。
日本を感じて作られたコートニーの作品。ロンドンについて考えた日本の作品。
それぞれの作品やロンドンのアートシーンについてのランチトーク。
ランチトークにてお食事をご希望の方は24(金)までに予約 / ¥1,000

→contactからお申し込みください。

時間：作品展示 11:00~16:00 / ランチトーク 11:00~13:00
会場：橘児童公園（通称：たこ公園）山梨県甲府市丸の内2-17

※雨天時はAIRYにて

10 / 27 (月)
AIRYギャラリースペースにて滞在制作した全作品を展示します。
夜にはクロージングパーティー “Fish&Chips Night!” を開催します。
パーティー参加ご希望の方は25(土)までに予約 / ¥1,000（飲食代込み）

→contactからお申し込みください。
時間：ギャラリーオープン11:00~17:00 / Fish&Chips Night! 17:00~21:00
会場：Artist In Residence Yamanashi 山梨県甲府市丸の内2-37-2

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Day 1st_@Taco Park

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spray on Tatami mat canvas

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view of Taco park

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Day 2nd@AIRY

acrylic on paper

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oil pastel on Shoji paper

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[Mining the Shallows]

“The point of abstraction is not so much meaning as being… before the work conveys reality it must achieve its own reality”①.

The paintings you see in this show are not seen as abstractions but rather as inventions②, whimsical attempts to open the surface of the paintings, allowing a process of depiction that rids the image of its cohesive qualities.

Elements of road signs, street markings, weather maps, patterns, designs and culture mix in a practice that looks to both highlight and mock the process of depiction. Looking to Adolf Loos “Ornament is Crime”; Loos states that ornament is now an excess to modern man, while the state holds onto ornament as a anchoring value and that value is cultural history. Using this contradictory state the work plays between the two boundaries having numerous, symbols, signs and patterns displayed from several, cultures and disciplines one finds confliction, confusion and distrust.

Such contradictions highlight the transferable nature of value within depiction, liberating elements from its necessity to portray. Functional signs loose there meaning while patterns are reconstituted within a different set of parameters. Each becomes mobile to the other allowing an accessibility that can be utilised.

In doing so the work shakes of the static notion of imagery, as a preconceived element, stumbling over itself and squeezing through the gaps available. Rapid marks maybe made but multiple pieces are made at one time. This communal alliance occurs outside of the painting and builds the charge within the work energizing the studio space allowing the works to help one another to move forward and sometimes backward. The studio becomes a trading off – much like chess, as you hope the moves you take pay off. This sense of maneuvering is layered with elements of tension and has become a central concern within the studio. It offers me a longevity whenever I get bogged down by an image or a train of thought to escape to another, in a sense the work is based on a collective conversation.

The process and the depiction are about becoming and allows the paintings to find their own pictorial integrity as the work plays or bets against itself; where criticism may not lie in its content but more so in the success of its evolution in turn creating its own reality.

This has currently concluded with the process of bringing elements of interest physically into the studio. Hay bundles create sprayed silhouettes for their own depiction or rubbings of man hole covers are printed on wallpaper not only to bring the immediacy of depiction to the forefront in a ontic③ display but rather to highlight in further detail the continuos system of conversation within the studio.

「浅瀬を掘る」

抽象の目的は、何かを意味することではなく、ただ存在する事だ。作品は現実を表す前に、作品そのものの現実に到達しなければならない。

この展覧会にある作品は抽象ではなくむしろ発明であり、像から結合力を取り除いて描写する方法を用いた、作品の表面を切り開く奇妙な試みである。

道路標識や道路の白線、天気図、模様、デザイン、文化の要素は、描写の方法を際立たせて無駄にするように混じりあっている。Adolf Loosの”Ornament is Crime”によると、現代の私たちには過剰な装飾があるが、一方で国はそれを文化の歴史として固守している。この矛盾する状態において、いくつかの文化や秩序のおびただしい数の記号や看板、模様を持つ作品はその境界に存在する。そして私たちに衝突や混乱、疑惑を示す。

このような矛盾は、描写の持つ交換可能な価値観を際立たせる要素を必要性から描写を開放する。機能的なサインはその形が異なる枠の中で再構築されたときにその意味を失う。それぞれは異なる用途でそれぞれが役立てられる認められた状況で使われるようになる。その中で作品は静止した画の概念をゆさぶる構成の要素として、それ自体がゆらぎ、許される範囲の中で伸縮する。

Rapid marksは作られるが、様々な要素は一回作られる。この相互作用は画の外で行われ、作品に力を与えスタジオの中の他者に伝わり、彼らと前進させたり後退させたりする。

スタジオはチェスのようなやりとりの場でコマの動きがうまくいくことを望むように、この類のやり取りはテンションが折り重なり、スタジオの中の中心的な関心ごとになる。

他者の会社の中で生まれるこれらの作品は立ち止まったり、逃げ出したくなったりしながら、長い人生をかけてたどりつくものだ。

方法と描写は完成されつつあり、作品は、その内容に批判がなく、進化と現実性を達成することでその誠実さを見出す。

この一連の工程は彼が関心の要素を物質的にアトリエに運ぶプロセスをもって終わりを迎えた。実在的な展示において、描写の直感性を最も重要なところへともたらすために、干草の束のシルエットを壁に映し出し、マンホールの蓋をこすって壁紙にその跡をつけた。また、それはさらにアトリエにおける断続的な対話法を強調している。

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5 local artists’ works displayed in Taco park, collaborated to Courtney Batson.

＜LONDON◁▶KOFU＞

公園で展示された地域の作家による作品紹介

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[Rainy London] mixed media on panel/Tosso Watanabe

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[I’m Japanesque] print on paper, A4size/Ayaka Nonaka

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acrylic on cutout wood/Josephine Vejrich

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[homage to Shakespeare ] mixed media/Tatsuo Takahashi

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[travel note] skech on papers/Izumi Sakamoto

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http://www.josephinevejrich.com

illustration,bookmaking,installation

born in finland, lives & works sweden

residency October November 2014

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イラストレーション、ブックアート、インスタレーション

フィンランド生まれ　スウェーデン・ストックホルム在住

２０１４年１０月１１月滞在

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In my work as an artist and illustrator I want to achieve a balance between what’s described in the work and what can be interpreted by it. I appreciate work where the viewer is given a space to interpret and to lose oneself in the story. I also try to understand how the work can make us feel curious in what we experience. I was born in Finland but are today working and living in Stockholm since I graduated from Konstfack College of Arts, Crafts and Design in Stockholm. I like to use personal stories in my work to approach a subject or feeling. During my studies I had the opportunity to do an exchange semester at Kyoto University of Art and Design in Kyoto. My interest in japanese art history and the application of illustration and design in the culture really took a hold on me during my stay. The poetic and playful approach that I experience in many japanese picture books is a way of working that I really admire.

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わたしはフィンランドで生まれですが、スウェーデン・ストックホルムの美術工芸大学を卒業後そのままストックホルムに住んでいます。

アーティストまたはイラストレーターとして、作品の中で語られることと作品から感じられることのバランスを取るように考えています。わたしの作品を見て想像の幅を広げて、自分を投影してくれればうれしいです。また、わたしの作品が鑑賞者の経験からどんな好奇心を感じさせることができるかをいつも考えています。そしてそのテーマや人間の感情というものに近づくために、個人的な物語を引用します。

わたしはこれまでに京都造形美術大学の交換留学生としての経験があります。京都滞在中に日本美術の歴史やイラスト・デザインに触れて大きな刺激を受けました。多くの日本の画集から詩的で遊び心がある表現方法を学びました。わたしはその影響を大きく受けているといえます。

山梨では地元の人々といっしょに絵本作りをしたいと計画しています。それは家族が話し合って一冊の絵本を仕上げたるワークショップをしたり、山梨に伝わる話をもとにわたしなりの制作をしたいと思ってます。

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November 3rd

Josephine Vejrich shows her artworks and hold art workshop

[making a zin for parent & child]

１１月３日

「第二回ワールド・アート・フェスティバル」

韮崎市ニコリ三階　子育て支援センター

「ジョセフィーヌとつくるジン」　親子で作るジン（絵本つくり）

無料　予約不要

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INTERNATIONAL FESTA@ Kose Sports Park

15,16th November

国際フェスタ２０１４　１１月１５，１６日

甲府市小瀬スポーツ公園

「動くカードをつくろう」無料　予約不要

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[Making Moving Card workshop]

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[BIG MEETING]

Josephine Vejrich solo exhibition

22,23 November 2014

@ Chemin Du Bonheur

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Text for [BIG MEETING]

Inspired by the scenery, people’s lives and nightly walks in kofu. My work has taken shape over a two month residence period at AIRY. I feel very fortunate for the privilege to have experienced Kofu and happy over the meetings with welcoming residents. I also feel very strongly that the impressions will continue to inspire me in my future work. Dense forest, inaccessible mountains a force so strong that it becomes it’s own essence. How the relationship with nature has shaped the residents in Yamanashi and how it’s reflected in the daily lives. My work is inspired by the solitude encounter with surroundings in Yamanashi and the thought about sensing Kami.

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風景や人々の生活に触発されて甲府の夜のまちを歩く。 作品はAIRYでの二ヶ月間の滞在期間を経て形を整えつつあり、わたしはここでの生活を経験できることや歓迎してくれる人々に出会えたことをとても幸運だと思う。また山梨で感じた印象はこれからの作品制作において強くわたしを鼓舞し続けるだろうと感じています。 鬱蒼とした森やアクセス不能な山はとても力強くて、それ自体が魂を持つ生き物のようです。 自然との関係は山梨の住民をどのように形作ったのか、それはどのように日常生活に反映されているのか。わたしの作品は山梨を取り巻く自然環境との孤独な出会いや神々を感じる思想に触発されたものです。

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Josephine Vejrich solo show “BIG MEETING” held at Chemin Du Bonheur

thank you for collaborated and supported of residency artists

↓ ↓ ↓ ↓ ↓ ↓ ↓ ↓

http://chemindubonheurhokuto.weebly.com/event

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photos by Ikumo MOTOSUGI

Josephine Vejrich solo show “BIG MEETING” held at Chemin Du Bonheur

thank you for collaborated and supported for residency artists

↓ ↓ ↓ ↓ ↓ ↓ ↓ ↓

http://chemindubonheurhokuto.weebly.com/event

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north Ireland, London

drawing, painting, sculpture

july, august, september 2014

www.lucas-dillon.com

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ルーカス・ディロン

北アイルランド、ロンドン

２０１４年７，８，９月

素描、絵画、彫刻

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Wild Combination
2013
Clay, wood, paint and ceramic
Exhibited on steel frame

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The Dance (Of the Fractal Warriors)
2013
Hessian, found imagery, nails, paint and resin

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LUCKY DAY

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I am interested in investigating and further defining the aesthetic of Comic Abstraction. This ideology functions on using references from cartoons, comics, film and other source points found with in popular culture as the point of departure for creating work. Through abstracting and merging points of reference one can form new critiques and express new ideals/concerns.

When considering the genre in relation to my practice I am particularly interested in merging contemporary imagery with that of compositional elements and subject matter found with in traditional painting in order to question ideals of expression, authorship, value and taste. I would like to create a new series of works, which use elements from the local environment as the impetus for production.

My working methodology relies on using specifically coordinated objects, images and materials to communicate a raw and intentionally unrefined emotion. Through relaying and abstracting aspects of our modern environment such as ornaments and found images, I intend to bring into question systems of value, expression and authorship with in the commodity driven culture we inhabit. Through coupling low and high cultural references with expressive marks or materials I create a balance of forms that are aware of their sociological placement with in culture and art history. In this noncommittal visual age when ephemerality and Internet culture prevail, I create a physical satire that challenges the common preconceptions of the limitation of paintings and sculpture whilst documenting a time and a feeling. Expression and reinvention struggle to articulate themselves fully, while cultural ties, colour and texture exist as tools to create a family of objects, questions and relationships.

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わたしは抽象喜劇の概念を研究してさらに美的に定義することに興味がある。この思考形態は、時事風刺マンガ・コマ続きマンガ・映画などの情報源が大衆文化から創造的な作品へと移行する先端を発見することで機能する。抽象化・同化させることを通して新たな評論と経験、そして新しい理想と考え方をかたちつくることができる。

この実践に関するジャンルを考えるとき特に興味があるのは、伝統的絵画に見られる構成要素と表現の理想・原作者・価値・味わいなどの課題を同化させることにある。わたしは日本の地方環境から刺激を受けて新作のシリーズをつくりあげたいと考えている。

わたしの制作方法論として、物・イメージ・素材を生でかつ故意には洗練されていない感情と組み合わせる方法に頼っている。装飾品やつくられたイメージなど現代社会の局面を組み替えたり抽象化する。そうすることで、我々が居住するありきたりの文化のなかに価値・経験・原作者に関する疑問を投げかけたい。

作品に意味ありげな印や物質を取り上げて文化的高低を対にすることで、文化や歴史における社会的地位に気づくためのバランス装置をつくりあげる。インターネット普及によるあいまいな時代文化、わたしは時間と感覚を記録することで絵画や彫刻への一般的先入観や限界に対して物理的な風刺をつくりあげていく。それらをじゅうぶんに伝えようともがくことが表現であり再発明であろう。色と素材は物質・疑問・関係性という一族をつくりあげる道具として存在するのだ。

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July 28th 2014

Work Shop@maizuru elementary school

summer class

[mystery monster]

Surrealist game called ‘Exquisite Corpse’

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甲府市立舞鶴小学校　放課後学級コスモス

絵・音楽・詩などで

シュルレアリストたちが試みた新たなイメージを得るための方法でしたが

今回は子供たちのためにわかりやすく再構成しました

「ミステリー・モンスター」

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３人で一つのグループを作る

紙を３つ折りにする

頭・胴体・足の順に３人が描く（人の描いたものは見ない）

出来上がった作品を一度鑑賞する

その後無作為に配って一人が一枚を彩色する

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make a group of one in three people

make tri-fold paper

three students draw to the order of the head, torso, feet (not seen anything that drew people)

show once the work was completed

coloring giving out randomly

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30 students participated to the workshop

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at the last Lucas showed his new artwork to students.

最後はルーカスの作品にみんな興味津々です！

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September 3rd 2014

Work Shop@Hatta junior high school

english class

[unexpected monster]

Surrealist game called ‘Exquisite Corpse’

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南アルプス市立八田中学校　英語科授業２年１，２，３組

絵・音楽・詩などで

シュルレアリストたちが試みた新たなイメージを得るための方法でしたが

今回は中学生たちのためにわかりやすく再構成しました

「予想外のモンスター」

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Lucas Dillon [OPEN STUDIO]

11:00-18:00 sat 13th – tue 23rd September 2014

@AIRY

free admission

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opening

18:00- 21:00 sun 14th September

admission/ ￥500 one drink order

cafe: tosso & hiro _something good

live music: YO-CHU 幼虫_noise abstract unit band

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YO-CHU幼虫 Live music

こちらからどうぞ

↓↓↓↓↓↓↓↓

http://youtu.be/qwpD-zov0eA

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Kofu Art Festival

13th-23rd September 2014

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[LOOKING GOOD,  FEELING GOOD]

「格好いい　気持ちいい」

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設置場所：　甲府市銀座通り商店街　ベストカット１０００（床屋）

タイトル：　　「格好いい 気持ちいい」

作家名：　 　ルーカス・ディロン/Lucas Dillon （北アイルランド、ロンドン）

素材：　　 　フォト・コピー　（モノクローム）A2版

コメント： 甲府滞在中に床屋の机上で偶然見つけた彫刻は、ヨーロッパを発祥地にもつ典型的な偶像でした。１７世紀ベルギーの首都ブリュッセルに設置されて以来世界中で愛され続ける小便小僧にインスピレーションを受けて、敬意とユーモアを交えたメッセージを作品に表現しています。

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